Artes y Letras/Genios Virtuosos/Poliamor

Salvador Dalí

Su personalidad es tan conocida como su arte. Todas sus apariciones públicas eran una constante performance que se condecía con las características de su obra surrealista. Pero su anecdotario más personal resulta igual de interesante: desde sus tendencias voyeristas en la intimidad, su relación con Federico García Lorca, sus ansias por conocer a Freud, el poliamor y su matrimonio con la rusa Gala, su única compañera. Aquí, tres historias que clarifican al hombre detrás del mito surrealista en su cumpleaños número 118.

Vistoso, estrafalario y con tintes narcisistas, Salvador Dalí, artista catalán reconocido por ser uno de los exponentes más populares de la corriente surrealista, supo transformar su imagen en otro elemento más de su extensa obra. Tan importante como sus dibujos a carboncillo, sus cuadros oníricos o las colaboraciones con cineastas de la talla de Alfred Hitchcok y Luis Buñuel.

Su particular personalidad y estética fueron elementos cruciales para convertir su imagen en parte del mito daliniano, algo que Dalí y Gala (su esposa y representante) supieron explotar: desde su particular bigote –que inicialmente fijaba con el jugo de los dátiles– hasta sus extravagantes mascotas, un leopardo llamado Babou y un oso hormiguero bautizado como Don Osito Marquina por el parecido que Dalí le vio con el dramaturgo español Eduardo Marquina.

Todo ello, parte de una gran y rentable marca que construyó sobre su nombre, que le permitió levantar alianzas comerciales con los estudios de Walt Disney y protagonizar publicidades para productos como los chocolates franceses Lanvin.

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SALVADOR DALI -CHOCOLATE

“Solo hay dos cosas malas que pueden pasarte en la vida: ser Pablo Picasso o no ser Salvador Dalí”, condensaba en una de sus entrevistas. Y aunque sus apariciones televisivas y los múltiples registros visuales que dejó en 84 años de vida son fascinantes, las historias que revelan algunos de sus aspectos más íntimos no resultan menos llamativos e importantes para comprender su personalidad más allá del bigote engominado. A continuación, tres episodios fundamentales en la vida del hombre detrás del famoso cuadro de La persistencia de la memoria.

Federico García Lorca, un amor erótico y trágico

Corría el año 1923 cuando un joven Salvador Dalí llegaba a la Residencia de Estudiantes, un centro cultural madrileño que por esos años era la Meca de la modernización científica y artística de España. Allí conoció al cineasta Luis Buñuel y al poeta Federico García Lorca, con quienes trazaría una amistad que fue fundamental para el desarrollo artístico del trío que emergió en medio de los locos años veinte.

García Lorca, proveniente de una familia acomodada de Granada, era un muchacho bastante retraído, una característica que se le achacó a la represión de su orientación sexual. Su estadía en Madrid fue fundamental para que el poeta comenzara a deshacerse de los prejuicios conservadores que recaían sobre la homosexualidad, aunque igualmente fue motivo de conversaciones de pasillo que rumoreaban sobre su “defecto”.

Dalí y García Lorca eran como el agua y el aceite, y como bien dice el dicho, los opuestos se atraen. La timidez del segundo se complementaba con la provocadora y excéntrica imagen que proyectaba el primero. Por esos años, los amigos frecuentaban los alrededores del Hotel Palace y las cafeterías del Paseo Prado, donde presenciaban tertulias de todo tipo.

Federico García Lorca y Salvador Dalí.

Al poco tiempo y como resultado de esas instancias de fraternidad, ambos artistas pronto estuvieron completamente congeniados, influyendo y haciéndose partícipes de la obra del otro. García Lorca le escribió la poesía Oda a Salvador Dalí, y el pintor, por su parte, le dedicó el cuadro Sant Sebastià. En 1925 tenían planeado colaborar en un proyecto en conjunto bautizado como Cuaderno de los Putrefactos, un libro que mezclaba dibujos de Dalí con textos escritos por el poeta que nunca terminaron.

Así, en medio de un encanto basado en la admiración mutua que ambos intelectuales sentían por el otro, García Lorca terminó enamorándose del pintor, aunque Dalí nunca correspondió físicamente a las pretensiones amorosas de su amigo. Sin embargo, el intercambio epistolar que ambos mantuvieron entre 1925 y 1936 revela los juegos de seducción establecidos por Dalí.

En una de las cartas recopiladas por el periodista Víctor Fernández en el libro Querido Salvador, querido Lorquito, Dalí le escribe al poeta: “Tú eres una borrasca cristiana y necesitas de mi paganismo (…) yo iré a buscarte para hacerte una cura de mar. Será invierno y encenderemos lumbre. Las pobres bestias estarán ateridas. Tú te acordarás que eres inventor de cosas maravillosas y viviremos juntos con una máquina de retratar”.

Salvador Dalí y Federico García Lorca

Salvador Dalí y Federico García Lorca

En 1928, en otra de las misivas, el surrealista le envía un texto bastante erótico donde también se refiere a Romancero gitano, un libro de la autoría de García Lorca: “Federiquito, en el libro tuyo (…) te he visto a ti, la bestiecita que eres, bestiecita erótica, con tu sexo y tus pequeños ojos de tu cuerpo (…) tu dedo gordo en estrecha correspondencia con tu pene (sic)”.

A pesar de la constante provocación que subyace a la correspondencia, Dalí afirmó que nunca llegaron a concretar un encuentro sexual.

“Federico, como todo el mundo sabe, estaba muy enamorado de mí, y probó a darme por el culo dos veces, pero como yo no soy maricón (sic) y me hacía un daño terrible, pues lo cancelé en seguida y se quedó en una cosa puramente platónica y en admiración”, dijo en una entrevista con el escritor y dramaturgo Max Aub.

Aunque no se encontraron menciones explícitas del encuentro en las cartas compiladas por Fernández, se cree que Dalí hizo referencia al resultado fallido de una apuesta entre ambos: el pintor le dijo que si accedía a tener relaciones sexuales con la joven Margarita Manso, él aceptaría un encuentro con su amigo.

“Es un juego de seducción: Lorca da lo mejor de sí mismo, tratando de encandilar con su palabra a un Dalí que quiere estar a la altura intelectual del poeta. Uno intenta atrapar al artista en su tela de araña; el otro deja hacer hasta cierto punto”, comentó el autor del libro epistolar al diario El País.

