Los secretos del Museo del Prado.

Lo que la condesa de Chinchón escondía bajo su falda que dejó en su momento de piedra a Rajoy.

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Cuentan los restauradores del Museo del Prado que el día que le explicaron durante una visita al entonces ministro de Cultura, Mariano Rajoy Brey, que debajo de los vuelos de la falda de La Condesa de Chinchón (1800) había dibujados dos rostros masculinos enarcó la ceja y pidió que se lo explicaran de nuevo. 

No terminaba de creérselo, cuentan los que asistieron a aquella visita. Ciertamente si uno no es conocedor de los hábitos de los pintores, que reciclaban lienzos cada dos por tres, sorprende esta práctica tan extendida, incluso entre los más grandes. Un claro ejemplo, relatado en esta serie de EL PERIÓDICO DE ESPAÑA sobre Los secretos del Prado, es el de Tiziano, que recicló un lienzo donde tenía pintado a Carlos V para retratar a su hijo Felipe II. 

La condesa de Chinchón -o La Chinchona, como es popularmente conocido- es un retrato «más ancho de lo normal», y esto se debe precisamente a que en la pintura primigenia «había un mueble», según explica Gudrun Maurer, conservadora de Pintura Española del siglo XVIII y de Goya. De ahí que el pintor aragonés seleccionara un lienzo más grande de lo habitual, de 216 centímetros de altura por 144 de ancho. 

«La modelo es muy grande, es superior al tamaño natural, y además nos da la sensación de que la postura es un tanto extraña. Los muslos son larguísimos, salen mucho hacia el espectador y los brazos de la silla parecen colocados a distintas alturas. El de la izquierda está más alto que el de la derecha», asegura Miguel Hermoso, doctor en Historia del Arte especializado en pintura barroca española e italiana y profesor de Arte en la Universidad Complutense de Madrid, que añade que Goya siempre tenía «esos problemas con la anatomía y la perspectiva», si bien matiza que «a pesar de ello es un buen cuadro». 

El retrato utiliza un fondo neutro, y «tiene una armonía de colores muy simple», con grises y un pardo negruzco un poco verdoso en el fondo, lo que según Hermoso es marca de la casa: «Esta restricción voluntaria en los colores también es un signo que usan algunos artistas para demostrar que un cuadro no se hace con mucho colores, sino con talento». 

El ’Photoshop de Goya’: el personaje borrado que sigue presente en el cuadro como un fantasma

El ‘Photoshop de Goya’: el personaje borrado que sigue presente como un fantasma

El estudio técnico del cuadro en el año 2000, después de su adquisición por el Museo por 4.000 millones de pesetas (24 millones de euros), reveló que fue pintado encima de un lienzo ya usado por Goya. En la radiografía se identificó plenamente un retrato en pie de Manuel Godoy, el marido de la condesa, y otro menos visible y subyacente de un caballero joven, que lleva en el pecho la cruz de la orden de San Juan de Malta. 

GIRO DE 180 GRADOS

Ambos fueron cubiertos por esa capa de color beige rosado, utilizada como preparación del retrato final de la condesa, para la que Goya dio la vuelta al lienzo para esconder bajo la falda los otros retratos.  

«En el caso del caballero desconocido seguramente fue un personaje importante», precisa Maurer, que señala que se desconoce por qué no llegaron a buen puerto los dos retratos anteriores. «El de Godoy no estaba terminado como sí lo estaba el del otro caballero», añade.  

Las teorías sobre lo ocurrido son múltiples. Desde que a quienes encargaron el cuadro no les gustara el resultado final y se negaran a pagarlo a que, en el caso de Godoy, no le gustara el resultado, pero una vez abonado pidiera que retratara a su mujer, entre las numerosas posibilidades. Lo cierto es que en la época los lienzos eran caros y los pintores no dudaban en reutilizarlos.

«Goya en esta época es el principal pintor de todo Madrid. Cobra unos precios altísimos. No tiene problemas de material ni de lienzos ni de nada. Quizá hizo el retrato y a Godoy no le gusto y pensó que no podía vendérselo a nadie que no fuera él y lo pintó de nuevo», elucubra el profesor universitario.

Lo que sí está documentado es que Goya conocía a la condesa de Chinchón desde que era niña. Hija del infante Don Luis Antonio de Borbón, hermano de Carlos III, la había conocido en Arenas de San Pedro, donde su familia había sido apartada de la Corte, y es cuando la casan con el primer ministro de Carlos IV, precisamente por orden de este, cuando la hace el retrato de cuerpo entero. 

EXCELENTE RETRATISTA

Eran los cuadros más caros que pintaba Goya -los retratos-, del que toda la aristocracia madrileña reclamaba por entonces sus servicios por su fama de excelente retratista, ya que conseguía muy buenos parecidos de los personajes.  

«La pinta sentada, que es una posición de privilegio, no todo el mundo puede sentarse en la España del siglo XVIII», señala Hermoso sobre un cuadro que parece «pintado con rapidez», explica Maurer, ya que «las brochas y las trazas son rápidas pero de lejos no lo parecen y sugieren movimiento». 

La sala del Museo del Prado donde está ‘La condesa de Chinchón’, de Francisco de Goya./EPE

Al acercarse uno al cuadro percibe que las pinceladas están «dadas al azar», destaca el doctor en Historia del Arte, «casi como que el pincel fuera en zigzag un poco como a Goya le hubiera parecido, pero si te alejas está todo en su sitio y da la sensación de esa muselina muy suave que está cubriendo a la mujer». 

«La condesa tiene una postura elegante, clásica. El cuerpo mira a un lado y la cabeza para otro, como María Luisa en La familia de Carlos IV; crea equilibrio en la figura, que está pensativa», prosigue la restauradora en el análisis de un lienzo que tiene muchos detalles, muchos significados. 

«Las manos están perfectamente sobre su vientre. En aquel momento está encinta; pocos meses después nace su hija Carlota, que fue apadrinada por los reyes. De ahí que su tocado lleve espigas [emblema de fecundidad, como símbolo de la diosa Ceres]. Tiene una expresión de felicidad, porque lo era. Es algo que se desprende de sus cartas a la reina […] Está sentada casi como una virgen esperando», añade Gudrun. 

«Por estar embarazada la parte del vientre es la que está más iluminada, se puede decir que es un rayo de luz blanca que está brillando en el centro», prosigue Hermoso, que también destaca como Goya quiere resaltar «la modestia» del personaje porque «no mira directamente al espectador». «Es casi una representación alegórica de la discreción, de una buena mujer y una matrona casi romana».

El vestido aun así es «última moda, ya que es corte imperio», la moda que arranca con la Revolución francesa y que se olvida de los corsés y las faldas de mucho vuelo que se usaban en España hasta 1780. «El retrato gustó bastante en la época, es muy bonito. Se nota que la modelo le caía bien. La familia de su padre, de hecho, le había ayudado muchísimo en los inicios de su carrera en Madrid», concluye Hermoso sobre el cuadro cuya intrahistoria dejó de piedra a Rajoy. 

Imagen de portada: Vista de ’La condesa de Chinchón’, de Francisco de Goya (1800), y de la radiografía que desveló las pinturas anteriores sobre el lienzo. MUSEO DEL PRADO.

FUENTE RESPONSABLE: DINAMO. España. Por Roberto Bécares y Nacho García. 14 de agosto 2022.

Sociedad y Cultura/Museo del Prado/Pinturas notables/Curiosidades.

 

Los enigmáticos guardianes de la tumba de Tutankamón.

Cuando Howard Carter penetró en la antecámara de la tumba del faraón en el Valle de los Reyes quedó anonadado por la enorme cantidad de objetos que observó en la antecámara. Aunque lo que llamó poderosamente su atención fueron las dos figuras que representaban al faraón y que a modo de centinelas flanqueaban la entrada sellada de la cámara funeraria del rey.

