Un buzo israelí rescató del fondo del mar una espada de 900 años que habría pertenecido a un caballero cruzado.

El aficionado sacó el tesoro del Mediterráneo y los arqueólogos marinos la estudian y acondicionan para exhibirla como una reliquia histórica.

Una espada que habría pertenecido a un caballero cruzado que navegó a Tierra Santa hace casi un milenio fue recuperada de las profundidades del Mediterráneo por un buzo aficionado, informaron funcionarios de la Unidad de Arqueología Marina de la Autoridad de Antigüedades de Israel. Aunque tiene organismos marinos incrustados, la hoja, empuñadura y guarnición de más de un metro eran lo suficientemente características como para reconocerla después de que las corrientes submarinas movieron las arenas que la habían ocultado.

De 1,20 metros de largo y recubierta de organismos marinos, la espada  fue recuperada como un tesoro, entre otros artefactos antiguos que incluían anclas y cerámicas

De 1,20 metros de largo y recubierta de organismos marinos, la espada fue recuperada como un tesoro, entre otros artefactos antiguos que incluían anclas y cerámicas.

Ariel Schalit – AP

Shlomi Katzin encontró el arma, que se estima tendría unos 900 años, en el fondo del mar, mientras buceaba el sábado frente a la costa de Carmel en el norte de Israel. La ubicación de la espada, una ensenada natural cerca de la ciudad portuaria de Haifa, sugiere que había servido como refugio para los navegantes, dijo Kobi Sharvit, director de la unidad de arqueología marina del organismo. ”Estas condiciones han atraído a barcos mercantes durante eras, dejando atrás ricos hallazgos arqueológicos”, afirmó.

Los expertos dijeron además que la espada antigua probablemente fue descubierta después de que las olas movieran la arena. También se encuentran en las cercanías anclas de metal, de piedra y fragmentos de cerámica. La ley israelí requiere que cualquier objeto encontrado sea devuelto a la nación. Ahora, la espada será limpiada y restaurada para poder ser puesta en exhibición.

Después de su descubrimiento, Katzin agregó que tomó la espada del lecho marino por temor a que el hallazgo fuera robado o enterrado, y lo entregó a las autoridades. Por su acción recibió un certificado de reconocimiento por “buena ciudadanía”.

La imagen, tomada hoy, muestra la antigua espada de 900 años en la playa del puerto israelí de Cesarea,  días después de ser descubierta por un buceador local

La imagen, tomada hoy, muestra la antigua espada de 900 años en la playa del puerto israelí de Cesárea, días después de ser descubierta por un buceador local

JACK GUEZ – AFP

La espada, que mide alrededor de 1,20 metros, estaba en “perfecto estado”, según expresó el comunicado sobre este “hallazgo hermoso y raro” que probablemente perteneció a un caballero cruzado. 

“Es emocionante encontrar un objeto tan personal, que te lleva 900 años atrás, a una era diferente, con caballeros, armaduras y espadas”. La costa norte de Israel tiene muchas calas donde los barcos antiguos encontraron refugio de las tormentas, continuó Sharvit, arqueólogo marino, y agregó que las antiguas ciudades portuarias y otros asentamientos se construyeron alrededor de calas más grandes. “Estas condiciones han atraído a los barcos mercantes a lo largo de los siglos, dejando tras de sí ricos hallazgos arqueológicos”.

El hallazgo remite a la época de los caballeros, armaduras y espadas: “Es emocionante encontrar un objeto que nos lleva 900 años atrás", dijeron los especialistas

El hallazgo remite a la época de los caballeros, armaduras y espadas: “Es emocionante encontrar un objeto que nos lleva 900 años atrás”, dijeron los especialistas

JACK GUEZ – AFP

Según la opinión de los expertos, publica The Washington Post, el descubrimiento de artefactos antiguos por nadadores y buceadores recreativos se ha vuelto cada vez más común en los últimos años en medio de la creciente popularidad de los deportes acuáticos en la región. 

También consignan que las cálidas temperaturas de esas aguas podrían haber ayudado a preservar la espada de hierro. La vida marina se adhirió al arma “como pegamento” mientras se oxidaba el hierro, dijo Sharvit al New York Times ayer. 

Las autoridades tienen la intención de exhibir la espada después de que se haya limpiado e investigado. Eli Escosido, director general de IAA, elogió a Katzin en un comunicado por entregar el artefacto a las autoridades. “Cada artefacto antiguo que se encuentra nos ayuda a armar el rompecabezas histórico de la Tierra de Israel”.

Imagen de portada: Gentileza de JACK GUEZ – AFP

FUENTE RESPONSABLE: LA NACION Por Jack Guez AFP

Cultura/Arte/Arqueología

Con otro de sus libros, Mariana Enriquez aspira a otro premio internacional.

La obra de la escritora argentina que, a través de 12 relatos góticos y de terror, construye una atmósfera metafórica sobre temas y problemáticas actuales, integra la lista de obras nominadas al Premio Kirkus, que otorga un premio de US $50.000.

El libro de cuentos “Los peligros de fumar en la cama”, de la escritora Mariana Enriquez, el mismo texto por el que hace pocos meses aspiraba al prestigioso Booker Prize Internacional, integra ahora la lista de obras nominadas al Premio Kirkus, un galardón dotado de US$ 50.000, cuyo fallo ganador se dará a conocer el 28 de octubre en Austin, Estados Unidos.

En su traducción al inglés por Megan McDowell, “Los peligros de fumar en la cama” fue definido en junio de este año por Kirkus Reviews -la publicación que otorga el premio- “insidiosamente absorbente, como arenas movedizas”.

“Bueno yo sé que hoy el tema es otro, pero estoy nominada a este premio con Megan McDowell. También está Joy Williams así que es totalmente imposible que lo gane”, dijo en su cuenta de Twitter la escritora y periodista argentina, autora de la premiada novela “Nuestra parte de noche” y del libro “Las cosas que perdimos en el fuego”, que pronto tendrá uno de los relatos adaptados al formato audiovisual.

Dotado de una generosa cifra para un certamen literario, US$ 50.000, el premio Kirkus se otorga de forma anual en tres categoría -ficción, no ficción y literatura para jóvenes- y es impulsado por la revista Kirkus Reviews, una publicación de reseñas y críticas literarias que al año revisa entre 8.000 y 10.000 libros de todo el mundo, de los cuales un diez por ciento reciben una estrella de reconocimiento. Sobre esa Kirkus Star, se eligen seis finalistas en cada categoría.

“La lista de finalistas de este año es tan excepcional como cualquiera que hayamos visto”, dijo el editor jefe de Kirkus Reseñas, Tom Beer.

Junto al libro de Enriquez, aspiran a la categoría de ficción “The love songs of W.E.B Du Bois”, de Honorée Fanonne Jeffers, la novela que se convirtió en éxito editorial luego de ser seleccionada en el club de lectura de Oprah Winfrey; también “Harlem Shuffle” de Colson Whitehead; “Harrow” de Joy Williams; “My Monticello” de Jocelyn Nicole Johnson y “Bolla” de Pajtim Statovci.

EL LIBRO

“´Los peligros de fumar en la cama´ da cuenta de un lugar de aprendizaje como escritora, y también puedo ver con claridad cómo en ese momento ya estaba eligiendo cosas: pobreza, chicos vulnerables, la ciudad, los traumas familiares, los cuerpos de las mujeres (…) Hoy, una década después y con traducciones de por medio, puedo ver cómo están conectadas, que hacen un libro”, dijo la autora en una charla en mayo pasado a propósito de su nominación al Booker.

Las tres obras ganadoras del Kirkus se darán a conocer el 28 de octubre en una ceremonia que tendrá lugar en la Biblioteca Central de Austin, en Texas, Estados Unidos.

 Imagen de portada: Gentileza de enriquez.def

FUENTE RESPONSABLE: Rosario 3

Cultura/Literatura/Nuestros escritores.

Willem, el ‘bisnieto’ de Vincent Van Gogh que hoy custodia sus obras de arte: “Yo no pinto ni un poco”.

ENTREVISTA 

El asesor del museo

El holandés visitó Madrid este septiembre, con motivo de la inauguración de Meet Vincent Van Gogh, la exposición sobre el pintor que se presenta en Madrid, hasta enero de 2022.

 

El 2 de junio de 1973, el gobierno neerlandés inauguró el Museo Van Gogh, la conocida pinacoteca, ubicada en Ámsterdam, en la que se despliega el legado de Vincent Van Gogh. 

Es decir, una colección de 700 pinturas que, antes de exhibirse en un espacio público, descansaban en la casa de Willem, el sobrino bisnieto del artista, quien además de ser el asesor de su museo, se dedica a recorrer el mundo hablando sobre su “tío”. Es más, el pasado 29 de septiembre, Willem aterrizó en Madrid para asistir a la inauguración del Meet Vincent Van Gogh, la “nueva experiencia inmersiva”, que se presenta en el Espacio Ibercaja.

“Me gusta mucho Madrid. Hay mucho arte para ver y la gente es muy amable. La comida también es deliciosa. Tenéis unos vinos increíbles. Como el Rioja o el Ribera del Duero. 

Pero lo que más me gusta es que hasta el 9 de enero vais a poder disfrutar de Meet Van Gogh. Una experiencia increíble, con la que vais a poder sumergiros en el mundo de Vincent, pisar sus huellas, sentir la emoción de su arte y conocer distintos pasajes de su vida”, comentó Willem en una entrevista con LOC, en la que también desvela varios secretos de su archiconocido pariente.

“Me gustaría que la gente supiera que Vincent era un artista que nunca se daba por vencido. Siempre exploraba cosas nuevas. Por ejemplo, en una de estas salas se exhiben cerca de 800 pinturas y la verdad es que todas se ven diferentes. 