La carta donde Dalí refiere a Romancero gitano fue el motivo de que se caldearan los ánimos entre ambos. Más adelante, el artista le expresa: “Tu poesía está ligada de pies y manos a la poesía vieja. Tú quizá creerás atrevidas ciertas imágenes, o encontrarás una dosis crecida de irracionalidad en tus cosas, pero yo puedo decirte que tu poesía se mueve dentro de la ilustración de los lugares comunes más estereotipados y más conformistas”.

Dicha crítica de Dalí estuvo influenciada por los comentarios de Buñuel, que por esos días fue bastante severo con el trabajo de García Lorca (se cree que el cineasta estaba celoso de la cercanía intelectual que el poeta estableció con Dalí). Sin embargo, la tensión entre ambos fue una cosa temporal.

Luis Buñuel y Salvador Dalí

Luis Buñuel y Salvador Dalí

En los años posteriores, el poeta y el artista plástico continuaron con su amistad y correspondencia hasta agosto de 1936, cuando García Lorca fue fusilado durante los primeros días de la dictadura franquista. Aunque los detalles de su asesinato nunca fueron aclarados por completo, resulta casi obvio afirmar que su homosexualidad y afinidad a las ideas de izquierda fueron algunas de las motivaciones.

Al enterarse la muerte de su amigo, Dalí se limitó a exclamar un “¡Olé!”, equiparando la vida de García Lorca con las corridas de toro que el poeta tanto admiraba. En 1986, el artista envió una carta al diario El País donde acusaba a Ian Gibson, biógrafo de García Lorca, de reducir la relación entre ambos “como si se hubiera tratado de una azucarada novela rosa”.

En palabras de Dalí, fue “un amor erótico y trágico, por el hecho de no poderlo compartir”. Durante sus últimos días, pesando apenas 34 kilos y negándose a comer, una de las enfermeras a cargo de sus cuidados afirmó que el pintor sólo lograba articular una frase: “mi amigo Lorca”.

Voyerismo, poliamor y Gala, la única compañera

Dalí quedó encantado con ella desde el primer momento en que la vio. Por ese entonces, Elena Ivánovna Diákonova, conocida simplemente como Gala, era la esposa del poeta francés Paul Éluard.

Éluard y Dalí fueron presentados en un salón de baile en París. El matrimonio y Dalí llegaron a vacacionar a Cadaqués junto a un grupo de amigos durante el verano de 1929. Ni las nupcias de ella ni los diez años de diferencia fueron suficientes para frenar las pasiones del joven artista, que inició su plan de conquista invitándola a dar largos paseos por la Bahía de Portlligat. Eran citas en plan romántico, aunque sus temas de conversación iban desde los traumas infantiles al surrealismo, pasando incluso por la coprofilia.

Imagen de portada: Gentileza de Pinterest

FUENTE RESPONSABLE: La Tercera PM. Chile. Cultura. Por Catalina Araya.Mayo 2022

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Sus padres lo abandonaron en una caja y el forjó su destino a puro arte.

Benito Quinquela Martín fue criado como hijo adoptivo por una familia humilde de La Boca. Dueño de un gran talento, este pintor argentino logró fama, riqueza y el honor, en vida, de que sus cuadros se exhibiesen en los principales museos del mundo. 

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Considero que el hombre es muchas veces, artífice de su propio destino. Un artista argentino, uno de nuestros grandes pintores, ni siquiera conoció a sus padres. Apareció abandonado en una cajita, en la puerta del Hogar de Niños, con una esquela que decía: “Este niño fue bautizado como Benito Juan y seguía su apellido: Martín”.

Fue criado como hijo adoptivo por una humilde familia, Chinchella de apellido. En Italiano se pronuncia Quinquela. Se crió en la pobreza de un barrio muy modesto: La Boca. Y recién a los 20 años –y por sí mismo- mérito muy especial aprendió a leer y a escribir correctamente.

Desempeñó durante mucho tiempo un oficio rudo y difícil: estibador de carbón en el puerto.

Su primer lápiz de dibujo fue el mismo carbón que transportaba sobre sus espaldas. Con todas estas desventajas, pero con un gran talento, este pintor argentino logró fama, riqueza y el honor –en vida- que sus cuadros se exhibiesen en los principales museos del mundo: Roma, Madrid, Londres, París.

Quinquela Martín, el Riachuelo y La Boca, casi una sola cosa.

Pero ya para siempre, Quinquela Martín, el Riachuelo y La Boca serán casi una sola cosa.

Porque Quinquela nació en la Boca, a un paso de la Vuelta de Rocha. Allí sufrió, allí encontró su destino y allí fue la gloria a buscarlo con su mejor sonrisa, para llevarlo de la mano por el camino de los triunfadores.

Primero pintó paisajes. Luego Quinquela se dedicó a expresar en sus telas, los cascos heridos de las naves, las cimbreantes planchadas hormigueando de hombres encorvados y las garras siniestras de los guinches.

La autenticidad de sus cuadros surgía del hecho que antes de pintar los regueros humanos de los cargadores de carbón, él había formado parte de ellos. Plasmó en sus obras y murales gigantescos, toda la vida de la ribera, desde el amanecer hasta el ocaso.

Fue un pintor colorista y muy personal. A sus 24 años, el presidente de la República, Marcelo T. de Alvear, le otorgó una beca para perfeccionarse en España e Italia. Luego regresó varias veces a Europa para exponer sus obras. Y en esas giras ganó dinero, prestigio internacional y obtuvo también la sugestiva sonrisa de las mujeres que en un idioma universal la regalan solamente a los hombres que nacen bendecidos por los dioses.

Ya Quinquela Martín, triunfador, regresó a su barrio de la Boca, a su mismo atelier de siempre. No buscó un lugar lujoso de Palermo Chico por ejemplo. Hubiera sido ajeno a su manera de ser. Buscó sí, el viejo rincón de sus antiguos sufrimientos, las mismas calles sureñas de su bohemia adolescente.

Posteriormente fundó de su propio peculio, la Escuela-Museo Pedro de Mendoza, que él mismo dirigió por muchos años y aún existe junto a una escuela primaria que funciona donde tuvo su casa y su atelier. 

Las obras de Quinquela Martín llegaron a los principales museos del mundo.

A los 83 años ganó el gran Premio del Fondo Nacional de las Artes. Dos años antes, a los 81 años, había sido nombrado Profesor Honorario de la Universidad de Buenos Aires.

Con ese motivo, se realizó un acto en su homenaje.

Allí expresó con la sencillez de “los iluminados que saben agregar luz a la luz”: “Tuve muchos halagos en mi vida”, decía. “Pero que un estibador del puerto que a los 19 años casi no sabía leer. Que le costaba escribir bien su propio nombre, lo hubiesen designado profesor de la Universidad, es más de lo que hubiera soñado”.