Entre la ingente cantidad de objetos de todo tipo que abarrotaban la antecámara de la tumba de Tutankamón en el Valle de los Reyes, un asombrado Carter, el afortunado egiptólogo británico que descubrió la tumba en 1922, no pudo evitar fijarse en dos estatuas de tamaño algo mayor del natural que flanqueaban uno de los muros de la estancia, que parecía una puerta sellada. 

«Dos estatuas reclamaron y obtuvieron nuestra atención: dos figuras negras de tamaño natural de un rey, una frente a la otra como centinelas, con faldellín y sandalias de oro, armados con un mazo y un báculo y llevando sobre la frente la cobra sagrada como protección […]. Eran figuras extrañas e impresionantes, incluso como las vimos nosotros, medio escondidas por los objetos que las rodeaban», las describió Carter.

Estas figuras, que tanto intrigaron a los arqueólogos cuando las vieron por vez primera, representaban al propietario de la tumba, el faraón Tutankamón, y su función parecía, sin lugar a dudas, la de centinelas de la cámara funeraria del monarca, que se ocultaba tras aquel muro sellado. Las estatuas estaban hechas de madera cubierta con escayola pintada en negro y con elementos dorados. Ambas son muy parecidas ya que se representan de pie, con la pierna izquierda avanzada en la típica postura masculina de caminar y sujetando un báculo de papiro con la mano izquierda y una maza con la derecha. Pero, aunque a primera vista son muy parecidas, en realidad presentan diferencias sustanciales entre ellas.

Las estatuas guardianas tal como se hallaron dispuestas en la entrada de la cámara funeraria de Tutankamón.Foto: Cordon Press

SIMILITUDES Y DIFERENCIAS

Antes de analizar las diferencias entre ambas estatuas tal vez deberíamos hacer hincapié en algunas de sus semejanzas. 

De hecho, las dos muestran al faraón luciendo un collar ancho sobre el pecho rematado con una cadena ancha decorada con un escarabajo alado. Portan asimismo muñequeras y brazaletes, van vestidas con un elaborado faldellín hasta las rodillas con el frontal almidonado en forma trapezoidal y van calzadas con unas sencillas sandalias. Los ojos están hechos de obsidiana y piedra caliza cristalina, y ciñen en su frente el ureo o cobra protectora de la realeza. El negro de la piel posiblemente representa, según los estudiosos, el limo que deja el Nilo tras la inundación, una referencia a la fertilidad y el renacimiento.

Las dos estatuas de Tutankamón van vestidas con un elaborado faldellín hasta las rodillas con el frontal almidonado en forma trapezoidal y van calzadas con unas sencillas sandalias.

Y ¿en qué se diferencian entonces? Pues la diferencia principal entre las dos estatuas del faraón radica en sus respectivos tocados. Una de ellas lleva el típico pañuelo nemes, un tejido de franjas que caía sobre los hombros y se ataba con una trenza en la espalda. A lo largo de la historia egipcia muchas estatuas de faraones se han representado con este tocado ceremonial, asociado al dios solar Re en su acepción de Khepri, el escarabajo que representa el Sol del amanecer. También se cree que identifica al rey con el dios halcón Horus, hijo de Osiris, el señor del inframundo.

Estatua tocada con el nemes a punto de ser embalada rumbo a Londres para ser exhibida.Foto: Cordon Press

La otra estatua, por su parte, va tocada con el afnet o khat, una peluca en forma de «bolsa», una corona que tiene un significado típicamente funerario (solo se ha documentado en este tipo de contextos) y que al parecer está relacionada con la noche y el viaje del difunto al más allá. 

Los expertos consideran que la presencia de estos tocados en ambas estatuas podría representar el viaje nocturno del dios del Sol Re (simbolizado por el tocado khat), que renace de nuevo cada amanecer (lo que está simbolizado por el tocado nemes).

Estatua khat de Tutankamón en su vitrina del Museo Egipcio de El Cairo. Foto: Marie Thérèse Hébert & Jean Robert Thibault / CC-BY-SA-2.0

EL FARAÓN Y LOS DIOSES

Asimismo, las dos estatuas presentan unos textos inscritos en ellas. La estatua tocada con el khat lleva una inscripción en el faldellín que la identifica como «el ka de Horakhty, el Osiris, rey, señor de las Dos Tierras, Nebhkheperure, de voz verdadera». 

Al rey difunto se le identificaba siempre con el dios Osiris, y el epíteto «de voz verdadera» o «justificado» hacía referencia a los muertos. Así, esta estatua sería una representación del ka (uno de los cinco componentes del espíritu humano, posiblemente el más importante) del faraón fallecido.

Howard Carter y su equipo embalan una de las estatuas de Tutankamón para su traslado. Foto: Cordon Press

Por su parte, la inscripción de la estatua tocada con el nemes real la identifica como «el buen dios Nebkheperure, hijo de Re, Tutankamón, gobernador del Iunu meridional, dotado de vida eterna, como Re, durante todos los días». Todas estas referencias, incluida la de «Iunu meridional», nombre con el que se conocía la ciudad de Heliópolis, sede del gran templo dedicado al dios Re, tienen una connotación solar.

«POR TODAS PARTES EL BRILLO DEL ORO»

En cuanto al baño dorado (el color del Sol y de la carne de los dioses) que presentan ambas estatuas en los faldellines, las sandalias, los tocados, los pectorales, los brazaletes, las mazas, los báculos y el perfil de ojos y cejas, los expertos creen que acentúa la conexión de Tutankamón con el dios solar Re mientras vigila con celo la entrada de la cámara funeraria, el lugar más importante y sagrado de la tumba.

Aunque no son estas las únicas estatuas de este tipo localizadas en tumbas reales son, con mucho, las mejor conservadas y las más completas.

Arthur Mace y Alfred Lucas, colaboradores de Howard Carter, examinan una de las estatuas de la tumba de Tutankamón. Foto: Cordon Press

Aunque no son estas las únicas estatuas con dichas características localizadas en tumbas reales sí que son, con mucho, las mejor conservadas y las más completas. También son las únicas de su tipo que presentan un baño de oro tan intenso. 

De hecho, esto sucede con mucha frecuencia en otras estatuas rituales de Tutankamón y en gran cantidad de objetos hallados en la tumba. Este uso extensivo del oro resultó deslumbrador para los descubridores de la tumba del faraón, como describe el propio Carter en su libro sobre el sensacional hallazgo: «Al principio no pude ver nada ya que el aire caliente que salía de la cámara hacía titilar la llama de la vela, pero luego, cuando mis ojos se acostumbraron a la luz, los detalles del interior de la habitación emergieron lentamente de las tinieblas: animales extraños, estatuas y oro, por todas partes el brillo del oro…».

Imagen de portada: Estatua de Tutankamón tocada con el pañuelo nemes ceremonial. La pieza formó parte de una exposición sobre el tesoro del faraón llevada a cabo en Londres en 2019.Foto: Cordon Press

FUENTE RESPONSABLE; National Geographic en Español. Por Carme Mayans, Redactora. 4 de septiembre 2022.

Antiguo Egipto/Tumbas/Tutankamón/Curiosidades

 

 

 

 

 

 

Una niña de 8 años contactó a la Estación Espacial Internacional y habló con un astronauta: así fue la emotiva charla.

Isabella Payne, desde su hogar en Inglaterra, conversó con el comandante Kjell Lindgren, en la Estación Espacial Internacional. ¿De qué hablaron?

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Una charla fuera de este mundo protagonizó la pequeña Isabella Payne, de 8 años. ¿Su interlocutor? El comandante Kjell Lindgren, astronauta de la NASA, desde la Estación Espacial Internacional. ¿Cómo lo logró?

Así fue la gran aventura de Isabella Payne.

La pequeña es hija de Matt Payne, un radioaficionado inglés. Utilizando el equipo de Matt, M0LMK, lograron contactar al laboratorio espacial, ubicado a más de 400 kilómetros de la Tierra.

