Turquía desvela los espectaculares restos descubiertos en Karahantepe.

La Universidad de Estambul acaba de revelar al mundo las magníficas piezas encontradas en este yacimiento del sureste de Turquía. Aunque las excavaciones empezaron en 2019 tras la desescalada del conflicto sirio, no ha sido hasta este año que el equipo del profesor Karul Necmi ha alcanzado el nivel de los templos y desenterrado centenares de pilares y esculturas.

Si deseas profundizar sobre este tema; por favor cliquea donde esté escrito en “negrita”. Muchas gracias.

Los inicios del Neolítico fueron una época en la que surgieron numerosos asentamientos en Anatolia y Mesopotamia. Cerca de la actual Sanliurfa se construyeron a mediados del siglo X a.C. un conjunto de templos en Göbekli Tepe, lugar que se convirtió en el epicentro de una cultura en la que destacan los templos circulares de piedra decorados con columnas antropomorfas talladas con todo tipo de imágenes animales.

Fue en esa época cuando en la colina de Karahan (o Karahantepe), a solo 32 kilómetros, se fundó otro poblado que para muchos científicos es el primer poblado de la historia al contar con residencias fechadas en torno al 9400 a.C y articuladas en torno a un santuario.

El agua era esencial en los rituales celebrados en Karahantepe, en la imagen piscina ritual decorada con pilares tallados con forma de hombres y animales.

EL AGUA ERA ESENCIAL EN LOS RITUALES CELEBRADOS EN KARAHANTEPE, EN LA IMAGEN PISCINA RITUAL DECORADA CON PILARES TALLADOS CON FORMA DE HOMBRES Y ANIMALES. Foto: Ministerio de Cultura de Turquía

UN DESCUBRIMIENTO RECIENTE

Aunque este lugar ya se conocía desde 1997, no ha sido hasta tiempos recientes que el Ministerio de Cultura turco ha empezado a excavar el sitio sacando a la luz un extenso complejo sagrado que rivaliza con el famoso Göbekli Tepe.

Iniciados en 2019 los trabajos han continuado hasta el presente. Si bien las primeras capas no fueron muy prometedoras las últimas campañas han desenterrado más de 300 estelas y pilares junto con muchísimas esculturas de todo tipo talladas en piedra caliza.

Todos estos objetos no se encontraron de cualquier manera sino que los habitantes los enterraron de manera cuidadosa cuando cubrieron ritualmente el lugar en el momento de su abandono. Así las estatuas humanas fueron decapitadas, se les cortó la nariz y sus cabezas fueron puestas del revés, mirando hacia las paredes.

Al tratarse de una representación de un ser humano al completo esta escultura es una de las obras más revolucionarias del yacimiento, al ser una evolución de los pilares antropomorfos todavía imita la postura tradicional con las manos en el bajo vientre.

AL TRATARSE DE UNA REPRESENTACIÓN DE UN SER HUMANO AL COMPLETO ESTA ESCULTURA ES UNA DE LAS OBRAS MÁS REVOLUCIONARIAS DEL YACIMIENTO, AL SER UNA EVOLUCIÓN DE LOS PILARES ANTROPOMORFOS TODAVÍA IMITA LA POSTURA TRADICIONAL CON LAS MANOS EN EL BAJO VIENTRE. Foto: Francesc Cervera.

Curiosa estatuilla con dos cabezas de la que se conserva la parte superior. Presenta algunas innovaciones artísticas como una banda que le sujeta el pelo o el hecho de que sus cabellos hayan sido tallados con forma de estrías cerebrales. Al tener dos caras podría representar a alguna dualidad (joven-viejo, hombre-mujer, bueno-malo).

