Alejandro Dumas: la desconocida historia del verdadero conde de Montecristo.

Alejandro Dumas, abuelo y padre de los reconocidos escritores franceses, fue el primer general negro en Francia.

Esta nota fue publicada en 2012, pero actualizada con motivo del aniversario de la primera aparición de «El conde de Montecristo» el 28 de agosto de 1844*.

La historia del general Alejandro Dumas -nacido en Haití, mulato y bien parecido, diestro con la espada y padre del autor de «El conde de Montecristo»- es digna de las fascinantes aventuras literarias que creó su hijo.

Hijo de un aristócrata francés y una esclava negra, Dumas se convirtió en general poco después de la revolución Francesa, destacó por su destreza en el combate cuerpo a cuerpo y como estratega, y llegó a rivalizar con el mismísimo Napoleón.

Pero luego languideció durante dos años en un calabozo italiano, y sus recuerdos de esa aciaga experiencia inspiraron los avatares de Edmundo Dantés, el protagonista de la famosa novela.

Tom Reiss, escritor estadounidense, investigó y recuperó su historia.

«Me encontré con la vida del general Dumas cuando era chico, porque me gustaban tanto las obras de su hijo que busqué sus memorias».

Alexandre Dumas

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Alejandro Dumas fue un destacado escritor francés.

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Alejandro Dumas abuelo, padre e hijo

  • El general Alejandro Dumas fue el primer general negro del ejército francés.
  • Alejandro Dumas padre, como se lo conoce en Francia, es el autor de las célebres novelas de aventuras «Los tres mosqueteros» y «El conde de Montecristo».
  • Alejandro Dumas hijo también fue escritor y su novela «La dama de las camelias» fue base de la ópera «La Traviata» de Verdi.
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«Lo increíble es que en las primeras 200 páginas sólo habla de este hombre extraordinario, su padre, que parece una combinación de D’Artagnan con Edmundo Dantés, Porthos, un poco de Aramis, todos en un mismo personaje», cuenta Reiss en conversación con la BBC.

Un mulato en el ejército francés

Reiss rastreó la historia del general Dumas en archivos oficiales y privados de Francia y escribió su biografía en el libro «El Conde Negro».

«No fue difícil seguir su carrera militar», cuenta el biógrafo, «los archivos militares franceses están inundados de documentos de 1790, porque este hombre fue un gran espadachín y general de la revolución, aunque después fuera olvidado y borrado de la historia, así que encontré muchas descripciones de él en combate.»

Más complejo fue lograr hilvanar la historia del hombre detrás del excepcional soldado.

Reiss cuenta en su libro que el padre de Dumas fue una especie de aristócrata renegado que se marchó al territorio colonial que hoy es Haití para hacer fortuna, pero no tuvo mucho éxito.

Escultura

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Una escultura en honor del escritor francés.

Allí vivió 30 años junto a una esclava negra -la madre del general- mientras en Francia lo daban por muerto.

Cuando quiso regresar a Francia para heredar un castillo y un título nobiliario estaba tan quebrado que vendió a su propio hijo Alex -el héroe de esta historia- como esclavo.

«Yo encontré el documento que le permitió volver a comprar a su hijo una vez que heredó su fortuna», relata Reiss.

Alex llegó a Francia en 1776, a los 14 años, y recibió entrenamiento en la academia de esgrima en Versalles.

Se convirtió rápidamente en uno de los grandes esgrimistas del país.

Luego se unió al ejército como soldado raso, y en seguida se distinguió por su arrojo y por su destreza con las armas.

Cuando estalló la revolución, muchos nobles huyeron del país, y esto le brindó la oportunidad de desarrollar sus talentos militares.

En el lapso de un año consiguió convertirse en el primer general negro de un ejército occidental.

Tras una campaña exitosa en los Alpes, creció la fama del general Dumas, que además era muy alto y apuesto.

Los celos de Napoleón

Otro general que hizo carrera durante la revolución fue Napoleón Bonaparte, quien encontró en el heroico militar un rival de altura.

Casa de Alexandre Dumas

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El conde de Montecristo apareció por primera vez publicado el 28 de agosto de 1848 en la revista Journal des Débats.

Dumas participó junto a Napoleón en el combate contra las tropas austrohúngaras en el norte de Italia, y aquí es donde realmente se destacó cuando defendió su posición en un puente prácticamente solo.

El general Dumas decía lo que pensaba y confrontaba las megalómanas decisiones de Napoleón en medio del desierto.

Esta hazaña le valió el apodo de «Demonio negro», y Bonaparte no tuvo más alternativa que celebrar la proeza de Dumas.

Pero fue después, en la campaña napoleónica en Egipto, cuando esta rivalidad se hizo más patente.

Dumas comandaba la caballería francesa, y la presencia física del general negro causaba mucha más impresión entre los enemigos que la del pequeño y menos gallardo Napoleón.

«Esto volvía loco a Bonaparte», relata Reiss, y explica que además «el general Dumas decía lo que pensaba y confrontaba las megalómanas decisiones de Napoleón en medio del desierto. Eso nunca se lo perdonó.»

Horror en un calabozo

De regreso a Francia desde Egipto, la frágil embarcación en la que viajaba Dumas naufragó cerca de Italia, y allí fue a parar a un calabozo en el que pasó dos años terribles.

Imagen del Conde de Monte Cristo

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El conde de Montecristo es considerado un clásico de la literatura universal.

Sólo la insistencia de su esposa logró que las autoridades francesas intercedieran por uno de sus más valerosos generales.

«Una de las cosas que encontré», dice Reiss, «fue el manuscrito original que él mismo escribió una vez que fue liberado sobre esos dos años en los que fue envenenando y estuvo a punto de morir en prisión».

Según el autor, este texto es la base de las desventuras de Edmundo Dantés.

«Sus hazañas militares inspiraron las aventuras de los mosqueteros y su terrible experiencia en el calabozo, ‘El conde de Montecristo'», afirma el biógrafo.

El general Dumas murió de cáncer a los 43 años, cuando su hijo Alexandre sólo tenía cuatro, y su nombre se fue opacando en la historia, aunque dejó su huella e inspiración en la obra del novelista.

Curiosamente, la única estatua que recordaba las proezas del general negro fue destruida por los nazis cuando invadieron París en 1940, y nunca fue recuperada.

Imagen de portada: Gentileza de GETTY IMAGES

FUENTE RESPONSABLE: Redacción* BBC News Mundo. Agosto 2020

Sociedad y Cultura/Historia/Francia/Literatura/Cine

«House of Gucci»: la oscura historia de Patrizia Reggiani, la «viuda negra de la moda» que encarna Lady Gaga en la película.

«Es mejor llorar en un Rolls-Royce que ser feliz en una bicicleta».

Patrizia Reggiani pronunció su frase más célebre en una entrevista televisiva cuando formaba parte de lo más alto de la élite italiana. Es tal vez la que mejor define la obsesión por el lujo y el glamour que la ha acompañado durante casi toda su vida.

Años después, la que se conoce como la «viuda negra de la moda» se convertiría en una de las mujeres más odiadas de Italia, tras un mediático juicio en el que fue condenada a casi 30 años de prisión por orquestar el asesinato de su exmarido a manos de un sicario en 1995.

Su exesposo no era otro que Maurizio Gucci, heredero del imperio de la moda Gucci, fundado por su abuelo, el prestigioso diseñador Guccio Gucci, en 1906.

El caso, que conmocionó a Italia y a la industria de la moda de la década de 1990, vuelve ahora al ojo mediático gracias a un filme dirigido por Ridley Scott y protagonizado por Lady Gaga.

La cantante y actriz encarna en el segundo rol principal de su carrera a Patrizia Reggiani en «House of Gucci» («La casa Gucci», en Latinoamérica), junto a un destacado elenco que incluye a Adam Driver, Al Pacino, Jared Leto, Salma Hayek y Jeremy Irons.

Cartel de "House of Gucci"

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La película, basada en el libro homónimo de Sara Gay Forden, celebró el martes pasado su première en Londres y llegará a los cines de todo el mundo a partir del 25 de noviembre.

¿Pero cuál es la historia real de la mujer a la que da vida Lady Gaga y cómo se ganó el apodo de «viuda negra de la moda»?

Los inicios

Patrizia Reggiani nació en un pequeño pueblo italiano a las afueras de Milán, en el norte de Italia, el 2 de diciembre de 1948. No conoció a su padre biológico y su madre trabajaba como camarera.