Durante un par de minutos, Isabella habló con el comandante Lindgren, que está al frente de la expedición SpaceX Crew-4.

El intercambio fue así:

—Bienvenida a la Estación Espacial Internacional.

—Mi nombre es Isabella, tengo 8 años.

—Isabella, es genial hablar contigo. Gracias por hablar por radio y saludar.

—Gracias. Que tengan un vuelo seguro.

Corto, conciso, pero muy emotivo. Será una experiencia inolvidable para la pequeña Isabella, que sigue cultivando el amor por la radio junto con su padre, Matt.

Los códigos de radio del padre de la pequeña y la Estación Espacial Internacional

Tanto Isabella como el comandante Lindgren utilizaron códigos de radio que son traducidos por la Estación Espacial Internacional.

  • Mike Zero Lima Mike Kilo – MZMLMK, que es el indicativo del padre de Isabella.
  • November Alpha One Sierra Sierra – NA1SS, el indicativo de la Estación Espacial Internacional.
  • Five and Nine, la conexión de audio es alta y clara.
  • Seven threes: Cuídate, saludos.

El agradecimiento por Twitter

Luego del contacto, el padre de la pequeña escribió en su cuenta de Twitter, recordando un evento en el que ya había conocido a un astronauta:

“23 de abril de 2016: Una niña de 2 años se sentó en mis rodillas y vio a los estudiantes de la escuela Wellesley House conversar con el astronauta Tim Peake en un evento que ayudé a organizar. Hoy ella tuvo su oportunidad. Muchas gracias, Kjell, has cambiado su mundo”.

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Conversación

Kjell Lindgren

@astro_kjell

I’ve had a lot of fun using the #ARISS amateur radio station #NA1SS on the @Space_Station to talk with ham radio operators all over the world. I’ve even (unofficially) worked stations on all continents! But this may be my favorite contact so far. Thanks Isabella and @m0lmk!

Traducido del inglés al

Me he divertido mucho usando la estación de radioaficionado #ARISS #NA1SS en el @Space_Station para hablar con radioaficionados de todo el mundo. ¡Incluso he trabajado (extraoficialmente) en estaciones en todos los continentes! Pero este puede ser mi contacto favorito hasta ahora. Gracias Isabella y @m0lmk !

El comandante Lindgren respondió: “Desde la Estación Espacial Internacional he hablado con radioaficionados de todo el mundo. ¡Incluso he trabajado (extraoficialmente) en estaciones en todos los continentes! Pero este pudo haber sido mi contacto favorito hasta ahora. ¡Gracias Isabella y Matt!”.

Imagen de portada: Isabella Payne La niña en la tableta del astronauta Lindgren en la Estación Espacial Internacional.

FUENTE RESPONSABLE: Fayer Wayer. Por Kiko Perozo. 30 de agosto 2022.

Estación Espacial Internacional/Espacio; NASA/Ciencia/Inglaterra/ Curiosidades

 

 

El día que el rey Luis XIV puso de moda las cirugías anales en toda Francia.

«La Gran Operación» del Rey Sol francés mantuvo en vilo al palacio y al reino entero. Tras salir exitosamente de la peligrosa cirugía, caballeros y damas nobles quisieron imitarlo. En palabras de un historiador, hubo «¡una epidemia de fístulas en Versalles!».

En 1686, un doloroso bulto que se había estado desarrollando en el trasero de Luis XIV, rey de Francia, había progresado hasta el punto de que el monarca ya no podía sentarse, andar a caballo, caminar o hacer otras cosas sin sentir un dolor espantoso que intentaba disimular bajo su siempre imponente manto de majestuosidad.

El «Rey Sol» tuvo los primeros síntomas del mal que pondría su vida en serio peligro a principios de aquel año. Según el doctor de la corte, D’Aquin, el monarca se quejó «de un pequeño tumor en el perineo, al lado de la apertura de las nalgas, a dos dedos del ano, bastante profundo, poco sensible al tacto, incoloro, sin rojez, ni pulsaciones».

Luis XIV tenía entonces 44 años. Se vio obligado a hacer reposo absoluto y soportar todo tipo de tratamientos, como cataplasmas de plomo y cicuta, lo que generó una gran preocupación en su círculo más íntimo. Mientras tanto, la enfermedad del rey se mantuvo en el más estricto secreto.

«Yo no sé en dónde estoy», escribió con preocupación su segunda esposa, Madame de Maintenon. «Me dicen que el trastorno del rey anda bien y, sin embargo, nos hacen meter aún la necesidad de un tijeretazo».

Cuando el régimen prescrito de cuatro enemas al día y ungüentos de lociones y pociones raras no lograron mejorar su condición, la corte se vio obligada a buscar tratamiento de un cirujano, Charles-Francois Félix (1635-1703). Sobre todo, porque pocos confiaban en el doctor D’Aquin, a quien se definía como «un hombre mal visto en toda la corte a causa de su suficiencia y avidez de dinero».

Lo realmente preocupante era que ningún cirujano había curado exitosamente una fístula anal en ese momento de la historia, e incluso las cirugías más simples a menudo conducían a la sepsis y la muerte.

Y, aunque médicos y boticarios podían entonces no saber nada acerca de cómo funciona el cuerpo humano, al menos sus tratamientos para el tratamiento de la sangre y las tinturas de mercurio no mataban a los pacientes si se administraban con cuidado.

Cuando el régimen prescrito de cuatro enemas al día y ungüentos de lociones y pociones raras no lograron mejorar su condición, la corte se vio obligada a buscar tratamiento de un cirujano, Charles-Francois Félix (1635-1703). ​

Las cirugías, por otro lado, en el siglo XVII mataban más gente de la que curaban. De hecho, el título oficial del oficio en ese momento era «barbero-cirujano», porque prácticamente la única habilidad requerida era saber cortar cosas.

Entre otras prácticas terroríficas, era un procedimiento estándar para los barberos-cirujanos reutilizar instrumentos sucios de un paciente a otro, lo que podía convertir a veces a estos voluntariosos cirujanos en «asesinos en serie con bisturí».

Como los médicos de Versalles no sabían como curar al rey, aconsejaron una cura en las aguas de Bareges, que tenían fama de curar esta dolencia, y el Ministro Louvois reunió a decenas de enfermos al lugar para probar suerte. Enfermos que volvieron tan enfermos como habían ido.

Cuando una dama de la corte llegó con la noticia de que las aguas de Bourbon curaban las fístulas, Louvois renovó la experiencia con los mismos enfermos y volvió con los mismos resultados. Desesperado, el ministro llenó su ministerio de personas con la misma dolencia que el rey para que los médicos ensayaran, sin éxito, remedios y cirugías.

Pero, afortunadamente, el doctor Félix resultó ser un cirujano mucho más concienzudo que sus contemporáneos. Le dijo al rey que estaría dispuesto a operar, pero debía esperar unos meses más. Necesitaba algo de tiempo para resolver los problemas de este nuevo procedimiento.

Las cirugías, por otro lado, en el siglo XVII mataban más gente de la que curaban. De hecho, el título oficial del oficio en ese momento era «barbero-cirujano», porque prácticamente la única habilidad requerida era saber cortar cosas

«La Gran Operación»

«Félix no se atrevía a aplicar sus métodos habituales y practicaba tímidas incisiones, abriendo los bordes de la llaga con piedras de cauterio, infligiendo al rey intensos sufrimientos, sin vaciar del todo el absceso», dijo el historiador Georges Bordonove, experto en la vidas de los reyes franceses.

Nancy Mittfor, una historiadora británica, relató: «Hasta el momento, los cirujanos habían luchado en vano con dicha enfermedad; y el cardenal de Richelieu había muerto del tratamiento que le habían dado”.