“Y les digo a los jóvenes estudiantes: luchen, trabajen, busquen, que todos los que llegaron, siempre debieron luchar para llegar. Porque peor que muchos fracasos son pocos intentos…”

Un 28 de enero de 1977 teniendo más de 86 años moría Benito Quinquela Martín. Cultivó la pintura, para la que quizá Dios, lo eligió.

Porque muchos caminaron. Pero pocos dejaron huellas. Fue un ejemplo de tenacidad, de lucha contra las circunstancias adversas, de voluntad férrea, “esa voluntad de triunfar que no otorga el triunfo, pero que lo acerca…”.

Y ese tesón inclaudicable de Quinquela Martín trae a mi mente este aforismo que quiero dedicarlo a este insigne pintor argentino. “Para remontar vuelo, primero hay que caminar”.

Imagen de portada: Gentileza de Crónica

FUENTE RESPONSABLE: Crónica. Por José Narosky.Abril 2022

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Identifican a 14 descendientes vivos de Leonardo da Vinci.

SEGÚN UNA INVESTIGACIÓN

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Estos hallazgos posibilitan a los historiadores trazar el genoma de Da Vinci, con lo que pueden «explorar científicamente las raíces de su genio».

Un estudio del árbol genealógico de Leonardo da Vinci revela que hoy hay 14 personas vivas en Italia que descienden del genio del Renacimiento.

Alessandro Vezzosi, historiador del Museo Ideale Leonardo da Vinci de Italia, y Agnese Sabato, presidenta de la Asociación del Patrimonio de Leonardo da Vinci, encabezan una investigación para la que han rastreado la genealogía de da Vinci a lo largo de casi 700 años y 21 generaciones. 

Los han analizado desde 1331 hasta la actualidad, utilizando como punto de partida al tatarabuelo de da Vinci, Michele. Estos hallazgos posibilitan a los historiadores trazar el genoma de da Vinci, con lo que pueden «explorar científicamente las raíces de su genio» y otra serie de variables, como que era zurdo y gozaba de percepciones sensoriales únicas, tal y como han escrito los investigadores en su estudio, referido a su vez por NBC.

El artista, un visionario de la ciencia que, además, pintó ‘La última cena’ y ‘La Gioconda’, entre muchas otras obras, no tuvo hijos, pero sí 22 medio hermanos. 

Por otro lado, cabe destacar que el genio del Renacimiento nació fuera del matrimonio el 15 de abril de 1452. Vezzosi y Sabato se han servido de documentos históricos para localizar a los parientes vivos mediante una línea masculina ininterrumpida desde el padre de da Vinci, Ser Piero, y su medio hermano Domenico. Los investigadores señalan que los descendientes vivos tienen una edad comprendida entre el año y los 85 años.

Verificación de sus restos

Ahora, la dupla desea realizar análisis genéticos de los descendientes vivos para estudiar el cromosoma Y, que se transmite a los parientes masculinos, y «en el que se imprime el perfil indeleble de la identidad personal y familiar de Leonardo», señalan los investigadores. Estiman que, al ser una línea masculina ininterrumpida, el cromosoma Y no está alterado.

Estos hallazgos contribuirían además a la verificación de los restos de Da Vinci. Fallecido en 1519, se cree que está enterrado en Amboise (Francia). Sin embargo, la ubicación de los restos es desconocida. La información que arroja la investigación de Vezzosi y Sabato permitiría encontrar y secuenciar el ADN del artista renacentista.

Imagen de portada: Gentileza de iStock

FUENTE RESPONSABLE: El Confidencial. Julio 2021

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El secreto escondido debajo de una pintura de Leonardo da Vinci.

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Las pinturas del genio florentino siguen despertando el interés de los expertos en Historia del Arte. Recientemente se ha descubierto un boceto borrado en ‘La virgen de las rocas’

RESUELTO OTRO MISTERIO

Leonardo da Vinci es, sin duda, una de las figuras más fascinantes que han existido en la historia. 

El genio florentino dejó para la posteridad cuadros que aún siguen llamando la atención de los hombres modernos, además de pintor fue anatomista (sus extraordinarios dibujos avalan su vena más médica), paleontólogo, botánico, escultor e incluso inventor (realizó esbozos de lo que serían predecesores del helicóptero, el reloj o el mortero). 

Los misterios que envuelven sus cuadros aún no se han desentrañado del todo. ‘La última cena’, por ejemplo, está plagado de pequeños mensajes que el pintor quiso dejar sin resolver para aquellos con suficiente ojo como para encontrarlos. ‘La Gioconda’, por su parte, sigue suscitando un enorme interés por su extraña sonrisa. Durante mucho tiempo se dudó de la identidad de la modelo, y diversas hipótesis sobre ella y su supuesto embarazo llaman aún la atención de los especialistas.

Secretos y misterios

Pero es otro cuadro el que recientemente ha sorprendido, ‘La Virgen de las rocas’. Como sucede con otras obras de Da Vinci, como la mencionada ‘Mona Lisa’, existen varias versiones con el mismo nombre y la misma temática de este cuadro, además de distintos bocetos. 

Las dos más famosas se encuentran en el Museo del Louvre y en la National Gallery de Londres. La pintura muestra a la Virgen junto al niño, Juan Bautista y un ángel. Una obra con un significado fuertemente religioso y de alabanza a María, que, sin embargo, no está exento de polémica. 

Gracias a una técnica llamada macro fluorescencia de rayos X se ha descubierto en la pintura el boceto de un niño Jesús con alas, borrado en el pasado.

Hace unos años, un equipo de expertos italianos en arte lograron descomponer la obra para analizarla hasta el más mínimo detalle.

Descubrieron así que se puede apreciar un perro con una correa entre las hojas y las rocas de la parte superior del cuadro, lo que, presuntamente, representaría para Leonardo la desobediencia y la acusación de corrupción del papado de la época.

Un cane dietro la Vergine delle Rocce? Sarebbe l’accusa di Leonardo contro la corruzione dei Papi http://dlvr.it/NWZJnP

No acaba ahí. Esa no es la primera señal de que ‘La Virgen de las Rocas’ esconde dibujos más antiguos de lo que podría haber sido una obra diferente.

«Fue como buscar una aguja en un pajar, la sensación de descubrir las alas y la cabeza del ángel (Jesus con alas) fue indescriptible» explicó en un comunicado Pier Luigi Dragotti, profesor del Departamento de Ingeniería Electrónica y Electrónica del Imperial College de Londres. 