Porque la misión de Vincent era explorar el arte y creo que eso interesa mucho. Vincent podía pintar el retrato de un campesino, las olas del mar, los girasoles, la naturaleza, dos amigos, a un cartero, un café, su casa o su habitación… Y por eso creo que su pintura sigue tan vigente. Como todo el mundo toma café o tiene un dormitorio es fácil sentir una conexión con él”, relata.

Asimismo, Willem piensa que muchas personas pueden sentirse identificadas con los procesos artísticos de Van Gogh. De hecho, a él mismo le hubiese gustado analizar a su “tío” y conocer, en profundidad, su trabajo. “Si Vincent estuviese vivo, creo que me encantaría salir con él y observar mientras trabaja, ver cómo pinta. 

Eso es lo que más relevante me parece. Es impresionante la cantidad de pinturas que realizó. En 10 años realizó 1.000 pinturas -de las cuales solo 860 sólo son conocidas- y algunas fueron hechas en solo un día. Y eso me provoca mucha curiosidad”, cuenta Willem, quien creció rodeado de sus creaciones.

Y es que el abuelo de Willem era el hijo de Theo, el hermano más querido de Vincent, a quien envió la mitad de sus pinturas. Esa es la razón por la que gran parte de sus obras estaban en la casa de sus familiares. 

“Conozco gran parte de los cuadros de Vincent. Pero mi favorito es Almendro en flor. Creo que es una de las pinturas más hermosas que se han hecho en la historia. Además, el Almendro es uno de mis preferidos, porque Vincent le dedicó ese cuadro a su sobrino, mi abuelo, quien en su adultez decidió compartir la colección con el mundo y abrir el Museo Van Gogh. Creo que eso es muy emotivo”, explica.

Pero los cuadros no es lo único que Willem heredó… Sino también las cerca de 600 cartas que Vincent envió a Theo, contándole sobre su vida, sus penas y sus labores artísticas. “He leído casi todas esas cartas, pero he tardado 20 años en hacerlo. 

Mi carta favorita es una en la que Vincent le escribe a Theo ‘nosotros tenemos cierta responsabilidad con la próxima generación’. Le dice algo como ‘las estrellas en el cielo iluminaran a las próximas generaciones de artistas’. Esa es una de mis citas favoritas”, menciona Willem. No obstante, el holandés debe reconocer que las palabras de sus antepasados no lo han inspirado lo suficiente como para convertirse en pintor.

“Yo no pinto ni un poco. Una vez lo intenté. Pero no quedé muy contento con los resultados. Tomé clases de pintura, pero creo que no es lo mío. Me gusta el arte, pero me siento mejor como asesor que como artista”, afirma sobre su actual misión en el Museo Van Gogh. 

“Me gusta mucho trabajar en el museo, es muy reconfortante y a la vez desafiante. Ahora nos enfrentamos al reto de volver a recibir al público tras el covid, además de garantizar el acceso a la colección para las generaciones futuras. Creo que lo que hacemos es muy inspirador. Sobre todo ahora, que estamos próximos a nuestro aniversario número 50”, finaliza.

Imagen de Portada: Gentileza de El Mundo España

FUENTE RESPONSABLE: El Mundo España por Andrea M. Rosa del Pino

Cultura/Pintura/Van Gogh/Entrevista

Subastarán un cuadro de Vincent Van Gogh que lleva un siglo sin darse a conocer al público.

Dos casas de subastas anunciaron que presentarán al público un cuadro del artista neerlandés que llevaba 100 años oculto. La obra, que fue pintada en 1887, muestra a una pareja paseando por Montmartre, en París.

Un cuadro de Vincent Van Gogh que lleva un siglo sin verse en público será subastado en marzo con un precio de venta estimado de entre 5 y 8 millones de euros (entre 6 y 9,7 millones de dólares), anunciaron el miércoles (24.02.2021) las casas Sotheby’s y Mirabaud Mercier.

La obra “Escena de calle en Montmartre (Callejón de los dos hermanos y del Molino de Pimienta)” fue pintada en la primavera de 1887 durante el período que Van Gogh pasó en París (1886-1888) y muestra a una pareja paseando por la colina de Montmartre.

Esta pintura, que ha estado en una colección privada francesa durante un siglo y que no ha sido vista en público desde entonces, será la estrella de la subasta de arte impresionista que ambas casas celebrarán en París el 25 de marzo.

Sobre el recorrido del cuadro desde que Van Gogh lo pintó en 1887, el comisario de la venta, Fabien Mirabaud, dijo en rueda de prensa que creen que “se lo quedó Théo, su hermano, que pasó por algunos intermediarios desconocidos y que antes de 1920 ya estaba en manos de la familia que lo ha poseído desde entonces”.

Las dos casas de subastas eludieron dar detalles sobre la identidad de la familia, pero explicaron que una de las condiciones que se puso para la subasta fue que se celebrará en París, donde les gustaría que se quedara, “aunque han asumido que es posible que termine en el extranjero”, matizó Fabien Mirabaud, de la firma que lleva su nombre.

El lugar que eligió Van Gogh para su obra

Sobre la escena del cuadro, la directora de Arte Impresionista de Sotheby’s, Aurélie Vandevoorde, indicó que en aquella época la parisina colina de Montmartre tenía dos partes: “una más urbanizada, con los conocidos cabarets, y una más rural, con huertos, molinos, cobertizos… Esa es la parte que retrató Van Gogh”.

El pintor neerlandés “prefirió mostrar una escena bucólica antes que un retrato de las salas de baile o los cabarets del barrio”, añadió Mirabaud.

Los expertos que gestionan esta puja confían en que se alcance el precio de salida estimado, que es de entrada inferior, por ejemplo, al que logró en 2020 un paisaje campestre del mismo pintor vendido en los Países Bajos por 15 millones de euros (más de 18 millones de dólares).

El neerlandés Van Gogh (1853-1890) vivió en París entre 1886 y 1888, un período en el que coincidió con algunos de los principales artistas de la época, como Gauguin, Pissarro o Toulouse-Lautrec, contactos que marcaron una fuerte evolución en su pintura, con la que destacó en el postimpresionismo y el expresionismo.

Imagen de portada: Gentileza de Made for Minds

FUENTE RESPONSABLE: Made for Minds-JU (afp, efe, es.euronews.com, bbc.com).

Van Gogh/Obra oculta/Subasta/Pintura/Escena de calle en Montmartre

El juego del calamar: 6 cosas que la serie de Netflix muestra sobre la realidad de Corea del Sur.

“El juego del calamar” (Squid Game), un drama sangriento de Corea del Sur, se ha convertido en uno de los programas más populares de Netflix.

A principios de octubre fue la serie más vista en 90 países y su éxito está dando al mundo la idea de que la nación asiática cuenta con una sociedad compleja.

Pero aparte de ser una historia con mucho suspense, con concursantes que tienen problemas económicos que participan en juegos de vida o muerte a cambio de dinero, la serie se ha ganado aplausos por su descripción de las dificultades reales que afectan a los habitantes de Corea del Sur.

La serie sigue los pasos de Parasite, la célebre película que muestra el contraste en las vidas de dos familias en Seúl.

En 2020, fue la primera producción en un idioma diferente al inglés en ganar el Oscar a la mejor película.

Parasite también se llevó otros cinco premios Oscar, incluido el de mejor director.

Es posible que muchos espectadores extranjeros no hayan estado al tanto de los problemas sociales de Corea del Sur, pero con “El juego del calamar” esto estaría cambiando.

Estos son algunos de los temas clave que se destacan en la serie.

Advertencia: este artículo revela algunos detalles de la trama de la serie.

1. Misoginia

Mujeres surcoreanas protestan contra la desigualdad de género en una marcha de 2018

FUENTE DE LA IMAGEN – GETTY IMAGES

Los surcoreanos no obtienen buenos puntajes en las evaluaciones de igualdad de género.

Corea del Sur ocupa un modesto puesto 102 en la lista de países con mayor igualdad de género, según la edición de 2021 de la Brecha de Género Global del Foro Económico Mundial.

“El juego del calamar” refleja esta característica cultural a través de discusiones sobre la idoneidad de las mujeres en tareas asignadas a los concursantes.

Cho Sang-woo, el banquero de inversiones, más de una vez intenta impedir que las mujeres participen en tareas grupales.

Pero el programa en sí recibió críticas por su interpretación de los roles de las mujeres.

Específicamente, se generó una polémica en torno al personaje Mi-nyeo, quien se involucra en relaciones sexuales con el gánster Deok-su para ingresar a su equipo.

El escritor y director de “El juego del calamar”, Hwang Dong-hyuk, rechazó las acusaciones de misoginia hechas en las redes sociales.

En una entrevista con el diario coreano Hankook Ilbo, refutó esa sugerencia y dijo que imaginó a los personajes reaccionando “cuando se encuentran en la peor situación”.

2. La difícil realidad de los desertores del norte

Sae-byok interpretada por la modelo Jung Ho-yeon (derecha), una desertora norcoreana, en una escena de "El juego del calamar".

FUENTE DE LA IMAGEN – NETFLIX

Sae-byok (derecha), una de las pocas participantes femeninas en el juego, es una desertora de Corea del Norte.

“El juego del calamar” también analiza el problema de los desertores norcoreanos.

En la serie, la concursante Sae-byok (interpretada por Jung Ho-yeon) se une al grupo con la esperanza de ganar dinero para reunir a su familia, que se separó mientras huía del régimen represivo del país vecino.

Antes de la pandemia, más de 1.000 norcoreanos buscaban refugio en Corea del Sur cada año.

Si bien Seúl cuenta con una serie de planes y beneficios de adaptación, los desertores pueden sufrir malos tratos, discriminación y sospecha por parte de los surcoreanos.