Su situación humilde cambió cuando tenía 12 años y su madre se casó con Ferdinando Reggiani, un rico empresario de la industria del transporte.

Reggiani empezó a agasajar a su hija adoptiva con espléndidos regalos, como abrigos de piel o autos deportivos.

Poco a poco, la joven comenzó a ascender en la escala social y a relacionarse con las personas más influyentes de Milán… incluidos los Gucci.

En una fiesta en noviembre de 1970, conoció a Maurizio Gucci, con quien se casaría dos años más tarde y con quien tuvo dos hijas: Alessandra (en 1977) y Allegra (en 1981).

Patrizia Reggiani, interpretada por Gaga, se casó con un miembro de la familia Gucci en 1972.

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Patrizia Reggiani, interpretada por Lady Gaga (en la imagen, una escena del filme «La casa Gucci»), se casó con un miembro de la familia Gucci en 1972.

La ostentación rodeaba la vida del matrimonio: un ático enorme en la Quinta Avenida de Nueva York, una lujosa villa en México, un chalet de invierno en los Alpes o el yate de madera más grande del mundo (el Creole) eran algunas de sus propiedades.

Patrizia lucía trajes de Valentino y Chanel en eventos sociales. Las páginas de sociedad de la prensa italiana la apodaron la «Joan Collins de Monte Napoleone» (una calle elegante en Milán famosa por sus comercios de moda y joyas).

El padre de Maurizio, Rodolfo Gucci, nunca aprobó esa relación; consideraba que Patrizia era una «cazafortunas», explica Sara Gay Forde en su novela.

El matrimonio comenzó a deteriorarse cuando, tras la repentina muerte del padre de Maurizio, este tomó el control de la compañía, y las aparentes presiones de Patrizia sobre cómo gestionar la marca crearon tensiones.

«Cuando era más joven, Maurizio buscó a Patrizia para que lo apoyara y para le diera la fuerza para enfrentarse a su padre. Pero a medida que ganó poder, se sintió oprimido por sus críticas», escribe Forden.

Eventualmente, la relación llegó a su fin.

Del amor al odio

En 1985, Maurizio dejó a Patrizia. Se fue de casa y nunca regresó.

Forden cuenta que, durante años, ella mantuvo la esperanza de regresar con él. Pero cuando Maurizio comenzó a salir con otras mujeres sus esperanzas se tornaron en amargura.

En 1991 se divorciaron.

Lady Gaga en el rodaje de "House of Gucci".

FUENTE DE LA IMAGEN – IMDB

Lady Gaga en el rodaje de «House of Gucci».

«Vio que todo lo que había tratado de lograr en la vida a través de Maurizio, toda la fama, el estatus y la riqueza, se le escapaba de las manos», describió Forden.

En 1992, a Patrizia le diagnosticaron un tumor cerebral, que fue eliminado sin grandes consecuencias. Le pidió a su exmarido que se encargara de las niñas, pero él se negó, diciendo que el trabajo lo tenía muy ocupado.

Durante los siguientes tres años, Maurizio le dio a Patrizia una asignación mensual de US$100.000, pero le prohibió usar algunas de sus lujosas viviendas, en favor de su nueva pareja, Paola Franchi.

Forden cuenta que Patrizia juró destruir a su exmarido y que le dijo a varias personas, incluida su ama de llaves, que quería «verlo muerto».

La propia Patrizia ha reconocido esas declaraciones.

El asesinato

A las 8:20 de la mañana del 27 de marzo de 1995, Maurizio Gucci, de 46 años, salió de su casa para ir a trabajar.

Unos 15 minutos después recibió cuatro disparos a las puertas de su oficina, situada en uno de los barrios más elegantes de Milán.

Fue asesinado por un asaltante, un hombre de cabello ondulado, según los reportes. Más adelante la policía establecería que se trató de un sicario.

Maurizio Gucci en 1981.

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Maurizio Gucci en 1981.

Patrizia no tardó en mudarse a la vivienda de Maurizio Gucci en la lujosa calle Corso Venezia de Milán con sus dos hijas —entonces adolescentes— expulsando a Franchi.

Casi dos años después, el 31 de enero de 1997, dos autos de policía la arrestaron en la puerta de la casa.

Tranquila y serena, salió de la casa con relucientes joyas de oro y diamantes, un abrigo de visón que rozaba el suelo y un bolso de cuero de Gucci.

«Pensaba que podría evadir (la acusación por) el asesinato, que regresaría a casa en unas pocas horas», explicó Forden.

No fue así.

Lady Gaga interpreta a Patrizia Reggiani (en la foto), quien fue condenada por orquestar el asesinato de su exmarido.

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Patrizia Reggiani fue condenada por orquestar el asesinato de su exmarido.

La policía milanesa tenía pruebas de que Patrizia había ordenado matar a su exmarido y había pagado a un sicario US$375.000 para cometer el crimen.

En junio 1998 fue juzgada por un tribunal de Milán. Su cabello corto y oscuro estaba despeinado. Vestía unos sencillos pantalones de algodón azul y un suéter de algodón sobre los hombros. Poco quedaba de aquella mujer ostentosa.

En noviembre de ese mismo año, Patrizia, junto a cuatro cómplices, fue declarada culpable del asesinato de Maurizio Gucci y condenada a 29 años de prisión.

El juicio tuvo una enorme repercusión mediática. fue entonces cuando pasó a conocerse como la «viuda negra de la moda».

Las hijas de Patrizia —las verdaderas víctimas de la tragedia, según Forden— pidieron que la sentencia fuera anulada, alegando que su madre había quedado trastocada por el tumor cerebral que había sufrido, que podría haber afectado a su personalidad.

La sentencia no fue anulada, pero sí reducida a 26 años. Ante la perspectiva de pasar tantos años presa, trató de suicidarse, pero los guardias de la prisión la encontraron a tiempo, según reportó la prensa local en el año 2000.

Patrizia Reggiani fue juzgada en 1998.

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Patrizia Reggiani fue juzgada en noviembre de 1998. Esta imagen fue tomada a las puertas de los juzgados.

Finalmente, Patrizia terminó cumpliendo 18 años de condena, y hasta rechazó el tercer grado que le ofrecieron en 2011. «Nunca he trabajado en mi vida y desde luego no voy a empezar ahora», le dijo a su abogado, según The Guardian.

En 2016, salió de la cárcel con una sentencia acortada por «buen comportamiento».

Según el diario The Telegraph, debido a un acuerdo firmado en 1993, Patrizia cobra más de US$1 millón al año de la herencia de Gucci. También recibe un pago atrasado de más de US$22 millones, que acumuló durante su estancia en prisión.

Desde su salida de la cárcel, Patrizia vive en Milán, donde ha sido vista (y fotografiada) en varias ocasiones con su loro-mascota sobre el hombro.

Tumba de Maurizio Gucci en St. Moritz, Suiza, 1997

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Tumba de Maurizio Gucci en St. Moritz, Suiza, 1997.

El pasado marzo la mujer, que hoy tiene 72 años, le dijo a la prensa italiana: «Estoy bastante molesta por el hecho de que Lady Gaga me interprete en la nueva película de Ridley Scott sin haber tenido la consideración y sensibilidad para venir a conocerme».

También expresó su disgusto por no haber estado involucrada en el proyecto y aclaró que no va a recibir «ni un solo centavo de la película».

«No es una cuestión económica, sino de sentido común y respeto», agregó.

Ella siempre ha negado ser la autora del asesinato.

Imagen de portada: Gentileza de GETTY IMAGES/Policía de Milan

FUENTE RESPONSABLE: Redacción BBC News Mundo

Sociedad y Cultura/Moda/Cine/Espectáculos

El mundo pertenece a quien se atreve, hermoso poema de Charles Chaplin.

Si deseas saber más sobre este artículo; por favor cliquea en donde está escrito en “negrita”. Muchas gracias.

Charles Chaplin reflexionó sobre la realidad que le había tocado vivir y se esforzó por ser una fuente de inspiración para el cambio. ¡En este artículo conocerás algunas de sus mejores enseñanzas!

Charles Chaplin nació en Londres en 1889 para ser uno de los actores, humoristas y escritores más influyentes del mundo. Vivió una infancia complicada, con un padre alcohólico que no tardaría en abandonar el hogar. Además, su madre sufrió una enfermedad mental de la que nunca pudo recuperarse totalmente.