“Félix, cirujano del rey, tomó a varios desgraciados que padecían esta dolencia y los mandó a tomar las aguas en Bareges, que pasaban por sanarlos. Al no curarse nadie, empezó a operar las fístulas en todos los hospitales de París. Perfeccionó un instrumento que se creía que aminoraba el dolor».

Después de seis meses de ensayar cirugías en plebeyos (y agachándose en medio de la noche para enterrar a muchos de ellos), el doctor Félix finalmente se sintió lo suficientemente confiado para tomar el bisturí en la que se llamó «La Gran Operación», por la importancia del paciente.

El doctor Félix, quien logró reparar la fístula e incluso logró no matar al paciente esta vez, se convirtió de inmediato en una celebridad nacional y la gente de la nobleza comenzó a desear pasar por las manos y el bisturí que habían tenido el honor de tocar las parte íntimas del rey.

En la mañana del 18 de noviembre de 1686, Luis XIV acompañado de Madame de Maintenon y el Padre La Chaise, rezó fervientemente en su alcoba en el Palacio de Versalles. Después de encomendarse a las manos de Dios, el rey se puso en manos del doctor y cuatro boticarios que «hicieron que se echara sobre un travesaño puesto en el borde de la cama, bajo el vientre, para levantarle las nalgas abiertas”, según relata Bordonove.

Y continúa: «Félix hizo la pequeña incisión e introdujo el bisturí regio (…) La intervención duró unos cuantos minutos. Luis XIV, martirizado, no emitió ni un solo grito, no se permitió ni un gemido. A lo sumo, en un cierto instante, suspiró ‘¡Ah, ah… Dios mío!’. Sostenía la mano de Louvois con la suya. Madame de Maintenon rezaba con fervor. La frente de Félix estaba perlada de gotas de sudor».

La Gran Operación cayó como una bomba en Versalles: «El dolor se hizo ver en todos los rostros», manifestaba el periódico Le Mercure Galant. Los cortesanos del rey quedaron atónitos porque el rey pudo recibir embajadores al día siguiente y a las pocas semanas ya montaba a caballo de nuevo. Toda Francia estaba asombrada por su notable recuperación.

Los nobles franceses que fueron «bendecidos» de forma natural con la enfermedad comenzaron a suplicarle al doctor Félix, que estaba en pleno derecho, que los operara con su bisturí «De Calidad Real».

«¡Una epidemia de fístulas en Versalles!»

La cirugía fue tan exitosa, de hecho, que se organizaron celebraciones en todo el país. Los pobres y los nobles brindaron a la salud del «Rey Sol». Mientras tanto, en Versalles, los cortesanos del rey estaban tan encantados (muchos, desesperadamente aduladores) que declararon 1686 como «L’année de la Fistule» (Año de la Fístula). Pero eso no era nada.

El doctor Félix, quien logró reparar la fístula e incluso logró no matar al paciente esta vez, se convirtió de inmediato en una celebridad nacional y la gente de la nobleza comenzó a desear pasar por las manos y el bisturí que habían tenido el honor de tocar las parte íntimas del rey.

«He visto más de 30 personas que querían ser operadas», escribió el barbero real Pierre Dionis. «Tan locos estaban que parecían no entender cuando se les aseguraba que no había ninguna necesidad de ser operados (…) Quienes tenían pequeñas supuraciones o simples hemorroides, no demoraban en presentar su trasero al cirujano para que hiciese sus incisiones».

Una vez que Luis XIV se recuperó por completo, todos quisieron una fístula anal reparada quirúrgicamente, ya sea que tuvieran una o no. Literalmente se puso de moda entre la aristocracia tener un ano doloroso y agujereado:

Caption

«¡Una epidemia de fístulas en Versalles! ¡Y sí,era inevitable! ¡Si se advertía que el rey cogeaba un poco, se cogeaba un poco! Si el rey padecía del ano, todos los cortesanos padecían del ano. Y hacerse operar era más glorioso que una herida de arcabuz en tal o cual campo de batalla», escribió el historiador Michele De Decker.

Los nobles franceses que fueron «bendecidos» de forma natural con la enfermedad comenzaron a suplicarle al doctor Félix, que estaba en pleno derecho, que los operara con su bisturí «De Calidad Real». Los menos afortunados tuvieron que arreglárselas usando vendas en sus perfectamente saludables nalgas, fingiendo haber sido víctimas de la misma enfermedad que el rey.

Otra consecuencia de este logro médico, que es infinitamente menos divertido pero de importancia histórica real, fue que también causó un cambio en la forma en que el público veía el campo de la cirugía. Sería el paso inicial hacia la medicina moderna.

Hasta este punto en el tiempo, los barberos-cirujanos eran vistos esencialmente como comerciantes, un segundo distante en prestigio para sus colegas médicos. Sin embargo, después de L’Année de la Fistule, la cirugía comenzó a verse como una profesión que requería conocimiento e inteligencia, y no solo la capacidad de atravesar el tejido humano.

En cuanto al Cirujano Real, el rey quiso mostrarle su agradecimiento con honores y una fortuna que le permitió comprar una finca, el Señorío de Tassy. Al morir, Félix legó gran parte de sus posesiones a la comunidad de cirujanos de París para que se crease una institución para la enseñanza de la Cirugía, que permitiera el mejor conocimiento de técnicas y procedimientos. De esta manera, nació la Real Academia de Cirugía de Francia, inaugurada en 1731, que en un sitio destacado tiene un retrato de Felix de Tassy con la leyenda: «El primer cirujano de Luis XIV».

Imagen de portada:El «rey sol» Luis XIV puso de moda las cirugías anales en Francia | MUSEO DEL PALACIO DE VERSAILLES.

FUENTE RESPONSABLE: Perfil. Por Darío Silva D´andrea. EDITOR DE BREAKING NEWS DE PERFIL.COM. 15 de agosto 2022

Sociedad y Cultura/Francia/Luis XIV/Historia/Medicina/Curiosidades

 

8 Secretos que se esconden en algunas de las icónicas pinturas de Van Gogh.

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Capturar momentos que perduren en la historia y que además sean reconocidos mundialmente, es una meta que Vincent van Gogh logró alcanzar. Nos muestra que nunca es demasiado tarde, pues tenía 27 años cuando decidió dedicarse a pintar, y en 10 años logró crear alrededor de 870 pinturas, además de bocetos, acuarelas y otras obras. A pesar de que en vida no conoció la fama, su talento fue reconocido tiempo después, y ahora es uno de los artistas más influyentes.

En Genial.guru nos encanta el arte así que pasamos un grato momento recopilando algunos detalles que se esconden en las pinturas más famosas de Vincent van Gogh.

1. Los girasoles

© Vincent van Gogh – The Yorck Project / Wikimedia, © CC BY-SA 4.0

En muchas de las obras del artista holandés resaltan los colores brillantes, sobre todo el amarillo, como en “Los girasoles”, “La casa amarilla” y “Terraza de café por la noche”. Se ha indagado que esto puede deberse a que Van Gogh consumía una planta conocida como digital, que entonces era usada como medicina para distintas enfermedades, entre estas, la epilepsia.

Al ingerir en exceso esta planta se podía desarrollar xantopsia, una patología que afectaba la percepción de los colores, por lo que quienes la presentaban veían los objetos con un tono amarillento. Por ello se cree que Vincent veía con un filtro de ese color, que se reflejaba cuando pasaba su perspectiva a la pintura.

Centrándonos en “Los girasoles”, se considera que el pintor, que produjo en total cinco lienzos con este tipo de flores en un jarrón, comunicaban gratitud. Dos de estas obras las colgó en la habitación del también pintor Paul Gauguin, que vivió con él un tiempo en su estudio llamado la Casa Amarilla.

2. La noche estrellada

© sabinoparente / Depositphotos.com, © Vincent van Gogh / Wikimedia, © © CC0

Se trata de una de las pinturas más icónicas de Van Gogh, sin embargo, cuando él la creó pensó que era un fracaso. La fama de la obra ha inspirado investigaciones que nos han dejado datos como que la luna, que podemos ver en fase creciente en la pintura, en realidad en ese momento habría estado a alrededor de tres cuartos de llegar a luna llena.