CURIOSA ESTATUILLA CON DOS CABEZAS DE LA QUE SE CONSERVA LA PARTE SUPERIOR. PRESENTA ALGUNAS INNOVACIONES ARTÍSTICAS COMO UNA BANDA QUE LE SUJETA EL PELO O EL HECHO DE QUE SUS CABELLOS HAYAN SIDO TALLADOS CON FORMA DE ESTRÍAS CEREBRALES. AL TENER DOS CARAS PODRÍA REPRESENTAR A ALGUNA DUALIDAD (JOVEN-VIEJO, HOMBRE-MUJER, BUENO-MALO). Foto: Francesc Cervera.

UN SANTUARIO COMPLEJO

En el centro de la área excavada se erige una gran sala circular de 23 metros de diámetro. Al igual que las de Göbekli Tepe el peso de su techo de madera lo sostenían dos grandes pilares con forma de T hoy caídos y rotos por la presión del sedimento. Según los investigadores, en las paredes se dispusieron unos pilares algo más pequeños separados por bancos tallados en la roca o construidos con losas.

Al fondo de este gran recinto había un podio decorado con estelas y tótems en el que se levantaba un trono desde el que el líder del poblado o la divinidad presidía las reuniones de su comunidad.

Junto a esta estancia los antiguos pobladores del lugar tallaron dos piscinas en la roca alimentadas por canalizaciones que recogían el agua de la lluvia. 

Una de ellas, presidida por un misterioso rostro masculino y profusamente decorada con estelas, conectaba con el salón por una pequeña ventana por la que, según el profesor Necmi, los creyentes descendían para darse un baño purificador tras el que ascendían a la luz por una escalera tallada en la roca.

Este aplanado rostro era la parte superior de una estela en sustitución de los animales. Tras la cara se puede ver un agujero por el que quizás colgaba del techo. Este tipo de piezas son habituales en el lugar.

ESTE APLANADO ROSTRO ERA LA PARTE SUPERIOR DE UNA ESTELA EN SUSTITUCIÓN DE LOS ANIMALES. TRAS LA CARA SE PUEDE VER UN AGUJERO POR EL QUE QUIZÁS COLGABA DEL TECHO. ESTE TIPO DE PIEZAS SON HABITUALES EN EL LUGAR. Foto: Francesc Cervera.

Diversas cabezas de animales (leopardo, zorro,...) halladas en el yacimiento y que, al encontrarse cortadas por el cuello, los arqueólogos creen que eran parte de estelas y tótems antes de ser decapitadas y enterradas. Primera fase de ocupación.

DIVERSAS CABEZAS DE ANIMALES (LEOPARDO, ZORRO,…) HALLADAS EN EL YACIMIENTO Y QUE, AL ENCONTRARSE CORTADAS POR EL CUELLO, LOS ARQUEÓLOGOS CREEN QUE ERAN PARTE DE ESTELAS Y TÓTEMS ANTES DE SER DECAPITADAS Y ENTERRADAS. PRIMERA FASE DE OCUPACIÓN. Foto: Francesc Cervera.

EL HOMBRE Y LA BESTIA

Al igual que sucede en el resto de yacimientos contemporáneos las primeras producciones artísticas del poblado se centraron en los animales, algo típico para una cultura seminómada basada en la caza de gacelas y la recolección de frutos y cereales silvestres.

De este modo las esculturas de los inicios de Karahantepe combinan a hombres con depredadores, como se puede ver en los numerosos tótems encontrados en el lugar. Estas representaciones se situaban a veces mirando hacia la entrada de la habitación, para espantar con su fiero aspecto todo lo que quisiera entrar sin permiso en las vidas de los locales, desde catástrofes naturales a malos espíritus.

Este gran tótem leopardo es la pieza más espectacular encontrada en el yacimiento. Milagrosamente intacta fue hallada en actitud de guardián mirando hacia la puerta. Como es habitual en este tipo de piezas representa a un hombre cargando a cuestas con un leopardo, un animal muy representado en Karahantepe que podría considerarse su espíritu protector o símbolo.