“El juego del calamar” muestra algunos aspectos de este problema, que incluye un detalle sobre el lenguaje. Como muchos otros desertores en la vida real, Sae-byok oculta su acento original norcoreano y habla en el dialecto estándar de Seúl.

Solo vuelve a su acento original en una escena cuando habla con su hermano menor que está en un orfanato.

3. Pobreza

Un hombre mayor surcoreano sentado en el barrio humilde de Guryong de Seúl con nieve en el suelo.

FUENTE DE LA IMAGEN – GETTY IMAGES

Más del 16% de los surcoreanos viven en la pobreza, según cifras de la Organización para la Cooperación y el Desarrollo Económicos (OCDE).

Cualquiera levantaría una ceja si el tema en discusión es la pobreza en Corea del Sur.

El país asiático aparece en el puesto 23 en el ranking del Índice de Desarrollo Humano de las Naciones Unidas, por delante de Francia, Italia y España, por ejemplo.

Pero el personaje principal de la serie, Gi-hun, fue despedido por la compañía ficticia Dragon Motors, tiene dos negocios que no funcionaron, vive con su madre enferma y no puede darse el lujo de comprarle a su hija un regalo de cumpleaños decente.

Él personifica al trabajador fracasado que no puede salir de la pobreza.

En el Índice de Gini, que mide la distribución de la riqueza nacional, Corea del Sur obtiene mejores resultados que algunos países nórdicos e incluso Estados Unidos.

Entonces, ¿por qué la pobreza es un tema en la serie?

Bueno, podría ser porque la desigualdad está en aumento en el país asiático. El 20% de los que más ganan en Corea del Sur tiene un patrimonio neto 166 veces mayor que el del 20% más pobre.

Una persona sin hogar duerme en la acera de la ciudad de Daegu.

FUENTE DE LA IMAGEN – GETTY IMAGES

La falta de vivienda también es un problema que afecta a los surcoreanos más pobres.

Cifras de la Organización para la Cooperación y el Desarrollo Económicos (OCDE) muestran que casi el 17% de los más de 51 millones de habitantes de Corea del Sur vivían en la pobreza antes de la pandemia de la covid-19.

Las viviendas pueden ser pequeñas en forma de cubículos llamados Goshitels y Goshiwon, algunos de apenas 2 metros de ancho. Varias generaciones de una familia pueden vivir juntas en estos apartamentos.

Pero incluso aquellos con mayores recursos económicos tienen problemas: la deuda de los hogares en Corea del Sur ahora vale más que el Producto Interno Bruto (PIB) del país, el nivel más alto de toda Asia.

4. Explotación de migrantes

Una trabajadora migrante tailandesa rodeada de plantas de tabaco en una granja de Corea del Sur

FUENTE DE LA IMAGEN – GETTY IMAGES

Si bien las autoridades surcoreanas han aprobado leyes de protección laboral en las últimas dos décadas, las condiciones aún pueden ser nefastas para los trabajadores migrantes, según grupos de derechos humanos.

Uno de los personajes más entrañables de “El juego del calamar” es Ali, un inmigrante paquistaní que trabaja en una fábrica y que se une a los concursantes después de que su jefe surcoreano le retuviera su salario durante meses, lo que le obliga a abandonar a su esposa y su bebé.

Los paquistaníes no son el grupo de inmigrantes más grandes de Corea del Sur, pero la historia de fondo de Ali destaca una rutina de trabajo duro y de explotación que algunos trabajadores extranjeros pueden experimentar en el país.

Si bien Corea del Sur cuenta con leyes de protección laboral aprobadas en las últimas dos décadas, las condiciones aún pueden ser nefastas para los trabajadores migrantes, según grupos de derechos humanos.

5. Amiguismo corporativo y político

Park Geun-hye (izquierda) llega para una audiencia en un tribunal de Seúl en 2016.

FUENTE DE LA IMAGEN – GETTY IMAGES

Park Geun-hye, la primera mujer presidenta de Corea del Sur, fue destituida y encarcelada en 2016 por su participación en un escándalo de corrupción.

Uno de los personajes principales de la serie es Cho Sang-woo, un banquero de inversiones que se une al juego después de ser acusado de malversar fondos de la empresa para la que trabajaba.

En los últimos años, Corea del Sur se ha visto sacudida por escándalos que involucran a su élite empresarial y política, incluida una investigación de corrupción que en 2016 derrocó a su primera presidenta, Park Geun-hye.

6. Una relación complicada con China

Fila fuera de un comercio ambientado en "El juego del calamar" en Shanghái.

FUENTE DE LA IMAGEN – GETTY IMAGES

“El juego del calamar” es tan popular en China que ha generado negocios temáticos como este comercio de Shanghái que vende dulces inspirados en la serie.

“El juego del calamar” hace una única referencia a China, que es el principal aliado de Corea del Norte: la madre de Sae-byok es detenida mientras intentaba llegar a Corea del Sur a través de China continental.

Fuera de la pantalla, la serie se convirtió en otro ejemplo de las tensiones entre Seúl y Pekín. Los medios chinos informaron que los uniformes verdes usados por los concursantes del juego son similares a los trajes en la película china de 2019 “Teacher, Like”.

Eso dio lugar a encendidas discusiones en las redes sociales, pero hizo poco para afectar el éxito de “El juego del calamar” en el país.

A pesar de que Netflix está bloqueado en China y no hay distribución oficial, el programa está disponible a través de servicios de transmisión ilegal.

Recibió la crítica de casi 300.000 personas en Douban, la plataforma de reseñas de libros y películas más grande de China, con una respetable puntuación de 7,6 sobre 10.

Irónicamente, sitios de comercio electrónico también ofrecen productos relacionados con “El juego del calamar”, incluidos los trajes verdes. En Shanghái, incluso hay tiendas que venden dalgona, un dulce coreano que aparece en un episodio.

Seong Gi-hun, uno de los personajes principales de "El juego del calamar", sostiene una dalgona.

FUENTE DE LA IMAGEN – NETFLIX

Seong Gi-hun, uno de los personajes principales de “El juego del calamar”, sostiene una dalgona.

Los concursantes tienen que tallar formas en relieve en trozos de caramelo quebradizo, hecho con bicarbonato de sodio y azúcar.

También hay un “desafío de dulces dalgona” que se extiende a través de videos en TikTok, donde los fanáticos recrean el placer mortal del programa.

“El juego del calamar” puede haber creado una imagen negativa sobre un alimento tan inocuo, pero la popularidad de la serie destaca lo que parece ser una creciente fascinación mundial por la cultura coreana.

Imagen de portada: Gentileza de

FUENTE RESPONSABLE. BBC por Fernando Duarte

Sociedad y Cultura/Netflix/Corea del Sur

Espectáculos/China/Corea del Norte.

Hola, soy Pablo Neruda: confieso que he vivido…

Recuerda que si deseas profundizar más sobre este artículo; debes cliquear sobre lo escrito en “negrita”. Muchas gracias.

En un ejercicio de imaginación, recorremos la vida del poeta chileno, sus posiciones políticas y sus amores.

Soy Ricardo Neftalí Reyes, conocido en el ámbito literario como Pablo Neruda. Nací el 12 de julio de 1904 en Parral, una ciudad del sur de Chile. Era un niño curioso y callado. Recién me autorizaron a trasladarme a Santiago cuando cumplí 16 años.

Debido a mis escasos recursos, me instalé en una pensión bien popular. Mi padre, José, no quería que me dedicara a la poesía. Para despistarlo, decidí cambiar mi nombre por un seudónimo; me gustó Neruda, que era el apellido de un escritor y periodista checo del siglo XIX: Jan Neruda.

Salvador Allende y Pablo Neruda

Mientras estudiaba pedagogía, escribí mis primeros poemas. El paseo donde se asentaba la pensión tenía el nombre Maruri; recuerdo que en Crepusculario, publicado en 1923, sostuve que esa calle era poco atractiva y de aspecto lúgubre; sin embargo, se podían percibir en los atardeceres crepúsculos extraordinarios que me quitaban el sueño.

“Me sentaba yo al balcón a mirar la agonía de cada tarde, el cielo embanderado de verde y carmín, la desolación de los techos suburbanos amenazados por el incendio del cielo”.Pablo Neruda

La vida de los poetas era fascinante; en un principio, mientras escribía, tomaba innumerables tazas de té; “la vida de aquellos años en la pensión de estudiantes era de un hambre completa. Escribí mucho más que hasta entonces, pero comí mucho menos. Algunos de los poetas que conocí por aquellos días sucumbieron a causa de las dietas rigurosas de la pobreza”.

Mis amigos me observaban como una rara avis; parecía que el alcohol afectaría mis neuronas. Con el tiempo, me hicieron cambiar de opinión, y empecé a disfrutar la compatibilidad del vino con la inspiración poética. No fue una buena idea, y mis estudios se fueron resintiendo.

Me gustaba vestir de negro, como una manera de homenajear a los viejos poetas chilenos. No sabía tratar a las mujeres; al verlas, me sonrojaba y empezaba a tartamudear. Después, esa faceta iba a quedar en el olvido, y tuve una frondosa lista de amoríos.

ABIERTO AL MUNDO

En 1924 me endeudé hasta los huesos para que viera la luz Veinte poemas de amor y una canción desesperada. “A la casa de empeños se fue rápidamente el reloj que solemnemente me había regalado mi padre, reloj al que él le había hecho pintar dos banderitas cruzadas. Al reloj siguió mi traje negro de poeta. 

El impresor era inexorable y, al final, lista totalmente la edición y pegadas las tapas, me dijo con aire siniestro. No se llevará ni un solo ejemplar sin antes pagarlo todo”.