Otro dato que se ha destacado es que el pintor plasmó a Venus en el cuadro sin saberlo, ya que en 1985 se realizó una comparación con una recreación del planetario de cómo se vería el cielo el 1 de junio de 1889 y se encontraron similitudes entre la recreación y la pintura que revelaron esta información.

3. Almendro en flor

© Vincent van Gogh / Wikimedia, © © CC0

Los almendros florecen en la primavera y son relacionados con la vida nueva. Por ello, Van Gogh regaló a su hermano Theo y a su cuñada Jo esta pintura cuando nació su sobrino, a quien llamaron como él, Vincent Willem.

“Como te dijimos, le pondremos tu nombre y deseo que sea tan decidido y valiente como tú”, escribió Theo en una carta anunciando la llegada de su hijo.

4. Autorretratos

© Vincent van Gogh – Instituto Cultural de Google / Wikimedia, © CC0

El éxito para el pintor llegó luego de su muerte, gracias a su cuñada Johanna Van Gogh-Bonger, quien luego de la muerte de Theo, su esposo, heredó las obras de Vincent y las dio a conocer al mundo evitando que se quedaran en el olvido.

En vida, el pintor no tenía dinero, y era su hermano quien lo apoyaba económicamente para que él pudiera seguir con el arte. Sin embargo, esta falta de recursos incluso para sus creaciones lo llevaron a pintarse a sí mismo, pues no podía permitirse pagar modelos.

5. Los comedores de patatas

© Vincent van Gogh / Wikimedia, © CC0

Fue la primera obra reconocida de Vincent Van Gogh, en esta decidió darle más fuerza al mensaje que a la composición, y buscó mostrar campesinos con rostros toscos y manos trabajadoras para exponer que ellos mismos habían labrado la tierra para conseguir el alimento que ahora consumían en la mesa. Le dio a la obra, además, los colores que tendría realmente una papa con tierra y sin pelar.

6. El dormitorio

© Vincent van Gogh – Google Art Project / Wikimedia, © CC0

Este es el reflejo de la habitación de Van Gogh que tenía en la Casa Amarilla, en Arles, una ciudad al sur de Francia. Se inspiró en las impresiones japonesas, por lo que en la pintura omitió las sombras. La pintura en realidad no era de los colores que actualmente se exponen, sino que el paso del tiempo los decoloró. Esto se puede ver en las paredes y las puertas que originalmente eran moradas y ahora son azules.

7. La casa amarilla

© Vincent van Gogh – Niels / Wikimedia, © CC BY-SA 2.0

Cuando llegó a Arles, el pintor rentó cuatro habitaciones en una casa en la Place Lamartine. Su idea era convertirla en una casa de artistas para que pudieran vivir y crear en ese edificio amarillo. No obstante, este sueño solo le duró algunos meses. Esta pintura, que se quedó en su familia hasta 1962, muestra como colores primarios el azul y amarillo, que se volvieron distintivos en su obra.

En el lugar real ya no se encuentra la casa, pero se colocó una placa conmemorativa que marca lo que fue el estudio y hogar de Van Gogh.

8. Terraza de café por la noche

© Vincent van Gogh – The Yorck Project / Wikimedia, © CC0, © Leonardo da Vinci / Wikimedia, © CC0

Esta obra no fue firmada por Van Gogh, sin embargo el pintor mencionó específicamente la pieza en tres cartas, por lo que historiadores están seguros de que fue él quien la pintó. En cuanto a la pintura, el investigador Jared Baxter publicó un artículo en el que expone que en esta se muestra una visión innovadora de “La última cena” de Leonardo da Vinci. Esto debido a que en la escena podemos ver una figura central con túnica blanca y cabello largo. También, alrededor de esta se vislumbran 12 personas sentadas, mientras que al fondo brilla la figura de una cruz.

Imagen de portada: Vincent van Gogh

FUENTE RESPONSABLE: The Yorck Projet

Sociedad y Cultura/Pinturas Icónicas/Vincent van Gogh/Curiosidades

 

Dos ángeles, un panteón «milagroso», muertos ilustres y masones: una noche en el Cementerio.

Misteriosa Santa Fe

Se trata de un paseo guiado nocturno para conocer el arte funerario en la Necrópolis municipal, los mausoleos que guardan los secretos de las personas que forjaron el destino de la ciudad y otras historias «fantasmales». Crónica de un paseo nocturno por el descanso de los muertos.

Todo ocurría en el portón de entrada al Cementerio Municipal, con el sol del día muriendo y dejando paso a la noche. «¿Por qué están tan atrás? ¿Tienen un poco de miedo, eh?», rompe el hielo Lorena, una de las guías. 

Se habían amontonado unas 150 personas, pibes y pibas, familias con el mate en mano y claro: una linterna obligatoria. Los reflectores disparaban en formas circulares luces verdes y rosadas, dando una tonalidad espectral al convite: iniciaba el Paseo del Cementerio.

¿Qué era todo aquello? Es uno de los recorridos fijos del Programa «Mi Ciudad como Turista». Y la visita a la Necrópolis local es uno de los más concurridos -junto con el Paseo de la Manzana Jesuítica-, quizás por la curiosidad que despierta en la gente conocer historias curiosas, incluso sobrenaturales, y que las hay, sí que las hay.

En el Paseo los guías narran sobre la ornamentación funeraria y sus orígenes, la «senda VIP» -o calle principal- donde están los mausoleos de las grandes personalidades locales; cuentan cómo eran las «disputas» de las familias pudientes de otrora por tener los mausoleos más ostentosos, en una especie de competencia; la masonería de muchos hombres influyentes en la vida política santafesina; el oratorio restaurado y el misterio del Panteón «milagroso»: el del Dr. Rafael Mansilla.

La estatua y el milagro

La noche ya teñía de oscuridad el paseo por los muertos. Por el ala derecha del Cementerio aparece una estatua, que se conoce como «la olvidada». Son dos ángeles -o seres celestiales- en mármol blanco de carrara, con las alas desplegadas, uno de los cuales porta una cruz. Están mirando hacia arriba y representan el camino hacia el cielo y la vida eterna.

La estatua olvidada, con sus dos seres celestiales: una muestra del arte funerario de la Necrópolis local.


«Cuenta la historia que esta estatua fue mandada a hacerse a Italia por un hombre muy adinerado; pero cuando llegó a este señor no le gustó, porque estaba hecha en dos partes. Quiso devolverla, pero por esas idas y vueltas del destino terminó finalmente aquí. Es una de las obras centrales del arte funerario del Cementerio», dice Lorenzo, el otro guía. La gente se atropellaba para ver y tomar fotos con sus celulares.

Luego, en peregrina marcha, los asistentes van hacia uno de los panteones «vedette» de la Necrópolis. Es de noche y en ese sector está todo oscuro; las linternas se encienden. La gente cuchichea, en tono de confidencia: el punto de llegada es el llamado «panteón milagroso».

Al llegar se ven miles de placas colocadas en las paredes del santuario, todas de agradecimiento a la memoria del Dr. Rafael Mansilla. Hay ofrendas (incluso alguien le dejó su título de agente del servicio penitenciario), y comida. A los costados, la cera de velas negras y rojas: hay gente que va a practicar allí el ritual de San La Muerte: incluso hay estatuillas, estampitas, candelabros.

El panteón «milagroso» de Rafael Mansilla, uno de los lugares más visitados.


Rafael Mansilla tiene su propia entrada en Wikipedia. Allí se habla de leyenda y de «misticismo» sobre la figura del médico. 