La técnica funciona utilizando elementos químicos individuales en la pintura, lo que hace que brillen levemente en formas que un escáner sensible puede captar. Se ha utilizado durante más de una década, y el Jesús recién descubierto fue encontrado gracias a un nuevo algoritmo para interpretar los datos. Lo ha desarrollado Dragotti.

‘Los tres niños santos’ de Bernardino de Conti.

El elemento clave que ha sido útil para revelar los bocetos fue el zinc. 

El boceto original de Da Vinci debe haber usado una sustancia que lo contenía. No está claro por qué el pintor cubrió su bosquejo original, pero ‘La Virgen de las Rocas’ sirvió de inspiración para otro de los cuadros más enigmáticos de la Historia del Arte: ‘Los tres niños santos’, de Bernardino De Conti. 

En su obra, utilizó la figura de los niños de Leonardo, pero reemplazó a la Virgen por un tercer niño. Las hipótesis aseguran que ese tercer niño podría ser en realidad el apóstol Tomás, puesto que Tomás significa ‘gemelo’ en arameo (en la Biblia aparece denominado como ‘El mellizo’), y algunas teorías apuntaban a que quizá podría ser el hermano de Jesucristo. 

Según esas mismas teorías, el niño del centro de la pintura sería San Juan (el de mayor edad), el de la derecha sería Jesús y el de izquierda el gemelo Tomás.

Imagen de portada: La Virgen de las rocas. Leonardo Da Vinci. 

FUENTE RESPONSABLE: El Confidencial. Por Ada Nuño. Febrero 2020

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Los inventos más sorprendentes de Leonardo Da Vinci.

EL GENIO FLORENTINO

Su capacidad de observación no solo marcó su obra y le convirtió en una persona excepcional, sino que también le sirvió para patentar algunos objetos… curiosos.

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Si hubiera que establecer una lista de personajes más notables de la historia, es probable que Leonardo Da Vinci acudiera a la cabeza de más de uno. El genio florentino tuvo una vida digna de ser contada, y a día de hoy los misterios que la envolvieron y que dejó plasmados en muchos de sus cuadros, todavía siguen fascinando al hombre actual. 

El verdadero hombre del Renacimiento (pintor, arquitecto, paleontólogo, científico, escultor, escritor y la lista sigue) tuvo una mente y unas manos despiertas y aquello le llevó a teorizar, pensar en proyectos y llevarlos a cabo (en la mayoría de las ocasiones). 

Sus obras están envueltas por ese extraño halo misterioso, como si nos contaran un secreto que no sabemos discernir, y aunque ‘La Gioconda’ o ‘La última cena’ son probablemente los cuadros más famosos del mundo, solo se han conservado unos 20, que a pesar de ello han servido como legado para futuras generaciones. 

Admiraba la naturaleza, a los hombres y a los animales, y esa capacidad de observación no solo marcó su obra y le convirtió en una persona excepcional, sino que también le sirvió para inventar. 

Porque Da Vinci también fue un prolífico inventor. ¿Qué puede hacer, al fin y al cabo, un hombre con una mente adelantada por siglos a la de sus congéneres? Inventar.

Algunas cosas giratorias

Leonardo diseñó varios objetos relacionados con el arte de la guerra, más o menos fantasiosos. 

Un ejemplo de ello es el circum folgore: un cañón giratorio que permitía disparar en múltiples direcciones a la vez y se podía reorientar rápidamente.

Pero no solamente de disparar va el juego, Leonardo también diseñó un puente giratorio para Ludovico Sforza que podía ser transportado por los ejércitos y una grúa giratoria.

El cañón múltiple o giratorio. (Wikimedia commons)

El ornitóptero

Del griego ‘ornitos’ (pájaro) y ‘opteron’ (ala), se trata de un aerodino que obtiene el empuje para que sus alas batan de manera análoga, como las aves. 

La observación del vuelo de estos animales es lo que llevó a diseñar máquinas basadas en ello, aunque a la hora de la verdad estos artilugios son inoperantes debido a que la potencia de los músculos de las aves y su peso son favorables para que emprendan el vuelo, no siendo así en el caso humano.

Que el hombre pudiera alcanzar el cielo volando fue una de las máximas de Leonardo, que patentó bastantes prototipos de máquinas.

De cualquier forma, han quedado para la posteridad los proyectos realizados por Da Vinci hacia 1490 aproximadamente y, como curiosidad, son el transporte insignia de la Casa Atreides en ‘Dune’. Que el hombre pudiera alcanzar el cielo volando fue una de las máximas de Leonardo, que patentó bastantes prototipos de máquinas voladoras (y también un paracaídas).

El primer robot de la historia

Se trata de un autómata de forma humana diseñado alrededor del 1495, bajo (probablemente) el patrocinio de Ludovico Sforza. Es el primer ‘robot’ antropomorfo occidental, y lo construyó basándose en sus investigaciones de anatomía y en el canon de proporciones que le sirvieron para el Hombre de Vitruvio.

El robot estaba formado por un núcleo complejo de dispositivos mecánicos que probablemente eran impulsados ​​por humanos.

El robot en cuestión es un guerrero con armadura medieval germano-italiana, y los ‘robots’ que Juanelo Turriano creó para el emperador V en 1565 se asemejan bastante a él. Estaba formado por un núcleo complejo de dispositivos mecánicos que probablemente eran impulsados ​​por humanos. Da Vinci también construyó un león mecánico programable.

Un traje de buceo

Los primeros trajes de buceo fueron inventados por el genio florentino en 1485. En principio, estaban planteados para invadir naves enemigas.

Fuente: Pixabay

Era un poco excéntrico y daba un pelín de miedo, todo hay que decirlo: un amplio mono de cuero que cubría la cabeza, con dos cristales integrados para facilitar la visión y un equipo de respiración consistente en dos cañas de bambú atadas a ambos lados de la cabeza. Uno trabaja con lo que puede.

El gran órgano continuo

Leonardo tenía imaginación a raudales, y por ello mismo se le ocurrió un instrumento musical magnífico: un órgano musical que podría sonar ininterrumpidamente gracias a un mecanismo que proporcionaba aire a los tubos de manera continua. Quizá lo más sorprendente de todo es que en 2019 recrearon el invento del florentino, como homenaje por los 500 años de su muerte: se escuchó por primera vez en Milán. Se trata de un órgano musical que podría sonar ininterrumpidamente gracias a un mecanismo que proporcionaba aire a los tubos 

No es el único instrumento ideado por Leonardo, también diseñó la viola organista: un instrumento que utiliza ruedas giratorias para hacer vibrar las cuerdas individualmente (similar a como un violín produce sonidos), gracias a un teclado que realiza este movimiento al presionar sus teclas (similar a un órgano o piano). Su idea original era utilizar una o más ruedas, que giraban continuamente, cada una de ellas con un arco de enlace y perpendicular a las cuerdas del instrumento.