Por estas circunstancias, Charles Chaplin terminaría pasando buena parte de su juventud junto a sus hermanos en un refugio para niños. No obstante, en ese lugar tampoco encontró paz, pues aquí las condiciones con las que tuvo que convivir también fueron duras.

Sin embargo, estos primeros años no echaron por tierra su talento artístico. Así, a la edad de 20 años decidió viajar a Estados Unidos en busca de una oportunidad y terminó por dar forma a un personaje con el que se identificaría durante toda su carrera, cosechando un enorme éxito con él.

El gran mensaje de las películas de Charles Chaplin

Las situaciones difíciles que vivió durante sus primeros años le llenaron de resiliencia y las aprovechó a su favor. En la mayoría de los metrajes en los que participó somos capaces de identificar una intención de denuncia frente a determinadas circunstancias o condiciones que le tocó vivir en primera persona, como la desigualdad o la falta de tolerancia.

Además, en en muchas de sus actuaciones también destaca la idea de que determinados cuadros clínicos pueden ser la consecuencia inequívoca de la experiencia. En este sentido, no solo se quedó en la denuncia; en última instancia intentó ser, con su trabajo, la chispa que encendiera la mecha del cambio.

Del mismo modo, puso en evidencia los fallos de los sistemas políticos que afectan a la calidad de vida de las personas. Por esto precisamente llegó a ser censurado. Afortunadamente, frente a los esfuerzos de quienes se esforzaron porque no fuera así, hoy podemos disfrutar de películas como El inmigrante, El chico, El gran dictador, En tiempos modernos y Luces de la ciudad.

“El mundo pertenece a quien se atreve”

Charles Chaplin también se valió de la escritura como medio para compartir reflexiones personales que pudieran ayudar a otras personas. De tal modo, su poema titulado El mundo pertenece a quien se atreve ha sido una fértil fuente de inspiración social.

A continuación te compartimos las maravillosas líneas que escribió el autor.

“ ¡Vive!

Ya perdoné errores casi imperdonables.

Trate de sustituir personas insustituibles,

de olvidar personas inolvidables.

Ya hice cosas por impulso.

Ya me decepcioné con algunas personas,

mas también decepcioné a alguien.

Me abracé para protegerme.

Ya me reí cuando no podía.

Ya hice amigos eternos.

Ya amé y fui amado pero también fui rechazado.

Ya fui amado y no supe amar.

Ya grité y salté de felicidad.

Ya viví de amor e hice juramentos eternos,

pero también los he roto y muchos.

Ya lloré escuchando música y viendo fotos.

Ya llamé sólo para escuchar una voz.

Ya me enamoré por una sonrisa.

Ya pensé que iba a morir de tanta nostalgia y…

Tuve miedo de perder a alguien especial

y terminé perdiéndolo

¡pero sobreviví!

¡y todavía vivo!

No paso por la vida

y tú tampoco deberías sólo pasar… ¡Vive!

Bueno es ir a la lucha con determinación

abrazar la vida y vivir con pasión.

Perder con clase y vencer con osadía,

porque el mundo pertenece a quien se atreve

y la vida es mucho más para ser insignificante.”

– Charles Chaplin

Reflexión sobre el poema de Charles Chaplin

Con sus palabras, Charles deja claro que el miedo es uno de nuestros grandes lastres, pues siempre aparece cuando decidimos poner un proyecto en marcha o dar paso a actuaciones que se sitúan fuera de la llamada zona de confort. Además, puede cegarnos hasta el punto de llegar a sentir que todo el mundo está en nuestra contra, llenándonos de inseguridad, culpa, estrés y frustración.

A raíz de ello, el mensaje de Chaplin es que en la vida gana sentido cuando contamos con un propósito, un norte en nuestra brújula, que nos orienta. Es lo emocionante de imaginar posibilidades lo que le da sentido, en buena medida, al camino que imaginamos hasta la meta. Al atreverse las personas encuentran las motivaciones para seguir progresando y construir un futuro del que se sientan orgullosas. Asimismo, se dan el gusto de realizar todas las actividades que los llenan de felicidad y plenitud.

Chaplin dejó claro que, al atreverse, las personas solemos encontrar recompensa; ya sea en forma de éxito o de aprendizaje. Así, podremos disfrutar directamente del fruto, o indirectamente empleando los nuevos recursos que hemos adquirido. Una disposición frente a la realidad que nos permite adquirir conocimiento valioso de manera constante.

Para atreverse hay que soltar los sentimientos negativos

En algún momento de nuestra vida, todos podemos encontrarnos en una situación en la que predomine la decepción, rabia y la tristeza en nuestro estado de ánimo. Sin embargo, lo que marca la diferencia es lo que hacemos a partir de ese momento. ¿Qué hacemos con ese conjunto de emociones? ¿Cómo escuchamos lo que nos quieren decir? ¿Qué hacemos con su energía?

Al hacer una gestión emocional inteligente, las personas vuelven a estar abiertas a nuevas experiencias. Por eso, soltar las ataduras es fundamental para dar forma a esos proyectos que imaginamos.

Charlot, el vago que enterneció al mundo

Dicen que la risa y el llanto están hechos del mismo material. La comedia es una manera inteligente de administrar las tragedias de la vida. Nos lo dijo mil veces Charlot, el vagabundo solitario creado por Charles Chaplin para pintar de colores su propio dolor. Un personaje que fascinó a los espectadores en las salas de cine de su tiempo y conmovió al mundo.

Charlot es el típico héroe cómico. Un hombre sin destino. El eterno perdedor que está allí para quebrar el orden y que, sin embargo, siempre se sale con la suya. El pobre, el torpe, el errante. Ese hombre desprevenido y curioso que teje crisis absurdas, a las que siempre encuentra salidas inesperadas. Es también una denuncia de lo ridículo que puede llegar a ser el mundo de “lo serio”.

Chaplin, el hombre detrás del vagabundo

Charles Chaplin tuvo una infancia trágica y profundamente desafortunada. Nació el 16 de abril en Londres. Su padre, un hombre alcohólico y desorientado, abandonó a la familia y luego murió tempranamente. La madre era actriz y cantante, que tuvo que batirse hombro a hombro contra la pobreza para mantener a sus dos hijos, Charles y Sydney.

En el momento cumbre de su carrera, su voz comenzó a deteriorarse. En una presentación se le quebró la garganta y el encargado del espectáculo envió a Charles para reemplazarla, en plena función. El niño tenía cinco años. Salió a escena e imitó a su madre, incluyendo el quebrantamiento de la voz. Esto causó grandes risotadas dentro del público y marcó el inicio de una carrera que no terminaría jamás.

Los niños Chaplin asistían a la escuela, pero frecuentemente eran objeto de burlas debido a su pobreza. Seguramente esas fueron las primeras marcas para perfilar al que sería el vagabundo más famoso del planeta.

La madre de Charles, Hanna Hill, comenzó a mostrar señales de demencia y fue recluida en un sanatorio para enfermos mentales. Fue entonces cuando Charles y su hermano comenzaron un largo periplo por distintos orfanatos, en los que fueron tratados con particular severidad.

Antes de cumplir diez años, Charlie ya se había unido a un grupo itinerante de teatro, y a los doce se le consideraba un actor profesional. A los 24 llegó a Hollywood y dos años más tarde ya era una celebridad.

El otro Chaplin

Charles Chaplin fue también un hombre bien informado y activo políticamente. Criticó sin timideces el capitalismo y las hipocresías de la guerra. Hizo amistades con varios comunistas reconocidos, pero siempre se definió como un pacifista simplemente.

Ganó enemigos en todos los frentes. Mientras Goebbels, el Ministro de Propaganda de Hitler, lo llamo “un pequeño judío despreciable”, en Estados Unidos lo consideraron un hombre “peligrosamente progresista y amoral”. Fue expulsado de ese país en 1952, luego de haberlo acusado de traición. Sus películas “Tiempos Modernos” y “El Gran Dictador” fueron fuente permanente de críticas por parte del establecimiento.

En Chaplin también hubo un hombre atormentado por sus fantasmas interiores, obsesivo al enamorarse y solitario a la hora de enfrentar las más grandes decisiones de su vida. Distante y a la vez entrañablemente unido a sus hijos.