¿A qué se debe esta devoción popular? «Se dice que una mujer, que tenía un problema de salud (probablemente), vino a este panteón, hizo un lamento, y escuchó un ruido desde adentro del santuario. La mujer se calmó. Esto corrió de boca en boca, y se fue generando como un ritual popular de tintes milagrosos en torno a la figura de Mansilla», cuenta Lorenzo a El Litoral.

Muertos célebres

Por ahí nomás, cerquita, está el enorme mausoleo de Don Ángel Cassanello, un inmigrante genovés que se volvió uno de los hombres más influyentes de Santa Fe. Empresario muy ligado al Puerto local y a la actividad fluvial, fue concejal y hasta intendente interino de la ciudad.

El fastuoso mausoleo de la familia Pinasco, con sus dos hipogrifos protectores, merece ser conocido.


«Y además se dice que fue masón -apunta Lorenzo-. Vean lo enorme que es el mausoleo de la familia Cassanello. Ocurre que antes, las familias pudientes ‘competían’ por tener la morada final más grande y portentosa. Hoy, los hábitos han cambiado, y mucha gente deja establecido que desea ser cremada tras su muerte», muestra el joven los contrastes en las costumbres mortuorias de la época.

La tumba de Nicasio Oroño -destacado jurista, quien fue gobernador de Santa Fe en 1864- es soberbia. Allí aparece el símbolo de la masonería y una dedicatoria. «La Logia Armonía Nº 99 de la ciudad de Santa Fe y el Capítulo Nicasio Oroño Nº 41 rinden homenaje al querido hermano (…) en su paso al Oriente Eterno», sentencia la placa.

Calle principal

Los mausoleos de las familias Leiva, Racine, Candioti, Lupotti-Franchino. Gálvez ocupan la calle principal del Cementerio. También está el del Ing. Marcial Candioti, el gran impulsor del mayor símbolo santafesino: el Puente Colgante. «Todas eran familias muy importantes para la ciudad», dice Lorena, la guía. Y cuenta curioso el caso de un integrante de la familia Leiva.

«Este señor pidió un préstamo para comprar una fastuosa casa. Pero no pagaba las cuotas al banco. Y era un gran jugador de póquer. Entonces, le propone a sus amigos hacer una partida, con la condición de que si él ganaba se quedaría con la casa que quería, pagándole al banco. En esa noche, a medida que se jugaba, esa casa pasó a manos de distintos dueños… Pero termina ganándola este señor Leiva», narra la guía. Era el inmueble que hoy se llama la Casa de los Gobernadores, nada menos.

En una callecita transversal está la tumba de Juan Cingolani, el gran pintor. «Fue como el Messi de las artes plásticas de su época. Un groso total», bromea Lorenzo en palabras coloquiales. Representó a los Papas Pío XI y León XIII, y en su lecho hay una lápida del Vaticano: incluso restauró una parte de la Capilla Sixtina.

Los hipogrifos protectores

El oratorio está bellamente remozado; los reflectores lo tiñen con sus luces y le dan una tonalidad íntimamente religiosa. Pero a la izquierda, hay una joya del arte funerario: es el mausoleo de la familia de Benito Pinasco, que fue intendente de la ciudad (ocupó el cargo entre 1891 y 1893).

Otro de las muestras de la bella ornamentación funeraria que puede conocerse en el Cementerio Municipal.  Fotos: MCSF

Otro de las muestras de la bella ornamentación funeraria que puede conocerse en el Cementerio Municipal. Fotos: MCSF


El santuario se compró íntegramente en Italia, y el detallismo escultórico de los rostros, los bustos, de los pliegues en cada forma sorprenden. En lo alto de ese gran santuario, hay figuras celestiales; y sobre sus columnas dos hipogrifos, que son seres mitológicos protectores de las almas que descansan en el mausoleo.

Más allá están las tumbas del ex intendente Enrique Muttis, cuya mayor virtud fue la honestidad; la de Adriana Camelli, una exitosa nadadora ciertamente olvidada por la memoria popular; y la del «Tiburón del Quillá», Pedro Antonio Candioti: «Su proeza: llegó a nadar en aguas abiertas 100 horas y 44 minutos ininterrumpidas. Son más de cuatro días nadando. Unió San Javier con Santa Fe. Y no era un muchacho de 20; tenía 47 años», resalta Lorenzo.

«Che, yo me pegué un susto que ni te cuento», le dice un joven a otro, a la salida del Paseo. La travesía nocturna había terminado, y la gente se retiraba comentando lo vivido, mientras las linternas se guardaban. El miedo a los muertos es una sugestión; lo interesante es redescubrir el Cementerio como un lugar lleno de historias, leyendas y secretos.

Crecimiento y continuidad

«Mi Ciudad como Turista está llegando ya a las 8 mil personas que visitaron alguno de los paseos ofrecidos. Por la convocatoria de la gente, vamos a darle continuidad. En las vacaciones de invierno la agenda va a ser muy nutrida», le dice a El Litoral Franco Arone, director de Turismo de la Municipalidad. Luego de tantos meses de encierro la gente sale, ahora con una nueva intención: reencontrarse con lugares que les son propios.

«Creo que esta experiencia es como la mitad del vaso medio lleno de la pandemia. Los santafesinos empezamos a pensar en los espacios propios de esta capital, que los transitamos en la cotidianeidad. La gente se anima a ver la ciudad con ojos de turista, y también favorece mucho el turismo de cercanía, a juzgar por la gran cantidad de visitantes de localidades cercanas y de otras provincias», subraya el director.

Imagen de portada:El oratorio, al final de la calle principal. Las luces verdes y rosadas le dan un tono espectral -acaso mágico- al paseo nocturno.

FUENTE RESPONSABLE: El Litoral. Santa Fe. Argentina. Por Luciano Andreychuk

Sociedad y Cultura/Provincia de Santa Fe/Argentina/Paseo nocturno/Curiosidades

El robot de la NASA que explora Marte descubre un objeto misterioso.

¿Es una planta rodadora, un trozo de hilo de pescar o un plato de espaguetis?

El Perseverance, un robot de la NASA que explora Marte, descubrió un objeto que ha intrigado a los observadores del espacio e incluso ha llevado a algunos a reflexionar con ironía sobre la calidad de este plato italiano en el planeta rojo.

Más allá de estas suposiciones, la explicación más plausible es que se trate de restos de un componente utilizado para bajar el explorador robótico a la superficie marciana en febrero de 2021.

«Hemos estado discutiendo de dónde proviene, pero se cree que es un trozo de cuerda del paracaídas o del sistema de aterrizaje que baja el robot al suelo», dijo a la AFP un portavoz de un laboratorio de la NASA.

«Hay que tener en cuenta que no está confirmado que sea una cosa u otra», añadió.

Los escombros se detectaron por primera vez el 12 de julio a través de la cámara de prevención de riesgos de la parte delantera izquierda del astromóvil.

Cuatro días más tarde, cuando el Perseverance volvió al mismo lugar, ya no estaban.

Probablemente el viento arrastró el objeto, como ya pasó con un trozo de manta térmica visto el mes pasado, que podría haber salido del sistema de aterrizaje propulsado por cohetes.

La acumulación de basura del Perseverance se considera un pequeño precio a pagar a cambio de los objetivos científicos del robot de buscar señales biológicas de antiguas formas de vida microbiana.

Estos objetos pueden convertirse algún día en valiosos artefactos para los futuros colonos de Marte.

«Dentro de cien años, más o menos, los marcianos recogerán con entusiasmo todo este material y lo expondrán en museos o lo convertirán en ‘joyas históricas'», tuiteó el astrónomo aficionado Stuart Atkinson.

Imagen de portada: NASA

FUENTE RESPONSABLE: AFP. 21 de julio 2022

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Los Beatles y la Argentina: las 5 curiosidades que no sabías de la banda y su nexo con nuestro país.

Muy pocos conocen las historias que los Beatles esconden en su relación con la Argentina. Desde el romance de uno de los músicos con una figura nacional, la historia de un familiar que estuvo preso en el país y el día que «los Beatles» tocaron, en El Destape repasamos algunos de los datos y curiosidades que seguramente no sabías.