Para mi sorpresa, me transformé con sólo 20 años en un poeta popular y famoso. Debo reconocer que algunos vecinos fueron generosos, aportando unos pesos para ayudar a la publicación; me tenían fe. A pesar de mi notoriedad, no alcanzaba el dinero. Tenía que buscarme otra ocupación, y un conocido me recomendó la carrera diplomática.

El poeta chileno Pablo Neruda y su primera esposa, Maruca Hagenaar. (La Voz / Archivo)

Me entusiasmaba la posibilidad de conocer el mundo; pero no fue lo esperado.

Mi primer destino fue Birmania; luego Ceilán y la isla de Java, una excolonia holandesa. La soledad era abrumadora, y los idiomas desconocidos. La única alegría fue conocer a quien sería mi esposa, Maruca Hagenaar; tuvimos una niña, quien murió con sólo ocho años. Su enfermedad congénita resintió el matrimonio.

Delia del Carril, cuñada de Ricardo Güiraldes, me abrió el camino para conocer la intelectualidad de España. Era 20 años mayor que yo, a pesar de lo cual fue mi amante y gran artífice de mi vida de poeta. Era muy culta, y gracias a ella conocí, entre otros, a Miguel Hernández y a Federico García Lorca. Cuando se desató la guerra civil española, yo era cónsul en Madrid. Mis poemas denunciaban las crueldades que se vivían.

POETA POLÍTICO

En 1939, ya de nuevo en Chile, sentí orgullo por la gestión que llevé a cabo para que anclara en Valparaíso el navío Winnipeg, que cargaba dos mil refugiados que huían del hostigamiento del general Francisco Franco

Las cosas habían cambiado, y mis compatriotas se habían transformado en mis admiradores. Gritaban sin parar: “¡Viva Pablo Neruda! ¡Viva el poeta del pueblo!”. Mi emoción no tenía límite.

Publiqué un artículo contra el presidente González Videla; el título era “La crisis democrática de Chile es una advertencia dramática para nuestro continente”. De golpe, me convertí de prestigioso senador de la República a perseguido político.

Me vi obligado a pasar a la clandestinidad. Crucé con cuatro compañeros a caballo la cordillera de los Andes, y desde Argentina me trasladé a Uruguay; allí me embarqué hacia Francia, donde viví tres años hasta que pude volver a mi querido Santiago.

UNA CASA EN ISLA NEGRA

Le compré a un viejo navegante español una casa en Isla Negra, en la comuna del Quisco, en Valparaíso. 

Había encontrado mi lugar; “la casa (…) no sé cuándo nació… era a media tarde, llegamos a caballo por aquellas soledades (…) Don Eladio iba delante, vadeando el estero de Córdoba que se había crecido (…) por primera vez sentí como una punzada este olor a invierno marino, mezcla de boldo y arena salada, algas y cardos (…) ¡Aquí, dijo don Eladio Sobrino! y allí nos quedamos. Luego la casa fue creciendo, como la gente, como los árboles”.

El escritor chileno y premio Nobel de Literatura Pablo Neruda en su casa de Isla Negra. (Sara Facio / La Voz / Archivo)

Era una pequeña casa de piedra. Yo proyectaba como un arquitecto, y los maestros la iban reconstruyendo; ansiaba un amplio ventanal que mirara al Pacífico. 

Una vez que estuvo lista, sentí una alegría inmensa. Allí escribí buena parte de mi obra y recibí a amigos, con quienes compartimos una bebida fuerte. Pero nunca fue un hospedaje; nadie se quedaba a dormir.

Me gustaba dormir la siesta; el dormitorio, que compartía con Delia, estaba arriba. Me separé de ella en 1955. Mi nueva pareja, Matilde Urrutia, que me acompañaría hasta el final, puso como condición para convivir la construcción de una nueva habitación; le angustiaba usar la anterior.

El Premio Nobel de Literatura Pablo Neruda y su esposa Matilde Urrutia. (La Voz / Archivo)

La casa está presidida por un retrato de Matilde, hecho por Diego Rivera. Le dediqué a esa querida mujer “Sonetos de Amor”: “… amor, cuántos caminos hasta llegar a un beso. Qué soledad errante hasta tu compañía”.

RECONOCIMIENTOS Y ERRORES

Cometí muchos errores en mi vida y los asumo. También acepto que mis detractores me critiquen hasta el hartazgo; es parte de su profesión. Lo que no admito es que lo hagan por mi mirada ideológica y no por mi obra. Insistían en que los comunistas españoles se habían encargado de ensalzar mi obra porque era uno de ellos.

Pero también tuve muchas caricias al alma. Mucha gente me apoyó; Gabriel García Márquez exageró, llamándome “el mejor poeta del siglo 20”; que lo haya dicho él no es poca cosa.

En 1971 me galardonaron con el Premio Nobel de Literatura. Inmediatamente llamé a Gabo, que estaba en Barcelona; le dije: “Tienes que venir con tu mujer a cenar mañana conmigo en París”. A él no le gustaba viajar en avión, por lo cual tenía que moverse en tren y los tiempos no le cerraban.

El poeta chileno Pablo Neruda recibe el Premio Nobel de Literatura en 1971. (La Voz / Archivo)

Le puse voz tierna, como con ganas de llorar, y lo convencí. Cuando bajó del avión, lo puse al tanto de la noticia y le conté que lo primero que le había dicho a los periodistas fue: “El que merecía ese premio es Gabriel García Márquez”.

Allí comprendió la razón por la cual necesitaba que cenara conmigo. No había razón, pero tenía un cargo de conciencia.

Dos años más tarde, regresé a Chile después de renunciar como embajador en Francia. Me había designado en el cargo mi gran amigo, el presidente Salvador Allende. 

Doce días después del golpe militar, llegó mi hora; el cáncer me ganó la batalla. Una multitud me despidió, desafiando al régimen pinochetista, que había prohibido las manifestaciones públicas.

Para quienes me quieran visitar, estoy enterrado junto a Matilde en Isla Negra. Dejé por escrito que allí debían quedar mis restos para toda la eternidad. Es un bello lugar, sobre un acantilado con vista al océano Pacífico.

Imagen de portada: Gentileza de “La Voz”

FUENTE RESPONSABLE: La Voz por Daniel Gattas/Ejercicio imaginario/Vida/Cultura/ Literatura/Homenaje/Pablo Neruda.

12 de octubre: cómo era realmente América antes de la llegada de Cristóbal Colón. PARTE II

Recuerda que si deseas profundizar más sobre este artículo; debes cliquear sobre lo escrito en “negrita”. Muchas gracias.

MESOAMÉRICA

Establecidos en ciudades monumentales y organizados en grandes imperios o en pequeños Estados independientes, los mesoamericanos se parecían más a lo que los europeos identificaban como “civilizaciones”.

Cuando estos llegaron, cerca de 24 millones de personas, según estimaciones, vivían en el corazón de América.

Esta zona fue cuna de innovaciones y avances tecnológicos, lo que hizo que sus grandes ciudades funcionaran mejor que las europeas, según los expertos.

Los pueblos indígenas consiguieron, por ejemplo, desviar el curso natural de ríos, construir lagos impermeables y plantar dentro de balsas flotantes. Usaban el caucho para jugar a pelota y conocían la rueda, aunque no la usaban porque era inútil en sus terrenos irregulares y sin animales de carga.

Aunque los mayas fueron los únicos en el continente en descubrir la escritura de forma independiente, otras culturas mesoamericanas también dominaron la astronomía, las matemáticas o la poesía oral.

MESOAMÉRICA

Imperio mexica

A finales del siglo XV, el imperio mexica (que más tarde muchos historiadores llamarían “azteca”) estaba en su punto álgido.

Las ciudades-estado de Tenochtitlan, Texcoco y Tacuba habían formado una alianza que tomó el poder de los tepanecas y conquistó la mayor parte del centro y del sur de lo que hoy es México.

Mapa que situa las tres ciudades Tenochtitlan, Texcoco y Tacuba.

Los mexicas no necesariamente tenían presencia militar en los territorios conquistados, pero obligaban a sus nuevos súbditos a enviarles productos y soldados como tributo.

También se casaban con las hijas de los jefes locales para que sus herederos, educados en la capital, tuvieran el futuro comando de las regiones.

Todo esto les permitía mantener la hegemonía.

“En muchos sentidos, no era un sistema tan distinto a lo que se veía en Europa en esa misma época”, dice a BBC Mundo la etnóloga Antje Gunsenheimer, de la Universidad de Bonn, en Alemania.

Grabado de Moctezuma II

El zoológico propio que Moctezuma II tenía dentro de Tenochtitlan era un ejemplo de ostentación del poder mexica. Imagen de Getty

Igual que en Europa, los mexicas mostraban el poder a través de la riqueza y del esplendor de los palacios y jardines en la capital del imperio, Tenochtitlan.

Cuando llegaron los europeos, Tenochtitlan era una ciudad más grande que París.

Se estima que podía haber tenido unos 250.000 habitantes, la mayor densidad de población de América.

Reproducción de cómo se cree que era Tenochtitlan.

Cada barrio de Tenochtitlan tenía su propia estructura política y religiosa, con sus propios templos, escuelas y soldados, cuenta Gunsenheimer. Imagen de Getty.

“Era una urbe refinada, con baños públicos, con una treintena de palacios que albergaban finas cerámicas y elegantes enseres textiles. Se ubicaba en medio de más de 2.000 km 2 de lagos ricos en peces y la agricultura era muy productiva y permitía sostener a mucha población de la zona.”, dijo a BBC Mundo Esteban Mira Caballos, doctor en Historia de América por la Universidad de Sevilla, España.