Un artista en todo el sentido de la palabra que incluso alcanzó un Óscar a la “Mejor Música Original” por la composición de la pieza Candilejas para la película de ese mismo nombre. También fue un pensador que dejó plasmada su sensibilidad en poemas y en textos comoCuando me amé de verdad”, el más popular de ellos.

Chaplin murió a los 88 años de edad, mientras dormía en su casa de Suiza. Padecía asma y demencia senil al momento de su deceso. Dejó para el mundo un testimonio de ternura. Esa ternura que hay en toda risa franca, cuando el dolor ya no es capaz de decir nada. Esa ternura que nunca muere.

Imagen cortesía de Zoller, Charles C.

Imagen de portada: Gentileza de “La Mente es Maravillosa”

FUENTE RESPONSABLE: La mente es maravillosa/Bibliografía/Charles Chaplin

Homenaje: Christopher Reeve cumpliría 69 años: los secretos de “Superman” y el calvario que sufrió tras el accidente que lo dejó tetrapléjico.

Christopher D’Olier Reeve nació en Nueva York un día como hoy pero de 1952. El actor, director de cine y activista adquirió fama mundial al interpretar al “Hombre de acero” en las películas basadas en el popular personaje de cómics “Superman” y también es recordado por su personaje de Richard Collier en el film “Somewhere in Time”.

El productor ejecutivo Ilya Salkind nunca hubiera adivinado que el héroe del cómic de su infancia definiría su carrera en Hollywood. Tenía 31 años cuando le dieron la oportunidad de llevar a “Superman” a la pantalla grande por primera vez, y ese fue el éxito de 1978 que transformaría a Christopher Reeve y Margot Kidder en sensaciones de la taquilla.

Años atrás, en una entrevista con Fox News, Salkind no dudó en compartir algunos secretos de uno de los clásicos del cine. Para empezar indicó que la película Zorro, protagonizada por Alain Delon en 1975, fue el gran disparador. “Estaba caminando en París y había una película sobre el Zorro”, explicó. “Eso me dio la idea de hacer una película de cómics”.

Salkind había trabajado en el detrás de escena en Los cuatro mosqueteros de 1974 cuando estaba pensando en ideas sobre una nueva película junto a su padre, Alexander Salkind, durante la cena. “Dije de la nada: ‘¿Por qué no hacemos Superman?’”, recordó. “Mi padre no sabía nada de Superman, dije: ‘Vuela, tiene poderes’ y me respondió: ‘Eso suena interesante’”. Al día siguiente, el padre de Salkind dio luz verde al proyecto.

Si bien Salkind quedó impresionado por la actuación de Sylvester Stallone en Rocky de 1976 durante una proyección antes de que la película fuera estrenada al público, simplemente no creía que el actor era el indicado para ser “El hombre de acero”: “Él absolutamente quería hacerlo, pero no era para él”.

Salkind reveló que DC Comics, que posee los derechos de Superman y aprobó una adaptación cinematográfica, tenía una lista de actores aprobados para el papel principal. “Tenían personas como Al Pacino y Dustin Hoffman”, dijo Salkind. “Stallone también fue aprobado por cierto. Robert Redford, Clint Eastwood, ambos rechazados. También probamos a Bruce Jenner (ahora Caitlyn), pero no era un buen actor. No tenía ninguna experiencia en la actuación”.

Mientras Christopher Reeve es aclamado hoy como una leyenda de Hollywood, era un actor relativamente desconocido que buscaba su primera gran oportunidad cuando audicionó para el papel.

Reeve parecía prometedor para el rol del superhéroe, excepto que todavía tenía mucho trabajo por hacer. “Leyó la parte de Superman y Clark Kent y fue fantástico”, dijo Salkind. “Pero él era muy, muy flaco. Demasiado delgado así que pasamos a probar otros actores”.

Salkind todavía no tenía a su protagonista. Sin embargo, el desempeño de Reeve dejó una gran impresión en él, por lo que no se pudo negar a darle el papel. Así que lo llevaron de regreso a Londres e hizo la prueba con el disfraz y volvió a causar sensación. Sólo le faltaba aumentar de peso.

El fisicoculturista inglés David Prowse, quien interpretó físicamente a Darth Vader en la Guerra de las galaxias de 1977, fue elegido para entrenar a Reeve, quien comenzó a comer hasta seis comidas al día. “Ganó cerca de 18 kilos de músculo”.

Superman se quedó sin director por sus deudas con el fisco. “Originalmente tuvimos a Guy Hamilton, que hizo ‘Goldfinger’”, dijo Salkind. “Estaba en Roma, donde estábamos filmando al principio, pero no podía quedarse porque tenía un problema fiscal. Así que tenía que ir todas las semanas a París. 

Después de unas pocas semanas, estaba demasiado cansado y no podía soportarlo más. Entonces elegimos a Richard Donner “.

Salkind se llenó de alegría cuando Marlon Brando, quien estaba en el apogeo de su carrera con The Godfather y Last Tango in Paris en 1972, acordó asumir el papel de Jor-El, el padre biológico de Superman. 

Sin embargo, al principio no le facilitó las cosas a los productores de la película. “Cuando lo llamamos para hablar sobre su disfraz, abordó temas completamente diferentes sobre [los nativos americanos] y todo tipo de cosas”, explicó Salkind. “Pensé se acabó y va a destruir la película”.

Sobre el papel de Lois Lane, Salkind dijo que a Leslie Ann Warren la consideraron originalmente para el papel, y que le hicieron la prueba al mismo tiempo que Stockard Channing. Mientras que Warren parecía una posibilidad, Channing no lo era. “Pensamos que Channing se parecía mucho a la madre de Superman”, dijo Salkind. Sin embargo, una actriz llamada Margot Kidder también audicionó por el papel de Salkind y se robó el protagónico. “Ella creó su propia Lois Lane”.

Hacer Superman fue todo un reto. Salkind y su equipo estaban decididos a hacer que las escenas de vuelo de Reeve, que eran cruciales para el éxito de la película, fueran lo más realistas posible.

Reeve y Kidder pasaron horas colgados con arneses, algo que a la actriz odiaba: “Pensaba que era incómodo y que simplemente no estaba entrando en la situación“.

En Londres fue donde Salkind encontró a los mejores técnicos para las escenas de vuelo. Pese a las dificultades, la película obtuvo un Oscar por los efectos especiales.

Salkind dijo que Reeve no solo estaba completamente dedicado al papel de Superman, sino que estaba dispuesto a hacer lo que fuera necesario para que la película fuera un éxito. “Fue muy amable con la prensa y nunca rechazó una entrevista“.

El elenco se mantuvo en contacto, incluso después de que Superman se estrenara en 1978. “Reeve y yo éramos muy buenos amigos. Quedé devastado cuando tuvo el accidente”.

Por último, Salkind no tuvo palabras muy buenas sobre el último Superman del cine interpretado por el actor británico Henry Cavill. “Intenta parecerse mucho a Batman. Superman nunca mata“.

El calvario que sufrió Christopher Reeve tras el accidente que lo dejó tetrapléjico.

Matthew Reeve, el hijo mayor del mejor Superman en la pantalla grande, habló en 2018 sobre la depresión que sufrió su padre al quedarse en silla de ruedas y la fuerza con la que luchó hasta el final.

Reveló en una extensa entrevista el sufrimiento que debió enfrentar su famoso padre, quien quedó tetrapléjico a los 42 años tras caerse de un caballo durante una competición hípica en mayo de 1995. 

En pleno estrellato, la vida del popular actor cambió para siempre. Diez años más tarde del terrible accidente, el 10 de octubre de 2004, el recordado Superman del cine perdía la vida. Pero, según su hijo, nunca se rindió.

En 2018, Jered Chinnock, un estadounidense que quedó parapléjico en 2013, entró en la historia de la medicina al ser capaz de caminar 100 metros con ayuda de un andador y un tratamiento pionero. Ese mismo año un grupo de neurocirujanos de la Universidad de Louisville, publicó que dos de sus pacientes parapléjicos habían logrado dar unos pasos gracias a estas sesiones de rehabilitación y estimulación eléctrica continua.

La noticia fue celebrada por Matthew ya que su padre se había convertido en una de las voces a favor de la investigación con células madre y en un ejemplo de heroicidad, al negarse a rendirse ante su condición.

“Él estaría exultante”, afirmó Matthew, respecto al avance médico. 