El vehículo de combate

La primera referencia a este extraño artefacto está en una carta a Ludovico Sforza, sobre 1483. «Diseñaré vehículos blindados seguros e inexpugnables que penetrarán en las líneas enemigas con su artillería, sin que ninguna compañía pueda detenerlos. La infantería podrá avanzar detrás, protegida de cualquier daño».

Boceto del carro de combate, que probablemente no llegó a construir. (Wikimedia commons)

Como sucedió con tantos otros inventos, aunque plasmó el diseño en un croquis no hay constancia de que llegara a construirlo debido a sus limitaciones técnicas. En 2010 el colectivo de ingenieros YT Engineer recreó el carro de combate de Leonardo a partir de los planos originales del erudito italiano.

Imagen de portada: Gentileza de iStock

FUENTE RESPONSABLE: Alma, Corazón y Vida. El Confidencial. Por A.N. Febrero 2022.

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Rubén Darío: las últimas horas, el sufrimiento, la fe y los malentendidos.

El 6 de febrero se cumplieron 106 años de la muerte del poeta, en la ciudad de León, Nicaragua; una evocación que ilumina datos oscuros, desmiente leyendas y agiganta su figura.

Rubén Dario es considerado el mayor exponente dentro de la poesía en español del siglo XX.

Muchos mitos hay en torno a Rubén Darío y el aniversario es una es una buena oportunidad para aclararlos. 

Avecinando la Primera Guerra Mundial y embarcándose desde España hacia América con en el proyecto de pregonar la PAX en Nueva York, su idea fija era regresar a la Argentina, su patria cultural y espiritual, estar en LA NACIÓN, su fiel empleador durante 26 años y poder ver a su médico Martín Reibel.

Instalado en Buenos Aires, quería mandar a llamar a su compañera española Francisca y al hijo de ambos de 7 años, Guicho, para permanecer en estas tierras hasta finalizar la guerra.

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Darío en Nueva York en 1915- gentileza Martin Katz Dario

Pero por circunstancias misteriosas eso no pudo ser. En Nueva York, en la Navidad del 1914, se enferma por el frío de pulmonía. Abandonado, inexplicablemente parte a Guatemala invitado por el Dictador Estrada Cabrera.

Darío para ese entonces estaba abatido moralmente y siempre con sus achaques de salud fruto de la depresión, la bebida y la inactividad literaria, pero como el Ave Fénix, siempre resurgía.

Permanece unos meses allí y, sin tener noticias de Argentina, antes de viajar a Nicaragua, se encuentra con su primogénito de 24 años Rubén Darío Contreras. Ellos se habían encontrado por primera vez solo 5 años antes, ya que mi abuelo fue criado por sus tíos y él ignoraba que su padre fuera el famoso Rubén Darío. El poeta le dice: “Tu no vas a heredar nada, ya que estás en una buena posición, pero sí te daré los contactos para que vayas a la Argentina a formar tu familia”.

También antes de partir le dijo lo mismo a Máximo Soto Hall, poeta guatemalteco y gran amigo, con la promesa de que se reencontrarían en Buenos Aires en pocos meses.

A fines de noviembre de 1915, Darío acompañado de su segunda esposa, Rosario Murillo, que lo fue a buscar a Guatemala, llegó a Nicaragua, ya cansado y abatido.

Testa en favor de su hijo español de 7 años, Rubén Darío Sánchez, como heredero universal. Rubén ya presentía cerca su final.

Rubén Darío  Contreras _1916_ tenía 24 años  a la muerte de su padre.

Rubén Darío Contreras (1916) tenía 24 años a la muerte de su padre. Gentileza Martin Katz Dario

Rubén Dario Sánchez _7 años 1916

Rubén Dario Sánchez -7 años -1916. Gentileza Martin Katz Dario

Dijo: “Quiero que mis despojos sean para Nicaragua. Ya que mi patria no me guardó vivo, que me conserve muerto”.

El 2 de febrero, y a pesar de su negativa a que los médicos lo tocaran porque les tenía terror, Darío es engañado y su amigo el Doctor Luis Debayle y el Dr. Lara le efectúan dos punciones en el hígado, sin lograr extraer nada. Su cuadro se agrava rápidamente.

Los médicos subestimaron la previa indicación de Darío de que no sentía nada en el hígado y que, en cambio, sentía en el bajo vientre como una placa de fuego. Las punciones resultan fatales para su salud.

Agotadas sus fuerzas pierde el conocimiento y el 6 de febrero, a la hora del crepúsculo, comienza a agonizar. Expiró inconsciente a las 10.18, auxiliado por el presbítero Félix Pereira. No obstante su aspecto avejentado, tenía apenas 49 años. Basta comparar la foto de este artículo de 1915 en Nueva York y la de febrero de 1916. Sobran las palabras.

No murió de cirrosis, sino de mala praxis, como murió 23 años antes su primera esposa, Rafaela Contreras por sobredosis de cloroformo antes de su operación.

Darío estuvo siempre acompañado de un crucifijo que le había regalado muchos años antes Amado Nervo.

Darío en su lecho de muerte con el crucifijo en la mano

Darío en su lecho de muerte con el crucifijo en la mano. Gentileza Martin Katz Dario

Crucifijo obsequio de Amado Nervo a Rubén Darío  .

Crucifijo obsequio de Amado Nervo a Rubén Darío .Gentileza Martin Katz Dario.

Fue embalsamado, y le extrajeron el cerebro para estudiar su genialidad. Darío lo presintió y, días antes de morir, soñó que lo descuartizaban.

El Sepelio duró siete días. Lo visitaron con túnica y laureles y lo vistieron de traje con guantes elegantes.

Entierro apoteòsico 13 de febrero 1916. Rubén Darío  .

Entierro apoteòsico 13 de febrero 1916. Rubén Darío . Gentileza Martin Katz Dario.

Mucho se habló del alcohol. Es cierto que vivió la bohemia de los grandes poetas de su época: Verlaine, Baudelaire, Machado, Oscar Wilde. Pero fue un hombre responsable en sus compromisos como periodista, como diplomático, como poeta; siempre con una imagen impecable.