Pero la ciudad era, más que todo, una hazaña de la ingeniería que no tenía comparación.

Un sofisticado sistema de canales y presas construido a lo largo del tiempo permitía regular la cantidad de agua que llegaba a la capital desde las montañas, por medio de los lagos. De esa manera, se evitaba la inundación demasiado frecuente de Tenochtitlan en períodos de lluvia intensa y se aseguraba suficiente agua dulce para la población.

Grabado de Tenochtitlan

Aunque fue construida en medio de un lago, la capital mexica no se inundaba gracias a un sistema de canales y presas. Imagen de Getty

“Los mexicas vivían en un ambiente muy frágil que tenía que ser muy bien manejado. Y ellos lo hacían perfectamente. Entendían que, con tanta gente en un solo sitio, el riesgo de contaminación de los lagos era alto. Sabemos que había profesionales que recolectaban excrementos y los llevaban a tierra firme para usarlos como abono orgánico en las plantaciones”, dice Gunsenheimer.

Años más tarde, los españoles destruyeron el sistema hidráulico de Tenochtitlan-México y lo reconstruyeron al estilo europeo. A partir de ahí, la ciudad se inundó más veces durante el siglo XVI y sufrió graves epidemias de tifus, prueba de que el sistema original era mejor que el que implementaron los conquistadores.

Imperio tarasco

Los archienemigos de los mexicas son menos conocidos porque tenemos menos evidencias sobre cómo vivían antes de la conquista.

Sin embargo, los tarascos tenían el segundo Estado más grande de Mesoamérica cuando los europeos pisaron por primera vez el continente.

Mapa que sitúa el imperio tarasco y el mexico sobre el mapa actual de México

En su mitología los mexicas se referían a los tarascos como una de las tribus que salieron de su tierra ancestral Aztlán pero no les acompañaron hasta Tenochtitlan.

“Hablar de ellos en esos términos ayudaba a los mexicas a justificar su incapacidad para derrotar a los tarascos y expandir su frontera hacia el noroeste. Es como si dijeran ‘son así de fuertes porque son nuestros parientes, por eso no podemos vencerlos’, dice la antropóloga Sarah Albiez-Wieck, de la Universidad de Colonia, en Alemania a BBC Mundo.

A finales del siglo XV la capital tarasca, Tzintzuntzan, tenía casi 30.000 habitantes y era parte de un centro de poder formado por tres ciudades-estado cerca de un lago, como ocurría en el imperio mexica. A diferencia de este, los expertos creen que en el caso tarasco el poder estaba menos centralizado en una ciudad.

Tzintzuntzan tenía un gran centro religioso con edificios y pirámides de planta mixta conocidas como “yácatas”, donde vivían los sacerdotes y realizaban sacrificios rituales y hogueras como señal de que el imperio iba a la guerra.

Reproducción del centro ceremonial de Tzintzuntzan.

El centro ceremonial es la zona mejor conservada de Tzintzuntzan. Imagen de Getty

En relatos de los mexicas y de los españoles, los tarascos también aparecen como grandes artesanos de metales.

“El oeste de México fue la cuna de la metalurgia en Mesoamérica y los tarascos fueron parte de esa tradición. Tanto es así que fueron los primeros en organizar a nivel estatal la extracción y el trabajo de los metales ”, dice Albiez-Wieck.

Montaje con fotografias de adornos y herramientas.

Los líderes tarascos lograron mantener su poder político más tiempo que sus enemigos. Negociaron con los conquistadores españoles y pudieron seguir recibiendo tributos y teniendo subordinados hasta principios del siglo XVII.

Civilización maya

En el siglo XV, la mayoría de las grandes ciudades mayas — como Tikal, Palenque o Copán — con sus pirámides y monumentos imponentes ya estaban en completa decadencia. Sin embargo, algo revolucionario ocurrió en esta civilización.

“La administración de las ciudades mayas pasó a ser más comunal tras la desaparición de los reyes divinos hacia el siglo IX. No creo que llegará a ser una democracia, pero más gente empezó a participar en las decisiones”, dice a BBC Mundo el antropólogo Nikolai Grube, de las Universidades de Texas, en EE.UU. y de Bonn, en Alemania.

Como en la Grecia antigua, el mundo maya siempre había estado formado por ciudades-Estado que competían y entraban en guerras unas con otras, a pesar de tener una cultura y un idioma compartidos. Los reyes tenían un fuerte control sobre las rutas de comercio.

Mapa situando la civilización maya en el siglo XV

Cuando el sistema controlado por la nobleza colapsó parece que la gente aprovechó ese vacío y más personas empezaron a tener acceso a bienes de lujo como el jade y la cerámica.

A la vez, las rutas de intercambio con otros pueblos, ahora libres, permitieron que productos como el oro y el cobre llegaran al mundo maya. “De cierta manera, la gente se hizo más rica en un mundo más globalizado”, cuenta Grube.

La arquitectura de las ciudades también se hizo más modesta. Sin reyes que organizaron el trabajo en obras gigantescas, había terminado la era de los grandes monumentos y palacios. Los templos, hechos por familias, pasaron a ser menores.

Fotografía de un templo de Mayapán.

Los templos más austeros de Mayapán reflejan la nueva era en la que se encontraba la civilización maya en el siglo XV. Imagen de Getty.

En la península de Yucatán, Mayapán fue la mayor ciudad maya antes de la conquista y Nojpetén, capital de los Itzá Maya, fue tan poderosa que llegó a controlar todo el norte de lo que hoy es Guatemala.

El cambio político y económico no era la primera revolución cultural en esta civilización: los mayas ya tenían el conocimiento astronómico más avanzado del continente, basado en su sofisticado conocimiento de matemáticas.

 Códice Dresden: escritos mayas donde se ve un símbolo que correspondía al cero en matemáticas.

“Sabemos que en la Mesopotamia se hacían cálculos con la idea del cero, pero sin un símbolo. Los mayas sí lo tenían”, explica Grube.

Aunque la idea del cero ya era utilizada, el símbolo del cero es importante porque permitía representar números más largos de manera más sencilla y hacer cálculos más complejos. Así los mayas desarrollaron un sistema de calendarios que mezclaba creencias religiosas, el año solar de 365 días y otros fenómenos astronómicos como los ciclos de Venus, de la Luna y de otros planetas con enorme precisión.

Otro hecho fascinante que ocurrió pocas veces en la historia de la humanidad es que los mayas también fueron los únicos del continente en descubrir la escritura de manera independiente.

El sistema de escritura maya era semejante a los jeroglíficos egipcios y permitía escribir todas las palabras de su idioma. Hoy solo se preservan cuatro libros mayas, con textos ceremoniales y de astronomía, ya que el resto se perdió durante y después de las batallas contra los españoles.

Por otro lado, el hecho de que nunca tuvieron un gobierno unificado les dio una ventaja sobre los invasores y nunca pudieron ser completamente conquistados.

“La península de Yucatán y las zonas montañosas de Guatemala estaban divididas en muchos estados pequeños liderados por grupos o por señores. 

Aunque algunos se unieron a los españoles, gran parte no fue sometida al control del imperio colonial ni de las autoridades mexicanas hasta el principio del siglo XX”, dice Nikolai Grube.

Imagen de portada: Gentileza de GETTY IMAGES

FUENTE RESPONSABLE: Equipo de Periodismo Visual de BBC News Mundo/América Latina/12 de octubre

Coronavirus: por qué Rusia tiene tan poca población vacunada pese a que desarrolló una de las primeras vacunas contra la covid-19.

A inicios de agosto de 2020, Rusia se colocó al frente de la carrera global que se había iniciado para lograr una vacuna contra el nuevo coronavirus.

El presidente Vladimir Putin dijo al mundo que su país ya tenía la primera vacuna aprobada y anunció que en octubre de ese año pondrían en marcha una campaña de vacunación masiva.

La Sputnik V, como fue bautizada, había sido desarrollada por el Centro Nacional de Investigación de Epidemiología y Microbiología (Gamaleya) junto con el Ministerio de Defensa.

Sin embargo, poco más de un año más tarde, Rusia es el quinto país del mundo que ha registrado mayor número de contagios (más de 7,8 millones) y más muertes (217.000), de acuerdo con datos de la Universidad Johns Hopkins de Estados Unidos.

El país euroasiático vive en este momento una fuerte oleada de contagios que lo convierten, además, en el cuarto país del mundo con mayor número de casos acumulados en las últimas cuatro semanas: casi 663.000.

Durante 13 de las últimas 17 jornadas, el país ha registrado nuevos récords de muertes diarias causadas por el coronavirus, siendo el número más reciente el de este viernes: 999 fallecimientos.

También estableció un nuevo registro máximo de contagios confirmados: 32.196.

La dura oleada de contagios está ejerciendo gran presión sobre los servicios sanitarios disponibles.

Denis Protsenko, jefe médico del principal hospital moscovita dedicado a pacientes de covid-19, advirtió que las camas de los hospitales se están llenando con pacientes en estado crítico, según informó el diario Moscow Times.

¿Cómo es esto posible? La causa reside en el bajo número de personas vacunadas que hay en el país: solamente 31% de los habitantes de Rusia se encuentran completamente vacunados y apenas un 3% adicional se encuentra parcialmente vacunado, de acuerdo con cifras de Our World in Data de la Universidad de Oxford.

Resistencia a la vacuna

Durante el último año, la vacuna Sputnik V sirvió para apuntalar la imagen internacional de Rusia y fue acogida en muchas partes del mundo, incluida América Latina, donde su uso ha sido aprobado en Argentina, Bolivia, Paraguay, Venezuela, Nicaragua, México, Honduras, Guatemala, Panamá, Ecuador, Brasil y Chile, según informó la agencia de noticias rusa TASS.