Cuando se accidentó le dijeron: ‘Esta es tu silla de ruedas, acostúmbrate a ella. No volverás a recuperar el movimiento’. Nadie a quien le ocurra hoy en día debería escuchar esas palabras porque no son verdad”, expresó el guionista y productor de 39 años, al periódico The Daily Mail.

“Mi padre tenía una gran esperanza y trabajó incansablemente para recaudar fondos para la investigación”, contó Matthew sobre el deseo de su progenitor, a nombre de quien se creó una fundación para financiar estudios para curar lesiones de la médula y mejorar la calidad de vida de los pacientes.

Matthew tenía 15 años cuando su padre tuvo el accidente .”Sabíamos que su vida estaba en peligro, así que fuimos a verlo de inmediato”, recordó. “Su lesión era de las más severas, estaba tetraplégico, necesitaba respiración asistida y cuidados las 24 horas”, agregó.

Pero Reeve mantuvo la cabeza alta y se negó a dejar que su condición determinará su vida. Pese a su gran actitud, su hija confesó que el actor pasó por momentos difíciles: “Al principio mi padre estuvo deprimido. [El accidente] lo golpeó muy fuerte porque él solía ser un hombre muy activo”.

“Sin embargo, optó por aceptar lo que había sucedido, enfrentarse a todo y ayudar con las investigaciones contra la parálisis, ya que era un personaje público y podía dar voz”, explicó su hijo.

Sobre la vida del actor tras el episodio, Reeve “quería continuar estando presente como esposo y como padre”. Luego, finalizó destacando el poder de lucha de su padre: “Mi hermano menor, Will, tenía tres años en el momento del accidente y papá le enseñó a andar en bicicleta con solo darle instrucciones”.

Imagen de portada: Gentileza de Grosby Group

FUENTE: Infobae – 

Homenaje/Christopher Reeve/Superman/Cinematografía

Pu Yi nació como el último emperador de China, pero terminó sus días como jardinero.

Pu Yi fue el último soberano perteneciente a la dinastía Qing en ocupar el trono del Dragón durante la primera mitad del siglo XX.

Historias de superación hay muchas; en cuentos, fábulas y en la Biblia, pero la vida real en cambio, recoge historias que desvelan cómo todo puede cambiar de un día al otro. Este es el caso de Pu Yi, el último soberano perteneciente a la dinastía Qing en ocupar el trono del Dragón durante la primera mitad del siglo XX.

Su nombre completo era Aisin Gioro Pu-Yi.

Ocurrió en Pekín (China) en noviembre de 1908 cuando este personaje fue elegido como Hijo del Cielo, el título de los emperadores chinos, para suceder al emperador Guangxu, su tío, tras su deceso en la Ciudad Prohibida. Sin embargo, el panorama del reino chino era deplorable y el país estaba lleno de caos.

Con dos años de edad, obtenía el título más importante de todos y el trono de un imperio que se caía a pedazos, alentado por los movimientos revolucionarios y republicanos que pretendían derribar la monarquía en su totalidad. 

A los cinco años, la revolución logró destituirlo y acabar con el sistema imperial, sin embargo, lo dejaron vivir en tierras aledañas con un subsidio anual. Se instaló en el mando un grupo bautizado como La República.

Aunque no gobernaba, el niño seguía siendo reverenciado como un emperador y fue educado con las tradiciones monárquicas chinas y en su adolescencia tuvo un tutor británico que le ayudó con el inglés para que sea bilingüe. Si bien no era un emperador, vivió rodeado de protocolos, sirvientes y tratos especiales. Pero pocas veces logró reunirse con su familia.

A pesar de haber dejado de ser el gobernante de China seguía siendo una figura simbólica únicamente para la Ciudad Prohibida, fuera del sitio, no tenía mucha relevancia. 

Con el descenso del congreso, Pu Yi fue obligado a abandonar la Ciudad Prohibida y se trasladó a la muy cosmopolita Tianjin, donde no era nadie y sufrió burlas crueles de su entorno, además no contaba con el apoyo de su familia.

Diez años después su madre se suicidó, pero al funeral tampoco tuvo autorización de asistir.

Finalmente se casó con Wang-Jung, pero no logró consumar el matrimonio y huyó del lecho conyugal en su noche de bodas. 

Luego se casó por segunda vez con la concubina Wen-Hsiu, quien tiempo después lo abandonó. En esta historia que recoge el portal web de La Vanguardia, algunos historiadores apuntan a problemas de impotencia o seguramente que era estéril. Sin embargo, Pu Yi tenía una vida social alocada, acudía constantemente a fiestas o las organizaba él mismo.

En su vida adulta, con dos matrimonios fallidos, Pu Yi entró en contacto directo con las autoridades japonesas. 

Oficiales del Ejército y de los servicios secretos iniciaron un discreto acercamiento a él con el pretexto de que debía aceptar puestos de mayor responsabilidad y recuperar su antigua posición, la que en honor a su ego, merecía pero fue una trampa en la que Pu Yi no tardó en caer y accedió a encabezar el gobierno de Manchukuo, el estado supuestamente independiente que los japoneses establecieron en la Manchuria, ocupada a partir de 1931.

Luego de ser encerrado en la cárcel de Fusin por los comunistas chinos, en la ciudad de Harbin, tuvo posada en casa de una de sus hermanas casadas y se le asignó un trabajo como jardinero en el Instituto Botánico de la Academia China de las Ciencias. 

Más tarde pasó a ser archivero en una institución del Partido Comunistas Chino. En el plano personal, se casó con una enfermera llamada Li Shu-Hsien, en una vida ajena a la que tuvo inicialmente.

Su final estuvo lleno de sufrimiento, no solo por no poder concretar una familia sino que su vida de excesos le provocó un diagnóstico lamentable: cáncer de vejiga, el mismo que lo llevaría a la muerte en cuestión de cinco años. 

Según la historia, Pu Yi fue enterrado por los dirigentes comunistas en un lugar destinado a los héroes de la revolución.

La vida de Pu Yi fue llevada al cine con el título El último emperador (The Last Emperor), una película de 1987 de género biográfico, dirigida por Bernardo Bertolucci. (E)

Imagen de Portada: Gentileza de El Universo

FUENTE: El Universo / Historia/China

 

Si no la viste…te la recomiendo

Alguien me alertó por el móvil de que iría a participar en un zoom, junto a un grupo de personas que comúnmente realizan cine debate, luego de ver el film danes “Otra ronda” (Endnu en runde) en streaming de Netflix

Me dijo además, que él mismo trataba un tema muy fuerte. El alcoholismo desde la perspectiva de una cultura diferente como es para nosotros, la del país nordico. 

Realmente la teoría que se propusieron a experimentar los cuatro profesores de una escuela secundaria; el argumento sobrepasa con amplitud a la misma, dando un descarnado relato que hace visible desde otra perspectiva de entramado social las mismas miserias y evidentemente distintos matices, que nos encontramos frente a una sociedad, cuyo núcleo basal como lo es la familia se encuentra en crisis, desde hace décadas.

Esto que acabo de expresar, ha sido porque busqué el título e intrigado en solitario me acomodé tranquilamente y me puse a ver el filme, acompañado por nuestro (y en este caso de uso personal).

De la misma manera, que me sorprendió que los daneses poco les importa lo que politicamente correcto o no, 

A pesar de que no puedo establecer un paralelismo entre lo que le sucede a uno de los protagonistas (Martin); con mi actual vida de lobo solitario y melancólico, debo decir que me identifique con su personaje en cuanto al antes y después cuando junto con sus colegas, se lanzó a probar la teoría del alcohol en sangre como cierta o no, la que se fundamentaba en el consumo por determinados niveles, lo que mejoraba los estados de ánimo, seguridad, locuacidad y empatía de cada uno de ellos frente a sus alumnos.

Vuelvo a expresar; da mucho para pensar como asimismo buscar paralelismos, con algunas actitudes que aplicamos en nuestras propias vidas.

Abrazos totales.

Daniel

El Museo en Suiza dedicado a Charles Chaplin.

Nuevo museo en Suiza dedicado a Charles Chaplin

Un viaje al sitio donde pasó los últimos 25 años de su vida.

En Suiza se inauguró en el 2018 un museo dedicado a la vida y obra de Charlie Chaplin. El «Chaplin ‘s World By Grévin» se encuentra en Corsier-sur-Vevey, y es una finca donde Chaplin pasó los últimos 25 años de su vida, informó la Oficina de Turismo de Suiza.