Nunca supo manejar su dinero. Además de las dificultades y de la mala administración, Nicaragua demoraba los pagos de la Legación en España y en Paris. Es más, tuvo que vender su propio piano Pleyel para pagar esas deudas. Hoy día su patria le quedó debiendo más de 6000 dólares de esa época. Los editores también hicieron de las suyas y se aprovecharon de su mal manejo con el metálico. LA NACIÓN fue su único sueldo seguro y uno de sus prestigios más grandes.

Tuvo tres mujeres, pero no un gran amor. Las tres fueron importantes en su vida.

Rafaela Contreras, considerada la primera cuentista modernista de Centroamérica, murió a los 23 años dejando un hijo de meses. Esta muerte inesperada potenció los temores de Darío.

Rosario Murillo, su primera novia de adolescencia, le despertó la sensualidad y el erotismo. Después de enviudar, Darío se casó con ella. Fue su segunda esposa y quien además en 1916 lo acompañaría hasta su muerte. Rosario le dio un hijo que falleció de tétanos a las pocas semanas. Darío no lo vio nacer ni morir.

Francisca Sánchez fue su compañera, ya que Darío nunca pudo divorciarse de Rosario. Convivió 14 años con ella y le dio tres hijos, que murieron todavía niños. El cuarto es el único que disfrutó como padre durante siete años. Por falta de recursos no pudo viajar a América con el poeta en su último viaje. El resto de sus hijos estuvieron en segundo plano. Su obra y el periodismo eran para él lo primero.

Foto inèdita Capilla ardiente _ Rubén Darío  .

Foto Inèdita Capilla ardiente Rubén Darío. Gentileza Martin Katz Dario

¿Qué logró Darío?

Logró en vida el reconocimiento de sus pares como el iniciador del modernismo en la literatura de lengua castellana. Dejó más de 750 crónicas para LA NACIÓN, el diario en el que trabajó 26 años. Y además 99 cuentos y más de 1300 poemas.

El escritor Vargas Vila afirmaba categóricamente que Rubén Darío tenía en su rostro el signo de todas las razas, corpulento, con manos de marqués, siempre pulcro y elegante. Rubén era callado, tímido, de buen comer y tomar, generoso con los amigos .

Siempre supo bien quién era. La poesía le brotaba y tenía oído musical absoluto, memoria prodigiosa.

Eligió como profesión el periodismo, al que le dio todo y que lo mantuvo hasta el último día. Eso lo obligaba además a estar informado con la actualidad del mundo. En 23 años, de 1892 a 1915, cruzo el Atlántico 13 veces.

Podemos decir muchas cosas da Darío, pero lo que es indiscutible es su obra. Estudió con los Jesuitas, pero también fue contradictorio en el plano espiritual. Así se refleja en dos de sus poemas más famosos:

SPES

Jesús, incomparable perdonador de injurias,

óyeme; Sembrador de trigo, dame el tierno

pan de tus hostias; dame, contra el sañudo infierno,

una gracia lustral de iras y lujurias.

Dime que este espantoso horror de la agonía

que me obsede, es no más de mi culpa nefanda,

que al morir hallaré la luz de un nuevo día

y que entonces oiré mi «¡Levántate y anda!»

LO FATAL

Dichoso el árbol, que es apenas sensitivo,

y más la piedra dura porque esa ya no siente,

pues no hay dolor más grande que el dolor de ser vivo,

ni mayor pesadumbre que la vida consciente.

Ser y no saber nada, y ser sin rumbo cierto,

y el temor de haber sido y un futuro terror…

Y el espanto seguro de estar mañana muerto,

y sufrir por la vida y por la sombra

y por lo que no conocemos y apenas sospechamos,

y la carne que tienta con sus frescos racimos,

y la tumba que aguarda con sus fúnebres ramos,

¡y no saber adónde vamos, ni de dónde venimos!…

El autor es uno de los nueve bisnietos de Rubén Darío de la rama centroamericana de Rafaela Contreras.

Imagen de portada: Gentileza de Martín Katz Darío

FUENTE RESPONSABLE: La Nación. Cultura. Por Martín Katz Darío. Febrero 2022

Sociedad y Cultura/Literatura/Homenaje/Rubén Darío

 

LAS CARTAS PROHIBIDAS DE TCHAIKOVSKY SALEN A LA LUZ: LA POLÉMICA VIDA OCULTA DEL COMPOSITOR.

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El compositor de El lago de los cisnes es una de las figuras más misteriosas de la música clásica. 

A pesar de que el genio fue muy discreto en lo que a su vida personal se refiere hoy, 128 años después de su muerte, se ha convertido en centro de polémicas comprometiendo a la ley de propaganda homosexual rusa. ¿Tchaikovsky era gay?

Empecemos por el comienzo. ¿Quién era realmente Piotr? Lo cierto es que, aunque hoy se le considera un emblema de la historia rusa, el genio nunca se sintió especialmente vinculado a su tierra. 

De alguna manera fue un incomprendido dentro de las fronteras de la tierra que le vio nacer. Sus composiciones hoy constituyen un patrimonio cultural a nivel global y, aunque a nivel de ritmo cuentan con claras influencias del patriotismo ruso, él nunca llegó a sentirte ruso del todo, al menos no desde una perspectiva tradicionalista.

De hecho, podríamos decir que logró hacer despegar su carrera gracias a un mecenas extranjero del que, según revelan algunas de sus cartas, se enamoró.

Gracias a ellas hoy podemos saber que cuando caía el telón y la función terminaba, su figura intelectual y genuina se transformaba en alguien que hoy sigue generando polémicas. 

Más allá de la apariencia que el artista quiso construir, existía un hombre tremendamente femenino que sintió un amor casi obsesivo con su madre (quien al morir, le sumió en un profundo vacío) y que, además, era abiertamente homosexual.

Fuente.

Las cartas prohibidas de Tchaikovsky.

Así lo ponen de manifiesto las cartas que escribió Piotr a puño y letra y en las que ponía de manifiesto sus deseos prohibidos por otros hombres, algunos de ellos, amigos con los que se relacionaba a diario.

Esta dimensión más humana del célebre compositor ha tratado de reprimirse e invisibilizarse durante mucho tiempo dentro de Rusia. 

No olvidemos que el país es uno de los más homófobos que existen en el mundo y uno de los que presentan un rechazo claramente institucionalizado hacia la homosexualidad (la ley contra la propaganda LGBT es sólo un ejemplo de los muchos recursos legales que implementa para silenciar y oprimir a aquellas personas que se salen de la estricta heteronormatividad) .

El hecho de que Piotr Tchaikovsky, uno de sus símbolos nacionales históricos más importantes, se revele como homosexual, genera un sentimiento de vergüenza generalizado por lo que intentan una y otra vez reinventar la vida personal del genio y cuestionar la autenticidad de sus cartas.