Apenas diez años les bastaron a The Beatles para convertirse en una de las bandas, la que más para muchos, que más trascendencia e influencia marcó en la historia de la música. Desde 1960 hasta 1970, Paul McCartney, John Lennon, George Harrison y Ringo Starr, los miembros más importantes, dejaron una huella imborrable. Pero, ¿qué relación y cuáles son las curiosidades que tiene el grupo musical con la Argentina?

La vida y obra de cada uno de los cuatro icónicos artistas esconden un sinfín de anécdotas, secretos, rumores y detalles que, con el paso del tiempo, siguen saliendo a la luz en todas partes. 

El vínculo de la banda británica con países de Latinoamérica es bastante escasa, teniendo en cuenta que en aquella época solían brindar conciertos en Europa, Asia y Estados Unidos. De todas formas, en Argentina hay algunos puntos en común con los que se los puede relacionar en este 10 de julio, fecha en la que se celebra el Día de los Beatles a nivel internacional.

Por qué se celebra el Día de los Beatles

Cada 10 de julio, se celebra el Día de los Beatles en todo el mundo porque aquella jornada de 1964 la banda inglesa regresó a la ciudad de Liverpool luego de una exitosa gira por Estados Unidos

Justamente, ese día se lanzó A Hard Day ‘s Night, tercer álbum de la mítica banda. Incluso, durante esos días se llevó a cabo el estreno de la película A Hard Day ‘s Night, que los tuvo a los músicos como protagonistas. La revista Time catalogó el filme como una de las 100 mejores películas de toda la historia.

El día que los falsos Beatles tocaron en la Argentina.

Creer o reventar, el 8 de julio de 1964 se llevó a cabo uno de los mayores engaños que se vieron en la historia de los Beatles. En la Argentina, precisamente en Canal 9, el empresario y dueño Alejandro Romay anunció que la banda británica llegaba al país para brindar un concierto en TV. Por lo tanto, una multitud se acercó al aeropuerto de Ezeiza para recibirlos en el avión que llegó. Sin embargo, Paul McCartney, John Lennon, George Harrison y Ringo Starr no fueron los que bajaron de la aeronave y tampoco los que tocaron en aquella recordada transmisión…

Los Beatles marcaron una era en la historia de la música.

Lo cierto es que, en su búsqueda por ganar su lucha en el rating con Canal Trece, Romay contrató a los American Beetles, un grupo que imitaba a la banda británica a la hora de subirse a los escenarios

Con la complicidad del conductor Alberto Berco, que los presentó de una manera particular: «The American Beetles, muy pocos sabrán comprenderlos. Ellos representan una reacción contra el materialismo, por eso nadie comprende que estén aquí, a pesar de todo y por sobre cualquier contrato. Ellos lo definen con una sola palabra: dignidad. Claro, ustedes me pueden preguntar si la dignidad se puede representar de esa manera, con esa ropa, con esos cabellos». Y agregó: «La iracundia se representa siempre exteriormente, existe en todo el mundo. Algunos lo llaman iracundia, otros nueva ola. Nosotros, simplemente, juventud… Esta juventud que ahora se apresta a escuchar a… ¡los American Beetles!».

The American Beetles tocaron en Canal 9.

Inmediatamente después, y con looks y atuendos muy similares, esta banda estadounidense que imitaba a los Beatles comenzaron a tocar e hizo vibrar a miles de personas desde sus casas

Los niveles de audiencia, de acuerdo a los registros de la época, fueron de hasta 50 puntos en la TV .

EL DÍA QUE LOS BEATLES VINIERON A LA ARGENTINA – documental completo

Cómo fue que el padre de John Lennon terminó preso en la Argentina.

Aunque muchos no lo sepan, el padre de John Lennon estuvo preso en la Argentina. Alejado de la vida de su hijo, a quien abandonó desde muy pequeño y dejó en manos de la tía Mimi Smith, se desempeñaba como marino. 

En uno de los viajes que debió realizar, desembarcó en el puerto de Buenos Aires, donde las fuerzas policiales lo confundieron con John Alennon, un asesino de la época que era buscado por la policía. Según trascendió, leyeron mal su documento y debieron entender «A.Lennon» en lugar de «John Lennon».Como consecuencia, el padre de John Lennon pasó poco más de un día preso. Afortunadamente, el malentendido se aclaró y luego consiguió estar en libertad.

John Lennon y su padre Alfred Lennon.

El museo de los Beatles más grande del mundo está en la Argentina.

En la Argentina se encuentra una de las colecciones de los Beatles más importantes del mundo. Denominado «El Museo Beatle»,  el mismo se ubica en la Ciudad de Buenos Aires, más precisamente en Av. Corrientes 1660, en el interior de The Cavern, Paseo La Plaza. Allí, el argentino Rodolfo R. Vázquez levantó «uno de los dos únicos museos en el mundo dedicados a la beatlemanía y el mayor en cantidad de piezas», según indican en el sitio de la mencionada galería. Comenzó todo como un fanatismo y luego culminó en una búsqueda incansable por ser «el coleccionista más grande de los Beatles».

El Museo Beatle fue avalado, en dos oportunidades, por Guinness World Records por ser la colección más grande del mundo. Y tanto turistas de todas partes como así también escuelas primarias y secundarias lo visitan para recorrer y apreciar objetos de gran valor histórico: hay autógrafos, cartas, tickets, libros, discografía, filmografía, partidas de nacimiento, porcelanas, muñecos, cajas de música, instrumentos e inmobiliaria de los Beatles.

Museo Beatle, el más grande del mundo dedicado a la banda

Bandas y artistas argentinos que adoptaron estilos similares a los Beatles.

Teniendo en cuenta que The Beatles revolucionó el mundo con su propuesta, en la Argentina comenzaron a surgir bandas que adoptaron su estilo musical y también de vida. Bandas como Los Gatos, en 1965, se dejaron el flequillo y el pelo largo similar a la de los músicos británicos. Asimismo, otros artistas de gran talla como Luis Alberto Spinetta, Charly García y Litto Nebia también reconocieron que se sintieron muy identificados con los icónicos músicos.

Los Gatos Salvajes, banda de rock argentina que se inspiró en The Beatles.

En una entrevista que le concedió a Puro Show, en 2010, Graciela Borges reveló que mantuvo un romance con Paul McCartney, uno de los líder de The Beatles. Según relató, el mismo tuvo lugar en Londres (Inglaterra). «Fue hace tantos años. Eso lo contó el lengua larga de Badía. Fui amiga íntima de Paul. Pero hace mucho, muchísimo».

Pese a que no quiso contar demasiado, la reconocida actriz de cine y TV señaló cómo se llevó con Paul el tiempo que compartieron: «No quiero entrar en detalles, pero fue una persona muy simpática, que me cayó muy bien. Tuvimos una excelente relación. Durante un año mantuvimos el contacto, después lo perdí, no dejó de crecer como artista con una música hermosísima».

Graciela Borges, reconocida actriz en la Argentina, reveló que tuvo un romance con Paul McCartney.

Imagen de portada: Archivo

FUENTE RESPONSABLE: El Destape. Por Santiago Marani. 10 de julio 2022

Sociedad y Cultura/Música/Curiosidades/Día Internacional de The Beatles

 

 

Después del mayor evento de extinción en la Tierra, estos animales fueron los primeros en recuperarse.

La extinción masiva del final del Pérmico se reconoce como el mayor evento de extinción de la Tierra, ocurrió hace unos 252 millones de años y se estima que mató a más del 90% de las especies que habitaban en ese entonces, la vida fue devastada a tal grado que tomó millones de años para que la biodiversidad se recuperará.