Charles Chaplin actuó en más de 80 películas durante su carrera de casi 75 años. Pero tuve que viajar a Suiza para ver una de la década de los sesenta: una película casera en la que el famoso actor del cine mudo, con cabello canoso y ya con más de 70 años, salta de manera juguetona en el patio frontal de su propiedad, tomado de las manos de dos de sus pequeños hijos.

La escena en blanco y negro cambia a otra donde aparece el gran comediante cenando con varios de sus hijos, cada uno tomando cucharadas de sopa a un ritmo unísono y cómico, después vemos a Chaplin con los ojos muy abiertos y con un sombrero que levita mágicamente por encima de su cabeza para el disfrute de la familia. Él es más robusto que su personaje en la pantalla grande, el vagabundo, pero conserva lo travieso: un niño entre sus propios niños.

Ese es el retrato personal que emerge del último hogar en el que Chaplin vivió, la propiedad de 15 hectáreas, Manoir de Ban, en el pequeño pueblo de Corsier-sur-Vevey ubicado en la ribera suiza, alrededor de 89 kilómetros al noreste de Ginebra, donde vivió desde 1953 hasta su muerte en 1977. 

La casa fue restaurada y acondicionada a principios del año 2018 para albergar un museo, como parte del nuevo complejo conocido como Chaplin´s World (El mundo de Chaplin) que incluye un museo del cine dedicado a sus logros profesionales y un restaurante en el que se sirve pescado y papas fritas para recordar su infancia en Londres.

Parece apropiado que Chaplin, una persona perfeccionista y a la que le gustaba realizar varias tareas al mismo tiempo, escogiera Suiza, un país famoso por la precisión en todo —desde los relojes de lujo hasta el revés de Roger Federer—, como su lugar de retiro.

“Un amigo sugirió Suiza”, escribió en sus memorias de 1964 tituladas Mi autobiografía.

En 1952, a bordo de un crucero con dirección a Europa junto con su familia, Chaplin se enteró de que tenía prohibido regresar a su hogar en Estados Unidos sin antes someterse a un interrogatorio respecto a sus posturas políticas y morales. 

Durante los años previos, el FBI y el Comité de Actividades Antiestadounidenses de la Cámara de Representantes de Estados Unidos —extinto en 1975— habían estado investigando sus vínculos con el comunismo —”Soy un traficante de paz”, les dijo— durante la purga en Hollywood de 1947. 

El escritor Peter Ackroyd sugiere en su libro de 2014, Charlie Chaplin, que la estrella fue atraída por el indulgente código fiscal suizo.

O, tal vez, como las generaciones previas a la suya, llegó por la paz y la tranquilidad. Para el siglo XVIII, Lac Léman, también conocido como el lago de Ginebra, ya era un lugar de refugio para viajeros que encontraban un respiro de las grandes capitales europeas a través de lentos paseos a lo largo de la orilla, especialmente en el trayecto de 31 kilómetros entre Lausana y Montreux.

Manoir de Ban, la antigua mansión de Charles Chaplin en Corsier-sur-Vevey, es ahora un museo.

Manoir de Ban, la antigua mansión de Charles Chaplin en Corsier-sur-Vevey, es ahora un museo.Credit…Clara Tuma para The New York Times

Los Alpes cubiertos de nieve en Francia y Suiza que se alzan más allá de la lejana orilla del plácido lago proveen el fondo montañoso que Chaplin podía ver desde el patio frontal de Manoir de Ban, su mansión ubicada en una colina a trece minutos en autobús de la comunidad de Vevey, cercana al lago.

Como soy una fanática del cine, durante mucho tiempo había estado interesada en Chaplin, el artista, el genio de la comedia e innovador del cine que trabajó delante y detrás de la cámara. Ese es el centro del museo de cine en Chaplin ‘s World, y la mansión Chaplin, donde comencé mi visita, explora su vida personal.

Image The New York Times

Una habitación dentro del museo de cine en Chaplin's World

Una habitación dentro del museo de cine en Chaplin’s World

Credit…Clara Tuma para The New York Times

Una figura de cera que parece viva de un Chaplin que saluda con la mano me recibió en el vestíbulo. El primer piso del hogar neoclásico ha sido restaurado con precisión cómo lucía en la época de Chaplin hasta con los muebles de la familia, incluido el cómodo sofá en el cual fui invitada a sentarme en la adornada sala de estar.

“Pensamos que no somos precisamente un museo, pero no hemos encontrado la palabra para ello”, dijo Annick Barbezat, la directora de Comunicación de Chaplin ‘s World, conforme me guiaba durante la visita veraniega. 

“La gente dice: ‘Es peligroso sentarse en el sofá. Se podría manchar’. Nosotros respondemos: ‘Lo lavamos y lo pondremos de nuevo ahí’”.

Chaplin fungió como actor, escritor, director y compositor de muchas de sus películas. Partituras originales, cartas y guiones descansan sobre su escritorio como si acabara de salir de la habitación. 

“Chaplin tuvo una compulsión toda su vida de hacer todo él mismo, incluso llegó a desear interpretar cada papel en cada una de sus películas”, escribió el crítico de cine y autor David Robinson en el prólogo de Mi autobiografía.

Una recreación del plató de «La quimera del oro» en el estudio

Credit…Clara Tuma para The New York Times

También era propenso a los escándalos, como se muestra en una biblioteca tapizada por recortes de periódicos sobre las controversias de Chaplin, incluidas las acusaciones de evasión de impuestos y, más grave, amoríos con mujeres jóvenes, algunas de ellas eran tan solo adolescentes cuando conocieron a Chaplin y protagonizaron sus películas.

De manera un poco incongruente, una figura de cera de su amigo Winston Churchill —ex primer ministro del Reino Unido— preside esta habitación, una de una serie de referencias en la casa que recuerda a los visitantes la envergadura de la fama mundial de Chaplin a principios del siglo XX. 

Unas fotografías en blanco y negro de invitados que en el pasado se quedaron a dormir —que van desde el pintor surrealista Salvador Dalí hasta la estrella de cine Sophia Loren— llenan lo que antes era una habitación.

No obstante, las habitaciones más conmovedoras dan fe del hombre privado.

En lo que era un cuarto, las películas caseras hechas por su cuarta y última esposa, Oona, muestran a un Chaplin alegre bailando vals con uno de sus hijos —tuvo ocho hijos con Oona, 36 años más joven que él— en sus brazos o acostado en el piso imitando a un infante que se chupa el dedo a su lado.

La tienda de chocolates Läderach en Vevey vende chocolates «Los zapatos de Charlie» empaquetados en una caja con forma de carrete de cine.Credit… Clara Tuma para The New York Times

Si la casa personifica al Chaplin privado, el museo de cine es la verdadera atracción para los cinéfilos, al ofrecer un viaje profundo a lo largo de su carrera a través de una serie de habitaciones que asemejan los platós de filmación. Cada uno recuerda alguna de sus películas más famosas con figuras de cera, objetos de utilería y escenas de los filmes.

Un amenazante Jackie Coogan, actor que participó en El chico, se encuentra en la esquina de una calle empedrada en el primer plató. Una Paulette Goddard con una gran risa sostiene un racimo de bananos como en Tiempos modernos con la escena proyectada detrás de ella.

Un fanático y amigo, Michael Jackson también está aquí en exhibición al indicar que los pasos de baile de Chaplin en Tiempos modernos inspiraron al cantante de pop para crear su característico paso, el moonwalk.

Con la excepción de la habitación estática dedicada a los objetos más valiosos de Chaplin, como el famoso bombín, el bastón y sus óscares, el museo de cine fomenta la interacción.

Durante mi visita, los asistentes se tomaron selfis en la silla de barbería del plató de El gran dictador. En una réplica de la cabaña en el Yukón, que se balancea sobre el punto de apoyo de una palanca, usada en la película de 1925 La quimera del oro, me desplacé de lado a lado para balancer el plató como se hizo en el filme.

El paseo marítimo en Vevey

El paseo marítimo en Veveym Credit…Clara Tuma para The New York Times

“Chaplin decía: ‘Si quieres conocerme, ve mis películas’”, dijo Barbezat. “Puedes leer su humanidad en películas como El gran dictador y El chico. Tenemos la esperanza de hacer lo que él hizo. Él hizo que la gente pensara y sintiera”.