En total, su correspondencia asciende a más de 5.000 cartas que se conservan en el interior de la Casa Museo Estatal Tchaikovsky, en Moscú. Marina Kostalevski es la autora de un libro que revela el contenido de las mismas:

“Dios santo, qué criatura tan angelical, cómo echo de menos ser su esclavo, su juguete, su propiedad”, relató el compositor en una de ellas hablando de uno de sus sirvientes domésticos. La autora incluye algunas de las anécdotas más oscuras de su vida sexual oculta y afirma que tenía un sentido del humor “descarado”.

En otro fragmento, Piotr narra que le ofreció dinero en efectivo a un joven “de belleza impresionante” a cambio de que mantuviese relaciones sexuales con él, a lo que éste se negó y según declara el artista “lo hacía por amor al arte, porque le encantaban los hombres con barba”.

Junto a estas confesiones, también figura uno de sus fetiches: El voyeurismo. De hecho afirma que lo practicaba con su amigo Petashenka. Según cuentan sus propias letras, juntos se reunían en su apartamento para espiar a los cadetes que formaban filas en el cuartel. Entre sus conversaciones secretas también figuran algunas con su hermano Modest (abiertamente homosexual) o las que mantenía con amantes como Iosif Kotek (uno de sus alumnos) o su compañero Aleksey Apujtin.

Esta información ha sido negada de forma frontal en innumerables ocasiones por Vladimir Medinsky, ministro de cultura. 

En realidad los esfuerzos para desmentir su veracidad han sido bastante variados. Uno de ellos adquirió forma de película biográfica que ocultaba esta dimensión de su vida. No obstante, no es algo extraño. No olvidemos que reflejar relaciones homosexuales en los medios de comunicación rusos es algo penado por la ley y, dentro de un proyecto de financiación estatal, es algo que está totalmente descartado.

Imagen de portada: Fuente.

FUENTE RESPONSABLE: La piedra de Sísifo. Gabinete de    Curiosidades. Diciembre 2021.

Sociedad y Cultura/Rusia/Música/Genios virtuosos/Homosexualidad

Claude Monet, el pintor de los nenúfares que quiso pintar el aire y escandalizó París.

Sentó las bases del estilo artístico y fue el padre de la pincelada suelta que dio nombre al Impresionismo. Rechazado y admirado a partes iguales por sus contemporáneos, Claude Monet (París, 1840 – Giverny, 1926), se adelantó a su tiempo y plasmó su percepción de la naturaleza y los paisajes, experimentando con los matices que la luz aportaba a la escena. 

Su pincel buscaba las sensaciones del ojo, y lejos de comunicar una historia o dar una instrucción moral, recorría el lienzo ahuyentado de lo oscuro y dejando como legado, noventa y cinco años después de su muerte, la pintura del sol naciente.

Dibujante de caricaturas desde niño, su historia empieza y termina en su jardín, donde con tan sólo 19 años el artista francés ya pintaba paisajes y marinas junto al paisajista Eugène Boudin y el también pintor y grabador neerlandés, Johann Jongkind. «Me dijeron que tenía talento y que tenía que trabajarlo», contó el artista en una de sus cartas. Y lo hizo. 

Tras el pintor de las Hermanas de la Caridad, Armand Gautier, o Constant Troyon, fue la huella de Édouard Manet quien impulsó con su modernidad al Monet que llevó a la máxima expresión la voluntad de plasmar los estímulos más inmediatos de la naturaleza. Y es que otros pintores «quieren pintar un puente, una casa, un barco. Yo quiero pintar el aire que envuelve el puente, la casa, el barco; la belleza de la luz en la que se encuentran», escribió. Sus obras empezaron entonces a dejar de un lado el marrón agrio y vestir los naranjas, rojos, verdes y azules que le acompañaron hasta sus últimos días.

‘Madame Monet y el Niño’. CLAUDE MONET

Su visión del mundo era más colorista que el mundo original, y en su trayectoria destacan desde las impresiones ópticas que subyacen en A la orilla del agua (1868); a su incipiente tendencia a la abstracción en La Grenouillère (1869); sus vistas de Argenteuil con la dársena y la regata; el ritmo urbano de El Boulevar des Capucines con la animada vida en las calles de París, y hasta su Campo de amapolas. 

Pero nada le otorgó éxito de primeras. La evolución pictórica de Monet, en cuanto a los temas elegidos y al estilo, se distanciaba cada vez más de los cánones que establecían los grandes salones y galería y, por consiguiente, el éxito económico se alejaba de él irremisiblemente. Las obras de Monet fueron rechazadas en varias ocasiones, pero, aun así, logró hacerse, sin quererlo, con el título de ser la figura clave del movimiento impresionista hasta su muerte en 1896, a causa de un cáncer pulmonar.

«El color es mi obsesión diaria, mi alegría y mi tormento»

Giverny, la ‘musa’ de Monet

«En este pueblo con encanto, la luz es especial como en ningún otro lugar», decía el artista impresionista refiriéndose a Giverny, el pueblo que le inspiró en la creación de sus obras. 

En la Alta Normandía, la localidad de Giverny se sitúa en la orilla derecha del río Sena y cuenta con tan sólo unos 500 habitantes. Allí, en 1883, con 43 años y viudo de su primera esposa, Monet decide instalarse con sus hijos, la que sería su segunda esposa, Alice Hoschedé, y los hijos de ésta. Claude Monet pintó entonces algunos de sus cuadros más famosos, entre ellos Catedral de Rouen, Álamos, Las Casas del Parlamento (resultado de un viaje a Londres realizado en 1899)y Mañanas en el Sena, inspirados en los jardines de su propia casa, donde seleccionaba cada año las flores y plantas que quería cultivar para retratarlas en sus cuadros: «El pintor que se coloca ante la realidad no debe hacer distinciones entre sentido e intelecto», afirmaba.

‘Los nenúfares’. CLAUDE MONET

Pero además, tras infinitos requisitos administrativos, el pintor consiguió montar un estanque asimétrico y exótico, y, fascinado por el arte de Japón, un puente japonés que dio vida a las conocidas series de Ninfeas o nenúfares que, más tarde, se asociaron a las aportaciones de Vasili Kandinsky, Paul Klee, Picasso y Georges Braque, como símbolos del nacimiento de la abstracción en la pintura occidental, tras largos siglos de predominio de la representación figurativa.

Imagen de portada: Gentileza de Carmen Vivas

FUENTE RESPONSABLE: El Independiente. Por Marta Menéndez. Diciembre 2021.