Vacunación en Argentina.

FUENTE DE LA IMAGEN – GETTY IMAGES

Argentina es uno de los países de América Latina donde se realizan vacunaciones con Sputnik V.

En algunos de esos países luego se presentaron problemas por falta de abastecimiento y hubo quejas de parte de personas que, tras recibir la primera dosis, tuvieron que esperar mucho más tiempo del previsto para recibir la segunda inyección.

En Rusia, sin embargo, el bajo número de vacunados no tiene que ver con la falta de vacunas, sino con la resistencia de la población a ponérsela.

En una encuesta del Centro Levada, un instituto especializado en estudios de opinión pública en Rusia, realizada el pasado 20 de agosto, el 54% de los consultados dijo que no se pondría la vacuna si esta no es obligatoria, mientras que 38% dijo que sí lo haría.

Las autoridades tienen claro el problema al que se enfrentan.

“Ciertamente, las cifras [la tasa actual de mortalidad por covid-19] son terribles. Es alarmante. La principal razón son los bajos niveles de vacunación”, dijo el pasado 5 de octubre el portavoz del Kremlin, Dmitry Peskov.

El funcionario reconoció que el virus se estaba volviendo más agresivo y que el nivel de vacunación no es suficiente”.

Dmitry Peskov

FUENTE DE LA IMAGEN – GETTY IMAGES

Dmitry Peskov, portavoz del Kremlin, ha reconocido que el auge del coronavirus en Rusia se debe a los bajos niveles de vacunación.

Pese a todo, el Kremlin ha descartado de momento imponer sanciones contra aquellos ciudadanos que no se quieran vacunar.

Según dijo Peskov el pasado 11 de octubre, este tipo de medidas van en contra de la “naturaleza social” del Estado ruso, por lo que no resulta realista plantearlas.

Indicó que lo que corresponde en esta situación es apelar a la conciencia de los ciudadanos para que entiendan que “no hay otra forma de proteger sus vidas que vacunándose”.

Desconfianza generalizada

Pero ¿por qué hay tantos rusos que no se quieren vacunar?

“Muchos no se han vacunado no porque sean convencidos antivacunas, sino porque han decidido esperar”, dijo la antropóloga Alexandra Arkhipova, investigadora principal del Instituto de Ciencias Sociales de la Academia Presidencial Rusa de Economía Nacional y Administración Pública.

En una entrevista con el servicio ruso de la BBC, Arkhipova explicó que la decisión de estas personas se basa en su desconfianza hacia la medicina y hacia la élite política, pero también sobre la base de los consejos de sus médicos de confianza.

“En la época soviética, a los padres no se les permitía evadir las vacunaciones. Por ello, la negativa a vacunarse era una forma de disenso y, debido a ello, en algunas familias de la intelectualidad esto era aceptado e incluso estimulado”, señaló.

Vacunación de una campesina en la Unión Soviética.

FUENTE DE LA IMAGEN – GETTY IMAGES

En la Unión Soviética, la vacunación era obligatoria.

Al mismo tiempo, el elevado nivel de desconfianza que existe en el país hacia la medicina y hacia la política se refleja también en el rechazo a la vacuna.

“Mucha gente dice que no está lista para vacunarse porque no confían en la forma como se diseñó la Sputnik V. Ellos están extremadamente molestos por la falta de información acerca de cómo se hizo, cuáles fueron sus efectos secundarios, cuánta gente enfermó, cuán severa o suave fue la enfermedad, cuántos de los vacunados fueron hospitalizados, etc”, agregó Arkhipova.

Explicó que aunque los rusos no confían en la medicina, sí lo hacen en los médicos que conocen, pero esto -paradójicamente- no ha ayudado a impulsar las vacunaciones.

“Muchas personas han sido disuadidas de vacunarse por los llamados ‘médicos de familia'”, apuntó.

Explicó que en Rusia no están muy desarrollados los protocolos de vacunación para las personas que tienen distintas enfermedades, algo que dificulta el trabajo de los médicos.

“Simplemente es muy intimidante para un médico asumir la responsabilidad de recomendar las vacunas. Con frecuencia ellos no saben exactamente cómo la vacuna va a afectar la enfermedad de su paciente. Es mucho más fácil decir: no te vacunes”, dijo Arkhipova.

En relación con la forma como la desconfianza hacia las autoridades afecta las vacunaciones en Rusia, la experta señaló que en las entrevistas que hacen en sus estudios las personas mencionan que los funcionarios y los médicos de alto rango les pueden mentir a los ciudadanos sin tener que enfrentar ninguna consecuencia.

“Mentir no es algo que sea castigado en Rusia. Por la misma razón, algunas personas confían más en las vacunas importadas porque creen que si los fabricantes de Pfizer mienten, van a ser castigados por ello”, apuntó.

Un elemento adicional que incidirá en este rechazo a las vacunas es la ignorancia de las personas acerca de cómo funciona su propio cuerpo.

Gráfico que muestra cómo funciona la Sputnik V

“Muchas personas no entienden lo que es un virus, cómo opera y entra en el cuerpo, o qué son los anticuerpos. Por ello, una persona así tiene una reducida capacidad crítica en relación con cualquier rumor”, dijo.

Y en Rusia, como en muchas otras partes del mundo, los bulos y desinformaciones contra las vacunas han sido abundantes.

Según dijo Arkhipova a la BBC, hasta julio de este año habían acumulado una base de datos con unos 314 rumores distintos sobre el coronavirus, de los cuales 83 están relacionados con las vacunas y habían sido compartidos 2,6 millones de veces en redes sociales.

Este es otro factor que dificulta la tarea de persuadir a los rusos sobre la conveniencia de ponerse la vacuna contra el covid-19.

Imagen de portada: Gentileza de GETTY IMAGES

FUENTE RESPONSABLE: Redacción BBC News Mundo

Sociedad/Cultura/Pandemia Coronavirus/Vacunas

Política/Rusia/Salud/Vladimir Putín

Evatima Tardo: el enigma de la mujer que resistía crucifixiones y mordeduras de serpientes venenosas sin inmutarse.

“¡La sensación de la era!”, “¡La mujer que se ríe de la muerte!”, “¡No la puedes matar!”, decían los anuncios promoviendo su show a finales del siglo XIX.

Pero más allá del espectáculo, Evatima Tardó, fue un enigma para la ciencia.

Quien era “sin duda la mujer más extraordinaria y extraña del mundo”, según el New York Times en 1897, era “conocida por la fraternidad médica por años y ha sido un misterio para los miles de doctores en el Continente y en Estados Unidos que la han visto”.

Lo que habían visto, tanto los científicos como el público en general, era no sólo impresionante sino también inexplicable.

Una y otra vez, en escenarios o en salas de instituciones médicas, los presentes eran testigos de su capacidad de soportar potentes venenos y graves lesiones, mientras permanecía serena.

No sólo eso.

“En una hora o dos, las heridas se curan”.

“Además controla la circulación de su sangre”, continuaba informando el New York Times. “Le pueden hacer un corte en donde no hay manera que un cirujano detenga el flujo de la sangre. La señorita Tardo, sin embargo, puede detenerlo en un segundo y luego permitir que la sangre vuelva a fluir”.

En el escenario

Aunque es aconsejable leer los diarios del siglo XIX con sano escepticismo, “me parece poco probable que todos los periodistas estuvieran mintiendo sobre lo mismo, que todos los doctores estuvieran errados y que hasta Houdini hubiera sido timado”, le dijo a BBC Mundo la escritora Bess Lovejoy, quien ha investigado la historia de Evatima Tardo.

Una historia que inspiró, además de pasajes en libros que trataban de explicar lo inexplicable, innumerables artículos en varios diarios que reportaban sobre lo que pasaba en sus shows y sobre los experimentos que se hacían lejos de la mirada del público general, con declaraciones de los doctores que la examinaban en ambos entornos.

Dime Museum

FUENTE DE LA IMAGEN  – GETTY IMAGES

Evatima Tardo, como Harry Houdini, se presentaba en museos de diez centavos, que era la tarifa de la entrada. Eran lugares de entretenimiento para la clase obrera populares en el siglo XIX y principios del XX en EE.UU.

En su artículo “El extraordinario cuerpo de Evatima Tardo” escrito para Wellcome Collection, Lovejoy nos transporta a un día de 1898 en Chicago en el que Evatima Tardo, una “joven pálida de cabello oscuro”, llegó al teatro “vestida con un abrigo largo negro y un vestido de seda negro escotado”.

En el escenario “metió las manos en una caja y el silbido de las serpientes de cascabel se elevó por el pasillo. Una hundió los dientes en su brazo desnudo; un médico gritó: ‘¡Dios mío!’ pero Evatima no se inmutó, sacó tres más y sonrió beatíficamente mientras hundían sus colmillos en su carne”.

Ser mordida por una serpiente cascabel, le dijo Evatima Tardo al diario Inter Ocean de Chicago, “es tan excitante como tomarse un whisky” y el whisky, aclaró, no la emborrachaba. Podía tomarse un cuarto de galón sin sentir sus efectos.

Tras recibir sonrientes los feroces ataques de cascabeles y cobras, la inusual mujer guardaba los reptiles en sus cajas y avanzaba hacia una cruz “incompleta, pues tiene solo un brazo”, reportó el Topeka State Journal el 19 de febrero de 1898.

“La señorita Tardo dice que podría soportar que le clavaran ambas manos y pies; no lo hace, sin embargo, por temor a ofender a aquellos con fuertes creencias religiosas”.

Anuncios de su espectáculo e ilustración del Chicago Tribune de 1898 (der).

Anuncios de su espectáculo e ilustración del Chicago Tribune de 1898 (der).