En la ribera suiza, el mundo de Chaplin no está limitado a Chaplin’s World. Cerca de su propiedad, el nuevo Modern Times Hotel (llamado así en honor a la película Tiempos modernos) rinde homenaje al vagabundo con escenas de sus filmes en el vestíbulo y retratos de Chaplin en el bar y las habitaciones de los huéspedes.

En Vevey, donde, de acuerdo con las películas caseras, Oona empujaba a Chaplin cuando ya estaba en silla de ruedas en los últimos años de su vida a lo largo del sendero frente al lago, una estatua de bronce del vagabundo mira al lago y posa para las fotografías de los turistas.

El área de bar en el Modern Times Hotel (llamado así en honor a la película "Tiempos modernos") muestra escenas de la carrera cinematográfica de Chaplin.

El área de bar en el Modern Times Hotel (llamado así en honor a la película «Tiempos modernos») muestra escenas de la carrera cinematográfica de Chaplin.Credit…

Aunque la familia mantiene un control estricto sobre la imagen de Chaplin —por ejemplo, el único lugar donde se puede comprar una postal que lo muestra en el lugar es en la tienda de regalos de Chaplin’s World—, diversos lugares en Vevey le rinden homenaje, incluida la tienda de chocolates Läderach. Hace casi veinte años, su chef repostero, Blaise Poyet, se acercó a la familia para ofrecerles hacer un postre en honor a Chaplin. Poyet hizo un modelo de los enormes zapatos del vagabundo y los convirtió en chocolate.

Un café lleva el nombre de cariño de su personaje, Le Charlot, y una tienda para mujeres tenía una vitrina decorada con un bombín, un bastón, una rosa roja y una cantidad de fotos fijas que armonizaban con los vestidos de estilo antiguo a la venta. “Es un homenaje al museo”, dijo una encargada de la tienda. “Él era un romántico”.

FUENTE: THE NEW YORK TIMES Por Clara Tuma

Julio Cortázar y Manuel Antín: el tiempo ya no es lo que era en los 60.

El film se basa en la fecunda colaboración que dejó tres films sobre cuatro cuentos: «La cifra impar», «Circe», e «Intimidad de los parques».

“Cartas iluminadas”, film de la documentalista y pedagoga Cinthia Rajschmir sobre la correspondencia creativa entre Julio Cortázar y Manuel Antín, llegó finalmente anteayer, después de un recorrido por otros medios, a la pantalla de cine auténtica. Tal como debe ser.

La larga amistad entre ambos artistas dejó tres largometrajes, todos ellos piezas de referencia del primer nuevo cine argentino de la década del 60: “La cifra impar” (1962, sobre “Cartas de mamá”), “Circe” (1964, basado en el cuento homónimo), e “Intimidad de los parques” (1965, sobre “El ídolo de las Cícladas” y “Continuidad de los parques”). Cuentos y películas que no sólo remiten a otro tiempo sino que están regidos por un tiempo hoy extraño: el de la correspondencia y, sobre todo, el de la espera de esa correspondencia: una espera incomprensible en esta época de las comunicaciones instantáneas: un tiempo que no sólo condiciona las relaciones humanas sino la esencia misma de esa comunicación.

Esa espera no sólo es materia de los cuentos de Cortázar y de las películas de Antín, sobre todo de “La cifra impar” (una historia imposible en los tiempos del correo electrónico y el whatsapp, al igual que “La salud de los enfermos” y tantos otros relatos), sino también del intercambio entre ambos: una de las virtudes del film de Rajschmir es la recuperación de la cinta magnetofónica del viejo Geloso con la que Cortázar complementa el epistolario escrito. 

Observar hoy el iluminado rostro de Antín -como se ve en una escena de “Cartas iluminadas”-, mientras oye en un grabador de cinta abierta las palabras que su amigo le envió hace 60 años, con ese timbre inconfundible, con esas “erres” francesas y esos fonemas arrastrados, con esa intimidad que ninguno de ellos imaginó entonces que tantos años más tarde se abriría a todos sus lectores y espectadores, es invalorable.

“Me hace feliz que al fin la película vaya al cine”, dice Rajschmir a este diario. “Anteriormente, sentí que no podía ser tan egoísta como para guardarla y esperar este momento, ya que lo más importante era que el público la viera y que también la disfrutara Antín, de modo que hice todo lo que estuvo a mi alcance para que se viera. 

Su estreno mundial fue en el Festival de La Habana, y el nacional en el Bafici de 2019. Pero también estuvo en Cine.Ar y tuvo un pase en la Televisión Pública. Ganó premios en festivales como Trieste y Punta del Este, y tuvo otras distinciones, Y ahora, con menos restricciones, insistí para que llegara al cine”.

“Mi entrada en la película”, recuerda la realizadora “fue la maestría en la FUC de Manuel Antín, quien me otorgó una beca. No nos conocíamos personalmente. Al término de esa maestría fui a agradecerle y me sorprendió su humor, su calidez. Cuando nos despedimos me regaló el libro ‘Cartas de cine’, donde está la correspondencia con Cortázar. Me fascinó. Me tomó un año atreverme a plantearle a Manuel que quería hacer este documental, y a él sólo un minuto aceptar y ponerse a mi disposición”.

“Cuando leía a Cortázar pensaba: si alguien puede escribir con esta libertad, también es posible pensar con la misma libertad. Eso explica la vigencia de su literatura, el interés que sigue despertando en los jóvenes. 

Uno de los encuentros más felices fue la charla abierta que hicimos, al término de la proyección de la película en el Bafici, con Graciela Borges, que protagonizó ‘Circe’, y Dora Baret, cuyo debut fue en ‘Intimidad de los parques’. Pero no sólo por lo que recordaron sino porque en el público, que no se quería ir y nos tuvieron que echar para dar paso a la película siguiente, había jóvenes que decían que lo primero que harían al regresar a sus hogares era ponerse a leer a Cortázar”.

El entendimiento entre Antín y Cortázar no fue el mismo en los tres largometrajes: en “La cifra impar” no se conocían antes del rodaje y hasta se trataban de usted. El primer encuentro físico, el primer abrazo, fue durante el rodaje de una toma de ese film en exteriores de París, hermosamente ilustrado en el documental (dibujos de Juan Azamor) cuando Antín, acuclillado junto a la cámara, levanta la cabeza y ve el metro noventa y tres del gigante Cortázar que lo observa.

El autor de “Rayuela” amó esa película; hasta le dijo a Antín ‘Pibe, entendí mi cuento gracias a vos’ después de ver una escena clave durante la primera proyección en los laboratorios Alex. “Circe” fue el resultado de la colaboración entre ambos, y la base de esa correspondencia creativa, pero “Intimidad de los parques” ya representó un cierto distanciamiento. 

A Cortázar no le gustó que el libro trasladará la acción de “El ídolo de las Cícladas” de Grecia al Machu Picchu, entre otras cuestiones. Antín no sólo debió luchar, obstinadamente, contra esa adversidad, sino contra otra no menos grave: que casi el 40% del celuloide allí filmado se estropeara. Sin posibilidad de regresar, debió completarla en Buenos Aires con lo que tenía.

Rajschmir, sin embargo, defiende tenazmente esta película: “A mí me parece hermoso el ejemplo del creador que sigue adelante contra todos los obstáculos, y que transforma las carencias en hallazgos. El hizo una película que rompió con el raccord, es decir, la continuidad; puso en juego elementos de un lenguaje moderno que sigue siendo vigente: repeticiones, congelamientos de imagen como si fueran fotografías que aluden al tema de la memoria”.

Hay una carta muy reveladora no sólo del entusiasmo de Cortázar por el trabajo en común con Antín, sino de la forma en que vislumbraba el futuro de un cine entre ambos que trascendiera la adaptación de cuentos, que fuera algo desde cero. Es la carta donde le cuenta que había ido a ver ‘El ángel exterminador’ de Luis Buñuel, y que en toda la proyección no hizo más que pensar en él y en el futuro del cine. Eso nunca llegó a plasmarse cuando los caminos de ambos empezaron a divergir por razones políticas.