Sociedad y Cultura/Arte pictórico/Genios virtuosos/Homenaje/Claude Monet

Hace 100 años, Einstein ganó el Nobel de Física pero no fue por la Teoría de la Relatividad.

El 10 de diciembre de 1921, Albert Einstein ganaba el Premio Nobel de Física. Sin embargo, no fue por su revolucionaria Teoría de la Relatividad, sino por otra demostración sobre la luz.

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La Teoría de la Relatividad de Albert Einstein cambió la forma de concebir el Universo. Fue revolucionaria. Sin embargo, no fue por esto que el físico alemán ganó el Premio Nobel de Física el 10 de diciembre de 1921, sino por otra demostración: el efecto fotoeléctrico.

¿De qué se trata? Todo comenzó en 1887, cuando el físico alemán Heinrich Rudolf Hertz descubrió que, cuando la luz (visible o ultravioleta) incide sobre la superficie de algunos metales, el metal emite electrones. «Ahora sabemos que lo que ocurre es que los fotones de luz chocan contra los átomos en la superficie del metal y en ese choque se liberan electrones», aclaró el doctor en Física del Instituto Balseiro, Marcelo Kuperman, a AIRE. Esto es lo que se conoce como el «efecto fotoeléctrico».

Sin embargo, pensar en fotones supone pensar en que la luz no es una onda sino que está compuesta por partículas que hoy llamamos fotones. «Durante mucho tiempo coexistieron las teorías sobre la naturaleza ondulatoria y corpuscular de la luz pero, hacia fines del siglo XIX, la idea de pensar en la luz como una partícula había sido descartada», contó. 

Pero las observaciones del efecto fotoeléctrico no podían ser explicadas pensando en la luz como una onda. Tampoco alcanzaba con simplemente pensar en la luz como una partícula. Hacia falta algo más. «Hacia fines del siglo XIX, la idea de pensar en la luz como una partícula había sido descartada», contó Kuperman. «Ese algo más nace de las ideas de Max Planck que, en 1900 propuso que la energía no puede tomar valores continuos sino que está organizada en pequeños paquetitos a los que llamó cuantos. Planck ganó el premio Nobel de Física en 1918 por estos trabajos, que dieron lugar unos años más tarde a la mecánica cuántica», explicó Kuperman.

El aporte de Einstein

Albert Einstein unió la concepción de la luz como partículas, los fotones, y las ideas de Planck sobre la discretización de la energía y pudo explicar lo que se observaba con el efecto fotoeléctrico. «En ese momento las ideas de Planck no eran aceptadas por la comunidad científica, como tampoco lo fueron las ideas de Einstein sobre la Relatividad en los primeros años tras su formulación», dijo el físico.

Albert Einstein unió la concepción de la luz como partículas, los fotones, y las ideas de Planck sobre la discretización de la Energía y pudo explicar lo que se observaba con el efecto fotoeléctrico.

Albert Einstein unió la concepción de la luz como partículas, los fotones, y las ideas de Planck sobre la discretización de la Energía y pudo explicar lo que se observaba con el efecto fotoeléctrico.

Einstein unió la concepción de la luz como partículas, los fotones, y las ideas de Planck sobre la discretización de la energía y pudo explicar lo que se observaba con el efecto fotoeléctrico. «Pero Einstein estaba más allá de las convenciones y paradigmas de su época y no dudó en ensayar las ideas de Planck para explicar un fenómeno sin explicación», contó.

Llega el premio

Otro físico, llamado Robert Millikan, pasó casi diez años tratando de demostrar que la teoría de Einstein sobre el efecto fotoeléctrico no era correcta, «pero logró lo contrario, confirmarla», señaló el físico del Balseiro. Esta confirmación experimental fue lo que le permitió a Einstein recibir el Nobel en 1921 y a Millikan en 1923.

La confirmación experimental de Millikan fue lo que le permitió a Einstein recibir el Nobel en Física.

La confirmación experimental de Millikan fue lo que le permitió a Einstein recibir el Nobel en 1921 y a Millikan en 1923.

Mientras tanto, la Teoría de la Relatividad general de Einstein recibía su primera confirmación experimental con el eclipse de 1919. 

Leer más ► ¿Cómo un eclipse pudo comprobar la Teoría de la Relatividad de Einstein? 

«Tras la confirmación experimental, la Teoría de la Relatividad podría haber sido premiada con el Nobel. Entender por qué se eligió el efecto fotoeléctrico y no a la Relatividad es objeto de debate. El motivo responde más a cuestiones políticas que a cuestiones académicas», analizó Kuperman.

  • Robert Millikan y Albert Einstein. Millikan pasó casi diez años tratando de demostrar que la teoría de Einstein sobre el efecto fotoeléctrico no era correcta, pero logró lo contrario, confirmarla. 

Imagen de portada: Gentileza de Aire Digital

FUENTE RESPONSABLE: Aire Digital Por Astrid Galetti. Diciembre 2021.

Sociedad y Cultura/Genios Virtuosos/Ciencia/Investigación/Albert Einstein/Premio Nobel.

12 frases magníficas de Jorge Luis Borges.

El autor del Aleph dejó un puñado de frases que reflejan su elocuencia y su genio y que lectores de todas las latitudes vienen memorizando hace años.

Yo no hablo de venganzas ni perdones, el olvido es la única venganza y el único perdón.
Uno no es lo que es por lo que escribe, sino por lo que ha leído.
No eres ambicioso: te contentas con ser feliz.
La duda es uno de los nombres de la inteligencia.
Siempre he sentido que hay algo en Buenos Aires que me gusta. Me gusta tanto que no me gusta que le guste a otras personas. Es un amor así, celoso.
Todas las teorías son legítimas y ninguna tiene importancia. Lo que importa es lo que se hace con ellas.
El tema de la envidia es muy español. Los españoles siempre están pensando en la envidia. Para decir que algo es bueno dicen: “Es envidiable”.
Hay que tener cuidado al elegir a los enemigos porque uno termina pareciéndose a ellos.
Que el cielo exista, aunque nuestro lugar sea el infierno.
El tiempo es la sustancia de que estoy hecho.
Yo siempre seré el futuro Nobel. Debe ser una tradición escandinava.
He cometido el peor pecado que uno puede cometer. No he sido feliz.
Creo que con el tiempo mereceremos no tener gobiernos.

Imagen de portada: Gentileza de Entre Líneas

FUENTE RESPONSABLE: Entre Lineas

Literatura/Genios Virtuosos/Nuestros escritores/Jorge Luis Borges.