Cuenta que Tardo había sido “clavada a esa cruz, por tercera vez en dos días” frente a “más de mil personas”, entre ellas varios médicos que fueron invitados a la plataforma, “examinaron los clavos, el martillo, la cruz y la mujer (…) y se mantuvieron cerca mientras los clavos extragrandes atravesaron su pie izquierdo y mano derecha, fijándose a la madera”.

“Luego se frotaron los ojos para confirmar que lo que veían era cierto, se pellizcaron para probar que estaban despiertos y finalmente declararon que se trataba de un capricho de la naturaleza, como ninguno registrado jamás en la historia médica”.

Relata que le siguieron clavando objetos punzantes en su cuerpo mientras ella sonreía y charlaba con quienes se acercaban a observar, y que permaneció en su media cruz desde las 8 hasta las 11 de la noche, sin mostrar signos de fatiga.

A ella lo que desconcertaba a los doctores y estremecía al público, la entretenía: “Yo más bien disfruto al ser crucificada. Me divierte ver los rostros horrorizados de mis espectadores. Hay más de diez desmayos en cada sesión, pero siempre vuelven a verme”.

En el laboratorio

Aunque el escenario era distinto, lo que sucedía cuando le hacían pruebas científicas era igual de sorprendente.

Evatima Tardo, interpretada por la artista de danza Dorna Ashory, Foto: Camilla Greenwell.

FUENTE DE LA IMAGEN – WELLCOME COLLECTION

Evatima Tardo, interpretada por la artista de danza Dorna Ashory. Foto: Camilla Greenwell.

“Cultivos tan mortales como los de gérmenes de cólera, difteria, tisis (tuberculosis) y fiebre tifoidea han sido inyectados en su sangre pero ella no le teme al contagio pues nunca le han dado problemas”, reportó el New York Times.

El Inter Ocean informó el 30 de enero de 1898, que “científicos médicos de Chicago” habían estado estudiando a Tardo.

“Un día, la semana pasada, la señora Tardo se sometió a un experimento en el Colegio Médico Rush, donde el doctor J. M. Dobson le hizo el test”.

Lo que hacían era inyectarle veneno de serpiente cascabel y, en esa ocasión, Dobson “raspó el veneno de la herida y se lo inyectó a una rata, matando al roedor en menos de 10 minutos”.

Cuentan que en el Colegio Médico de Mujeres habían hecho un experimento similar con un gato, y los resultados fueron los mismos: muerto el animal, viva Evatima Tardo.

Otros doctores se disponían a hacer más experimentos, mientras que la mujer que tanto les intrigaba le ofreció a los periodistas una respuesta al interrogante que ocupaba a los científicos.

Una cobra

Contaba era que cuando tenía 5 años de edad, en su nativa isla caribeña de Trinidad, la mordió una cobra -nombre que se le da a muchas de las víboras más peligrosas que existen-, pero que “la mordedura tuvo el efecto de una poción fuerte para dormir”.

Tras pasar varias horas inconsciente se recuperó y más tarde descubrió que era inmune al veneno de todo tipo de reptiles.

Bothrops atrox

FUENTE DE LA IMAGEN – GETTY IMAGES

Hay fuentes que señalan que la mordió una Bothrops atrox, cuyo nombre en Trinidad es mapepire balsain, tiene un veneno particularmente letal y de acción rápida.

“Ella explica que la víbora debió haber tenido solamente suficiente veneno para inocular su sistema, teniendo el mismo efecto que la inoculación moderna contra enfermedades infecciosas”, reportaba el Inter Ocean, una explicación con la que concordaban algunos de los médicos que intentaron resolver su caso.

De hecho, se sabe de casos similares, aunque no con una sola mordida: el legendario director del Serpentario de Miami, Bill Haast, quien murió en 2011 a los 100 años tras haber sido mordido más de 170 veces por serpientes, convirtió su propia sangre en un antídoto inyectándose pequeñas cantidades de veneno todos los días durante décadas, y las transfusiones de su sangre salvaron al menos a 20 personas.

La experiencia con la cobra le sirvió a otro doctor, William J. Byrnes, quien la examinó en Minneapolis, a explicar incluso su incapacidad de sentir dolor.

“Atribuyó su condición anómala actual a la mordedura de cobra que recibió cuando era niña. Esa mordedura paralizó los nervios sensoriales e inoculó su sistema con el veneno”, escribió en un comunicado de prensa.

Algunos pensaban que quizás su sistema nervioso funcionaba de una manera diferente a lo normal. Otros, como el The Pacific Coast Journal of Homeopathy, sospechaban de mañas más turbias.

“Pasa unos veinte minutos preparándose en silencio antes de realizar sus hazañas, y esto lleva a sospechar que la posibilidad de que la cocainización sea la causa de su falta de sensibilidad o tal vez que el suyo sea un caso de auto hipnotización”.

No fueron los únicos en pensar que se valía de una combinación de anestésico y fuerza de voluntad, “antes de concluir que no había un anestésico en la Tierra lo suficientemente fuerte”, señala Lovejoy.

Hoy hay otra explicación posible a su falta de sensibilidad que no estaba al alcance de los médicos de la época: se han identificado genes asociados con una insensibilidad congénita al dolor.

¿Trucos?

“A mí me gusta que sea un misterio”, confiesa Lovejoy. “Pero si me obligan a explicar su caso, lo único que podría decir es que quizás era una combinación de insensibilidad congénita al dolor, inoculación desde temprana edad, alguna condición que le permitía curarse muy rápido, más algún elemento de magia escénica… pero ¿cómo controlaba la circulación?”.

Ni idea.

Harry Houdini

FUENTE DE LA IMAGEN – GETTY IMAGES

Harry Houdini (1874-1926), mago y escapista estadounidense nacido en Hungría.

Pero ¿qué hay de la posibilidad de que se valiera de esa “magia escénica”? 

Un experto en ese campo que la observó de cerca para descubrir su secreto fue el mago Harry Houdini, quien actuó en ella Museo Dime de Kohl & Middleton en Chicago “cuando la gran estrella era Evatima y él aún no era famoso”.

El que se convertiría en uno de los ilusionistas más grandes de la historia estaba ya desde entonces interesado en descubrir cómo otros artistas hacían sus trucos y atento a los fraudes. Pero respecto a Tardo declaró que “no había absolutamente nada falso adjunto a su sorprendente actuación”.

“Mi afirmación puede tomarse con toda seriedad por la sencilla razón de que trabajé a menos de 12 pies (unos 3,5 metros) de ella”, escribió en su libro de 1920 “Traficantes de milagros y sus métodos”, en el que destapó los engaños de algunos de los espectáculos de la época.

Ante tal enigma, la gente llegó a preguntarse si sería inmortal, y los médicos respondían sin pudor.

Había, informó el New York Times, “tres maneras que terminarían con la vida de la misteriosa mujer”.

“La penetración de los centros ganglionares, justo sobre el corazón, resultaría en muerte instantánea. Los científicos creen que una lesión directa en el cerebro o la médula espinal también destruiría su vida”.

Al final, lo que la mató fue lo mismo que tristemente sigue cobrándose la vida de muchas mujeres en el mundo: un hombre.

Siempre feliz

Fue lo que por mucho tiempo se llamó “crimen pasional”, restándole responsabilidad al perpetrador, y que hoy se llama “feminicidio”.

Una tarde de mayo de 1905, Evatima estaba tomando unas copas en el Arkansaw Club, un bar donde vivía con el propietario Hal B Williamson, cuando llegó un hombre llamado Thomas McCall.

Estaba enamorado de ella, pero ese día una adivina le había dicho que otro hombre se interponía en su camino.

Enfurecido y borracho, McCall le disparó a Williamson y Tardo y, unas horas después, se suicidó.

A Evatima Tardo, que para entonces tenía 34 años, una bala ​​le atravesó el corazón. Probablemente no le dolió.

“Algunas personas piensan que soy desafortunada. Yo creo que soy bendita. Nunca he tenido un día de enfermedad en mi vida. Nunca sentí un dolor en mi vida; no sé qué es el dolor. Siempre estoy feliz, nunca triste”, dijo alguna vez.

Imagen de la portada: Gentileza de BBC News Mundo

FUENTE RESPONSABLE: BBC News Mundo por Dalia Ventura

Evatima Tardo/Mujer/Un caso inexplicable/ Curiosidades/Sociedad/Cultura/Ciencia.

El Pompidou expone la naturaleza erótica  de la gran Georgia O´Keeffe.

Una muestra sobre la complejidad y la riqueza icónica de su obra.

En París, una muestra superlativa permite recorrer la obra de muchas décadas de Georgia O’Keeffe (1887-1986), gran artista estadounidense de estilo singular, que mantuvo férrea su voluntad de vivir y pintar libremente.  

Georgia O'Keefee en 1929

Georgia O’Keeffe en 1929

“Más allá de los cuadros de flores que la han hecho famosa, la exposición Georgia O’Keeffe vuelve sobre la complejidad y riqueza iconográfica de toda su obra: desde los rascacielos de Nueva York y los graneros de George Lake, hasta los huesos de ganado que la pintora trae de sus largos paseos por paisajes desérticos y traslada a piezas como Ram’s Head, White Hollyhock-Hills, de 1935. 

Si la inspiración vegetal es un motivo recurrente en su trabajo, esta muestra sitúa a O’Keeffe como parte de una larga tradición que tiene sus raíces en la profunda empatía por la naturaleza, heredada del romanticismo histórico, que ella tiñe de erotismo”. Tales son las atractivas palabras con las que el prestigioso Centro Pompidou extiende su invitación formal para recorrer la gran, grandísima exhibición que -hasta el 6 de diciembre- reúne la notable obra de la “madre del modernismo norteamericana”, mujer indómita de obra superlativa e inclasificable que trabajó de sol a sombra hasta su muerte en 1986, a pasitos de cumplir los 100 años.