Ahora un grupo de paleontólogos de China, Estados Unidos y Reino Unido han encontrado que los primeros organismos en recuperarse después de esta extinción masiva del final del Pérmico fueron habitantes del fondo del mar distinguidos como animales de cuerpo blando, de los cuales se tiene muy poca documentación, en comparación con animales esqueletizados.

Este hallazgo les permitió a los investigadores determinar cómo fue la recuperación del ecosistema marino después del evento de extinción que casi borra por completo la vida en la Tierra. El estudio fue publicado recientemente en la revista Science Advances y puedes consultarlo a continuación:  Resilience of infaunal ecosystems during the Early Triassic greenhouse Earth

Según se describe en el estudio, los organismos de los fondos oceánicos (bentónicos), específicamente los depositívoros, distinguidos por alimentarse de materia orgánica que se encuentra en el sedimento, como gusanos y camarones, fueron los primeros en recuperarse. Por su parte, los animales que se alimenta de materia orgánica suspendida en el agua surgieron más tarde.

Reconstrucción de ecosistemas marinos antes y después de la extinción masiva de P-Tr en China. (A) Ecosistema marino anterior a la extinción en el último Pérmico (B-F) Recuperación del ecosistema marino. Créditos: ScienceAdvances.       

Para determinar esto, los investigadores se propusieron analizar y realizar una datación detallada de rastros fósiles de 26 secciones a lo largo del conocido límite Pérmico-Triásico en el sur de China y regiones adyacentes, esto, describe Michael Benton, autor del estudio, representa siete millones de años cruciales.

Dado que los depositívoros no son organismos esqueletizados, su estudio no se basa en restos reales de los animales, como sucede con los dinosaurios, por ejemplo, sino que se utilizan restos de actividad del animal, es decir, una marca o huella de su comportamiento.

Esto se distingue como icnofósiles y, en este caso, para identificar la recuperación de estos organismos se utilizó la información de senderos y madrigueras antiguos en el lecho marino, que fueron hechas por estos animales antes de su extinción.

«Hay algunas localidades asombrosas en el sur de China donde encontramos una gran cantidad de icnofósiles bellamente conservados, y los detalles pueden mostrar comportamientos de ingeniería de ecosistemas infaunales (fauna o conjunto de organismos que viven entre las partículas del sedimento en el medio acuático), así como sus efectos de retroalimentación sobre la biodiversidad de los animales esqueléticos», explicó Xueqian Feng, investigador que dirigió el estudio.

De esta manera, una de las consideraciones más destacables de los hallazgos encontrados por los investigadores fue determinar cómo la primera recuperación de los ecosistemas infaunales pudo haber jugado un papel evolutivo y ecológico muy significativo para la recuperación posterior de los ecosistemas marinos.

A su vez, esto puede demostrar la capacidad que tienen estos organismos para adaptarse, sobrevivir y recuperar su población en ambientes hostiles representado por altas concentraciones de dióxido de carbono y el calentamiento global, que fue la razón de la masiva extinción.

Imagen de portada: Ilustración – Gentileza de la editora.

FUENTE RESPONSABLE: Enseñame de Ciencia. Por Aura Ramírez. 2 de julio 2022.

Ciencia/Naturaleza/Medio Ambiente/Curiosidades

 

Picasso y el valor agregado de un codazo.

El episodio se remonta a nueve años atrás pero vale la pena recordarlo. Involucra a “La rêve” (El sueño), una obra maravillosa del genial malagueño Pablo Picasso (1881-1973), y a uno de los coleccionistas top de sus obras.

El cuadro data de 1932, la época (a mi criterio) más brillante de Pablo Picasso, en la que coinciden la influencia de las odaliscas de su amigo Henri Matisse (1869-1954) y el apasionado enamoramiento con Marie Therese Walter, a quien había conocido en enero del 1927 (ella de 17 años y él de 48) y con quien mantiene una relación hasta 1936.

La Walter, su modelo, aparece en un sinnúmero de sus obras tanto escultóricas como pictóricas de este período. En ellas Picasso simplifica, deduce las formas a volúmenes esféricos, enciende su paleta y convoca continuamente al encanto de la sensualidad carnal.

“EL SUEÑO”, ÓLEO SOBRE LIENZO DE 130 X 98 CMS.

El museo Picasso de París, conformado en el Hotel Salé, con las obras de la dación (el pago del impuesto a la herencia) tiene como tesoro otra obra parangonable titulada “La lectura” y hay una tercera en la Tate Gallery de Londres, “Desnudo en un sillón rojo” no menos admirable, del mismo año.

“LA LECTURA”, ÓLEO SOBRE LIENZO DE 130 X 97 CMS. 1932 MUSEO PICASSO, PARÍS

“DESNUDO EN UN SILLÓN ROJO”, ÓLEO SOBRE LIENZO DE 130 X 97 CMS. 1932. TATE GALLERY, LONDRES

Volviendo a “El Sueño”, la obra de nuestra historia, queda entonces establecido que estamos ante una pieza de museo de grueso calibre. Había pertenecido a la famosa colección Ganz, y fue vendida en noviembre 1997 en Christie’s Nueva York por 48.400.000 dólares. El comprador se mantuvo en el anonimato. En 2001 Steve Wynn, magnate de los casinos de Las Vegas y gran coleccionista, la adquiere. La tuvo por varios años colgada en el restaurant “Picasso” del Bellagio hasta que decide venderla a su amigo Steve Cohen en la suma de 139 millones de dólares, cifra récord en ese tiempo. Cohen hizo inspeccionar la obra y el trato se dio por cerrado.

Ese fin de semana Wynn recibió a unos amigos que venían de visita desde New York. Se hospedaron en su hotel y mientras cenaban el viernes a la noche, él les comentó de la venta. Las mujeres expresaron su interés en verla. Subieron a su oficina, donde estaba. En la pared a su izquierda había varias obras incluyendo un Matisse, un Renoir y “Le Rêve”. Wynn comenzó a contar la historia de la procedencia del Picasso. Mientras hablaba estaba de espaldas a la pintura. Wynn sufre una enfermedad del ojo que disminuye su visión periférica y por ello, su interacción con objetos cercanos. Sin darse cuenta dio uno o dos pasos atrás mientras hablaba e hizo un gesto con su mano derecha y su codo derecho golpeó la pintura, perforándola.

Al día siguiente Wynn habló con su marchant y le contó lo que había pasado. Más tarde esa semana la mujer de Wynn llevo la obra a New York en su jet privado. Se encontraron con Cohen en la galería de Acquavella y decidieron que el arreglo estaba cancelado hasta que el perjuicio pudiera ser establecido. “El sueño” fue perfectamente restaurado, pero también en un sueño la mujer del coleccionista leyó todo el episodio como una señal del destino y le pidió que no la vendiera.

Así fue. Hasta que en marzo de 2013, en una operación privada celebrada en Nueva York, Steve Wynn, magnate de Las Vegas, vendió finalmente a Steven A. Cohen, el cuadro ‘Le Rêve’ (El Sueño), de Pablo Picasso, por 155 millones de dólares en el precio más alto pagado hasta entonces por una obra del pintor español. El codazo, entonces, sumó 16 millones….

El récord no duró tanto: dos años después Christie’s vendió en Nueva York “Les femmes d’Alger”, un óleo de 114 x 146 centímetros de 1955 en algo más de 179 millones. Se dijo que el comprador fue el jeque de Qatar, Al Zani, ex primer ministro y canciller. Para cerrar apunto que la obra había pertenecido (como “El Sueño) a la colección Ganz.

“LAS MUJERES DE ALGERÍA” (D’APRES DELACROIX) VERSIÓN 0, ÓLEO SOBRE LIENZO DE 114 X 146 CMS.

Imagen de portada: “EL SUEÑO”, ÓLEO SOBRE LIENZO DE 130 X 98 CMS.

FUENTE RESPONSABLE: mdz on line. Argentina. Por Carlos María Pinasco; consultor de Arte. Junio 2022.

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