“Es un carta hermosa”, dice Rajschmir. “Ahí se lo ve apasionado por un cine en espiral, que tuviera una continuidad entre lo real y lo fantástico, como él pensaba la vida. Pero la colaboración no se cortó por eso. Ocurre que Cortázar empezó a mandarle otros cuentos para que los filmará. Yo le pregunté a Antín qué había pasado con eso y él me dijo: ‘Yo no le hacía caso’. En ese momento estaba en su propia línea de creación y no iba a hacer todo lo que le pedía Cortázar. Todo se puso más ríspido cuando Antín estableció su criterio creativo, lo cual fue evidente en ‘Intimidad de los parques’”.

El film se pre estrenó anteayer en el Centro Cultural Islas Malvinas (La Plata), mañana se estrenará en el Gaumont, y hoy habrá una única función en el cine Avenida de Bolívar.

FUENTE: ÁMBITO – Por Marcelo Zapata

La Voz Humana: el eco de Jean Cocteau en el cine de Almodóvar.

Reseña:

Pedro Almodóvar sorprende con su primera película en inglés, un cortometraje de 30 minutos, en el cual adapta libremente una de las obras más emblemáticas de Jean Cocteau.

La voz humana es un monólogo del poeta, dramaturgo, escritor, crítico de arte, ensayista, pintor y director de cine, Jean Cocteau, escrito en 1930. 

Originalmente, Cocteau lo escribió para que fuera interpretado por Edith Piaf, sin embargo, la célebre cantante francesa nunca llegó a interpretar este personaje. 

El monólogo fue adaptado por primera vez a la pantalla grande en 1948, en L’amore, dirigida por Roberto Rosellini y protagonizada por Anna Magnani.  

En 1966 Rosellini realizó una nueva versión de la obra, The Human Voice, esta vez con Ingrid Bergman en el personaje principal.

En medio de la pandemia, Pedro Almodóvar se reunió con su habitual equipo de trabajo para rodar en tiempo récord y bajo los protocolos necesarios de higiene y seguridad, una libre adaptación del monólogo de Cocteau, estelarizado por la siempre magistral e iconoclasta Tilda Swinton. 

La obra de La voz humana persiguió al manchego desde los años ochenta. La primera vez que el director hizo referencia a esta pieza fue en una de las escenas de su cinta la La Ley del Deseo – 100% (1987), posteriormente, las referencias fueron más claras en la comedia dramática, Mujeres al Borde de un Ataque de Nervios – 89% (1988).  

No es coincidencia que el realizador haya decidido darle una mayor oportunidad al texto original de Cocteau, ya que este le permite explorar con soltura los temas y las formas que han estado presentes a lo largo de la carrera del cineasta español: la feminidad, el desamor, la soledad y el abandono.

La trama de La Voz Humana – 100% se centra en una mujer (Swinton) que espera desesperadamente la llamada de su ex-amante, con quien compartió los últimos cuatro años de su vida, pero ahora la acaba de abandonar a ella y a su perro. 

Finalmente, el hombre llama para pedir que le alisten sus pertenencias en una maleta para pasar a recogerlas, pero ese momento nunca llega. A partir de ahí, esta mujer tiene que aprender a lidiar con una montaña rusa de emociones que le provoca el abandono de su amado y el tremendo sentimiento de vacío y soledad. ¿Cómo se llena el vacío de un lugar que fue construido para ser compartido por dos?.

Aunque la obra de Cocteau y el cine de Almodóvar se caracterizan por su tono melodramático, en esta ocasión, Pedro continúa apostando por un tono más sobrio y más contenido con el que ha estado trabajando en sus últimos filmes, desde Julieta -84% Sin bien, Dolor y Gloria-  96% fue como ese álbum de grandes hits que reunió lo mejor del cine de Almodóvar, La Voz Humana – 100% podría considerarse como un valioso bonus track que forma parte de la misma colección. 

En este cortometraje están presentes todos los elementos que tanto nos encantan del cine Almodovariano: una cuidada dirección de actores que confirma la complicidad escénica entre director – actriz; diálogos ingeniosos, cargados de poesía visual y subtexto; un meticuloso diseño de arte, lleno de props y utilería que nos subrayan valiosa información y nos permiten conocer mejor el carácter del personaje; una cocina llena de colores y decorados kitsch, quizás lo más pop del corto; una llamativa paleta de color en la que predomina una de las combinaciones favoritas del director, el color rojo junto al verde; paredes pintadas de un pálido verde olivo, aquí el color verde representa la esperanza, nos deja ver como se deslava la ilusión de que el amante regrese a casa y finalmente, no puede faltar la partitura de Alberto Iglesias, la cual siempre da un peso enorme a las emociones más desgarradoras y profundas del cine de Almodóvar.

Los encuadres seleccionados logran capturar la intimidad del duelo que provoca esta despedida. 

Los movimientos de cámara recrean la sensación de vértigo que experimenta la protagonista con el corazón roto. 

Podemos imaginar a qué clase de mujer tenemos enfrente cuando ordena sus artículos en la sala, entre ellos las películas de (El Hilo Fantasma – 97% una de las favoritas de Almodóvar) y Kill Bill: La Venganza, Volumen 1- 85%, que nos anuncia la sed de venganza que está experimentando la protagonista de este cortometraje. 

Al lado de estas obras maestras, también conserva un libro escrito por Alice Munro (la escritora canadiense que inspiró con su libro Escapada el guión de Julieta), esto nos habla de una mujer que experimenta la soledad y el abandono emocional tratando de encontrar respuestas en el arte, en los somníferos y en el vacío del tiempo perdido en la espera por la llamada el mensaje o una señal de un amor que ya no existe.

El monólogo original de Cocteau presenta a una mujer de carácter sumiso, Almodóvar se tomó la licencia de construir un personaje femenino más fuerte, más humano, con matices y contradicciones, que aunque su corazón arde de dolor y busca desesperadamente llenar los espacios vacíos de su alma por la partida de su gran amor, lucha por no romperse y por sofocar el sentimiento de codependencia emocional que se alimenta de su cuerpo y mente.

La interpretación de Swinton merece punto y aparte, desde que se anunció la colaboración de esta actriz con Almodóvar, se veía venir una explosión pop y una de las colaboraciones más interesantes del cine en los últimos tiempos.

Visita obligada para los fans de ambos artistas. Los seguidores de esta dupla quedarán satisfechos. La actriz consigue transmitir la vulnerabilidad que le demanda su personaje, es una Swinton es su estado más crudo y con una serie de gestos muy particulares. 

Que en esta versión el personaje principal se comunique a través de unos AirPods, le permite a la actriz explorar el espacio con mayor firmeza y dinamismo. Esta chica Almodóvar logra hacer suya cada palabra del texto y se apodera de las intensas emociones de su personaje para sumergirnos en el dolor.

El departamento de maquillaje y peinado, hacen un gran labor al darle a Swinton un aspecto desaliñado, con en el cual se revela la psique del personaje hasta en las puntas del peinado de una de las escenas. Por otro lado, el traje azul que porta la protagonista al inicio, los lentes oscuros, nos hablan de la inminente tristeza que atraviesa, posteriormente sus vestuarios son de color rojo, con los que vive momentos de furia, rabia, pasión, desamor y violencia sentimental. 

Para el último acto, el personaje utiliza una chaqueta negra de cuero, entre otras prendas ochenteras que recuerdan a La Movida madrileña (de la que formó parte el director), pero sobre todo, este outfit nos anuncia que la protagonista está lista para asistir al funeral de sus emociones, el cual ella misma se ha encargado de preparar y del que hemos sido testigos a través del arco dramático de su personaje.

La Voz Humana – 100% juega a la perfección con los elementos de espacio y tiempo. El primer trabajo en inglés de Almodóvar es un gran acierto en su filmografía, ojalá pueda completar un nuevo filme en este idioma y se repita la potencial mancuerna que logró con Swinton. 

Vale la pena ver en el cine esta película de uno de los directores más importantes del cine contemporáneo. 

Como todo buen cortometraje, se construye a partir de los detalles, pero el talento involucrado resultan grandes pilares para hacer de este filme una pequeña obra maestra. 

Sin llegar al spoiler, Almodóvar y Swinton nos recuerdan que la vida y el cine continúan, después del confinamiento, después del desamor. La voz humana estrena este 20 de agosto en algunos cines seleccionados de la república mexicana.

FUENTE: TOMATAZOS – ARTE: Cinematografía – Jean Cocteau – Pedro Almodóvar- Tilda Swinton – Cine español.