Ram’s Head, White Hollyhock-Hills, 1935

“Con O’Keeffe, es imposible ceñirse a la noción de evolución: ni avanza hacia la abstracción ni vuelve a la figuración, como algunos declaman. Sus coloridos espirales -sin título- de 1918 aluden a la geometría, como también lo hace Winter Road I, una sinuosa cinta negra que data del ’63, casi medio siglo más tarde. The Chestnut Tree, tronco de un árbol con el origen de sus ramas sobre un fondo crepuscular, de 1924, sintoniza perfectamente con el escenario natural de Waterfall II, pintado unas tres décadas después”, puntualiza el rotativo Le Monde a cuento de la orgánica, enjundiosa exposición, inédita en tierras galas (también españolas, donde se presentó hasta el pasado agosto).

Indómita y venerada

Obviamente ya se habían exhibido algunas piezas suyas en la capital francesa, pero es la primera vez que se monta una retrospectiva de semejante escala: a razón de cien pinturas, dibujos y fotografías organizados en forma cronológica. 

Tan exhaustiva empresa sólo pudo lograrse con el esfuerzo colaborativo del Pompidou con el Museo Thyssen-Bornemisza (en Madrid, donde ya se expuso) y la Fundación Beyeler (en Basilea, donde viajará a principios del año próximo), que pidieron prestadas obras a instituciones de Estados Unidos, donde Georgia es auténticamente venerada, como el MoMA, el Chicago Art Institute, el Museo Georgia O’Keeffe, entre otros. 

Así pudieron recabar, por caso, la rara entrevista filmada que cierra la exposición, donde un periodista le dice a Georgia que el fotógrafo Alfred Stieglitz, su marido, había sido “muy generoso” al dejarla instalarse en Nuevo México cada verano, y ella -serena y confiada- le retruca: “Él no me dejó ir. Yo decidí ir”. Los puntos sobre las íes, sin más.

White and Blue Flower Shapes, 1919

“La vida en su movimiento, en sus ciclos es el principal tópico de la pintura de Georgia O’Keeffe. Una planta que brota o el florecimiento de petunias o amapolas dicen tanto sobre la existencia como el espiral de una concha o los huesos blanqueados de un bovino”, ofrece el acreditado Didier Ottinger, curador de una muestra que exalta el genio de una mujer que hiciera añicos muchos techos de cristal (fue, por ejemplo, la primera en tener una retrospectiva en el MoMA, en el ’46).

Desde hace décadas, viene siendo muy comentada, discutida y, en general, aceptada la lectura sexual de muchas de las obras de esta artista central, especialmente de sus magnificadas y voluptuosas flores, cuya intimidad Georgia desnuda en primer plano (parcialmente inspirada, acorde a especialistas, en la ampliación y el cropping que observa en fotografías de vanguardista de la época). 

 

Aún cuando fueron castamente bautizados, desde el vamos estos subyugantes lienzos son observados en clave “genitalia femenina”. White & Blue Flower Shapes o Inside Red Canna, por citar unos pocos. También, por supuesto, Jimson Weed/White Flower, de 1932, que fue subastado hace 7 años por 44,4 millones de dólares, precio récord que lo convirtió en la pintura más cara de la historia hecha por una mujer.

O’Keeffe negaba con vehemencia la interpretación solapadamente anatómica de sus trabajos, aún cuando Stieglitz -fotógrafo vanguardista y galerista, principal promotor de su obra- avala y fogonea esa lectura. 

De hecho, cuando G.O. expone sus flores por primera vez, año 1924, los críticos están extasiados, shockeados, ¡escandalizados! Ven en las piezas un reflejo “íntimo” de su autora, a quien ya habían visionado en tujes gracias a las cautivadoras fotografías que Stieglitz le había tomado desnuda -de sus pechos, su torso delgado, sus manos expresivas en posiciones varias-, exhibidas en una galería de NY en 1921, valoradas de modo dispar (para algunos, eran obscenas y primitivas; para otros, innovadoras, refinadas).

Georgia O’Keeffe, Hands and Thimble, foto de Stieglitz de 1919

 

Dos a quererse

El vínculo entre ambos merece un capítulo aparte: se remonta a 1916, cuando el también merchante -de entonces 52 años- recibe una serie de dibujos en carboncillo de una ignota profesora de arte de Carolina del Sur y de Texas.

Una muchacha de 28 años que había nacido en una granja de Wisconsin en 1887, cuya vocación fue temprana (se dice que a los 11, ya tenía clarísimo que iba a dedicarse a la pintura), que había estudiado en el Art Institute of Chicago y en la Art Students League de Nueva York. 

La obra de Georgia le quita el aliento a Alfred; a punto tal que, sin siquiera avisarle, la exhibe en su galería de Manhattan, 291. Cuando se entera, O’Keeffe está que trina; le hace una visita relámpago solicitando que retire su trabajo de las paredes. Él la sosiega, ambos acuerdan. Y empiezan un chispeante intercambio epistolar, puntapié de un romance en ciernes. 

Alfred, que estaba casado con una rica heredera cervecera, eventualmente se divorcia y contrae nupcias con la pintora, con quien seguirá enlazado las siguientes 3 décadas en una relación con algunas luces y muchas sombras, que incluirá crisis de nervios (de ella), reiterados affaires (de él).

Alfred y Georgia

Al principio, el matrimonio divide su tiempo entre la ciudad de Nueva York y un pueblito del mismo estado, con las montañas de Adirondack como background. 

Pero cuando O’Keeffe visita a amigos en Nuevo México, queda encandilada por la luz y los parajes desérticos, siente que ha encontrado “su lugar”. 

Renta primero, compra más tarde, unas hectáreas de Ghost Ranch, donde pasa todos sus veranos lejos de Alfred, pintando en soledad. 

Sin dejar de cartearse con su esposo, eso sí: en total las misivas de la pareja superan las 25 mil páginas. Ferozmente independiente (mantuvo su apellido de soltera), Georgia descubre un pueblo cercano, Abiquiú, donde empieza a construir la casa-estudio donde se recluirá definitivamente al tiempo de morir su marido en 1946.

Carta de Georgia a Alfred, 1933

Retomando el motivo floral, no es que a O’Keeffe ni le fuera ni le viniera la presunta “indecencia” de sus piezas; de igual modo que le importaban tres rabanitos las modas pictóricas en boga. 

Además se mostraba displicente ante la idea de ceñirse a etiquetas, alternando entre arte abstracto y figurativo con estilo propio y elocuencia. Es solo que ella siempre sostuvo que su única pretensión era mostrar dignamente una flor, “a la que nadie se toma el tiempo suficiente de apreciar, porque ver lleva tiempo, igual que lleva tiempo cultivar una amistad”. 

Fuera o no su intención, la ligazón entre botánica y erótica resulta ineludible, en especial “cuando el goce cromático está en su apogeo -en palabras de Le Monde- amén de rosas, púrpuras, rojos carmesí que evocan piel y sangre, cuando las sinuosidades de tallos y pétalos remiten a venas y pliegues de la carne”. 

La insinuación entrelíneas era un gesto subversivo, radical que revertía lo que, durante añares, había sido socialmente aceptable (los hombres pintaban mujeres, y las mujeres flores, y no precisamente por elección como expuso la impresionista gala Marie Bracquemond que, en el siglo XIX, protestaba por la limitada formación pictórica para ellas, vetada su aproximación al desnudo).

Black Hills with Cedar, 1941

Otras obras, como aquellas donde O’Keeffe aborda las inusuales, ondulantes, fantasmagóricas formaciones de Bisti Badlands, en su querido Nuevo México, también suelen verse a través del prisma antropomórfico, como alusiones más bien vagas o bastante explícitas, según la ocasión. 

Hay dunas que sugieren pechos, colinas o pendientes que pasan por vientres; lirismo del cuerpo -dirán voces en tema- que es exaltado por su magistral manejo de los colores, de la paleta…

Georgia O’Keeffe rara vez concedía entrevistas, lo que le confirió cierta aura de elegante apatía y atrayente severidad. 

Acaso esa inaccesibilidad haya sido la razón por la que se haya analizado con lupa cada rasgo que se le conoce; por caso, cómo se llevaba con los fogones. Alguna vez alguien apuntó que cocinaba como pintaba: vigorosamente, fascinada por la generosidad de la tierra. Anotaba sus recetas en cursiva, en fichas que guardaba con diligencia en una latita, optando por alimentos simples, frescos, naturales. 

Para preparar brócoli, por ejemplo, tan solo recomendaba prepararlo al vapor y agregarle una pizca de sal. El interés en su figura cabal, coherente de la cabeza a los pies, también ha hecho que se mirara con aumento su predilección por vestir casi exclusivamente en blanco y negro, algo que, según ella aseguraba, respondía a cuestiones de practicidad.

De look sobrio y andrógino, favorecía las túnicas holgadas y las chatitas en época de corsés y tacones; sus blusas rara vez tenían florituras -a lo sumo un volante o un lazo-, y solía decantarse por botones de nácar. 

En su rancho, gustaba ir de confortable camisa y jean, “el único atuendo que puede tenerse por típicamente norteamericano”, le escribiría a un amigo. 

Detestaba las telas sintéticas, prefiriendo la lana, la seda, el algodón, en prendas que -dándosele estupendamente bien la costura- ella misma confeccionaba o intervenía, logrando conservar algunas en prístinas condiciones por muchas, muchas décadas… 

Imagen de portada: Gentileza de Página 12

FUENTE RESPONSABLE: Página 12 – Por Guadalupe Treibel

Cultura/Arte pictórico/Georgia O’Keeffe/Homenaje