ESTE GRAN TÓTEM LEOPARDO ES LA PIEZA MÁS ESPECTACULAR ENCONTRADA EN EL YACIMIENTO. MILAGROSAMENTE INTACTA FUE HALLADA EN ACTITUD DE GUARDIÁN MIRANDO HACIA LA PUERTA. COMO ES HABITUAL EN ESTE TIPO DE PIEZAS REPRESENTA A UN HOMBRE CARGANDO A CUESTAS CON UN LEOPARDO, UN ANIMAL MUY REPRESENTADO EN KARAHANTEPE QUE PODRÍA CONSIDERARSE SU ESPÍRITU PROTECTOR O SÍMBOLO.Foto: Francesc Cervera.

Sin embargo, con el tiempo la extensión de la agricultura separó al hombre de sus raíces nómadas, con lo que los animales fueron desapareciendo de la iconografía religiosa en favor de una visión más antropocéntrica. Máscaras y retratos humanos suplantaron pues a los depredadores, cuya influencia sobre las vidas de los habitantes iba disminuyendo conforme se dominaba la tierra.

Así pues, los recientes descubrimientos realizados en los últimos dos años han desvelado al mundo un yacimiento de suma importancia. Tan relevante como lo fue Göbekli Tepe en los años noventa, el conjunto de santuarios de Karahantepe permitirán a los investigadores comprender mejor esta curiosa cultura surgida hace más de 11.000 años en la parte más septentrional del Creciente Fértil.

Imagen de Portada: Gentileza de National Geographic Por Francesc Cervera

FUENTE RESPONSABLE. NATIONAL GEOGRAPHIC

Descubrimientos/Arqueología/Turquía/Civilizaciones.

Soledades literarias.

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La relación entre García Márquez y Vargas Llosa, tan cercana al principio y tan tirante después, y sobre todo ahora tan desigual (sólo uno de ellos vivo, aún con la posibilidad de la palabra), sigue siendo de gran actualidad editorial. Ya comenté aquí Historia de un deicidio, el estudio de Vargas Llosa sobre García Márquez, y ahora le toca el turno a Dos soledades, una magnífica charla entre ambos escritores que se realizó allá por el mes de septiembre de 1967 en el auditorio de la Universidad de Ingeniería de Lima, un momento increíble para la literatura pues García Márquez acababa de publicar Cien años de soledad apenas hacía tres meses (ya era un éxito) y Vargas Llosa era el ganador del Premio Rómulo Gallegos por La casa verde, recibido hacía unos días en Caracas. 

Hay que imaginar a un Vargas Llosa de 31 años y a un García Márquez de 40 inaugurando una poderosa amistad que sería una de las más grandes del Boom y que más tarde se rompería con cajas destempladas. Porque el tiempo todo lo deteriora y desgasta. Los dos jóvenes que hablan en esa conversación serían ambos premios nobel de Literatura, como si fuera poco, pero sobre todo serían, junto con Cortázar y Fuentes, los mosqueteros de la literatura de América Latina y, al menos por un par de décadas, de toda la lengua española.

Los temas que tratan no pueden ser más estimulantes: ¿para qué sirve un escritor? Ambos concuerdan en la función subversiva de la literatura.

“Ninguna buena literatura exalta los valores establecidos”, dice García Márquez. Queda registrado también el valor de las experiencias personales a la hora de escribir, la recreación obsesiva de los recuerdos, las lecturas y las experiencias culturales, los hechos históricos, los hechos sociales y, en el caso de García Márquez, un tema predominante en ese momento: la soledad. La soledad del poder, la soledad de los pueblos abandonados a su solitaria suerte. ¿Se aprende a escribir? Sí, dice García Márquez: se aprende leyendo y escribiendo, y para ello la escritura debe ser una actividad excluyente. 

Esto es algo que Vargas Llosa ha dicho hasta el cansancio: la vocación literaria debe suprimir todo lo demás porque el escritor es un deicida que pretende suplantar el mundo. En cuanto a lo económico, García Márquez, que acaba de sobrevivir a una larga pobreza, opina que a un escritor le conviene tener sus problemas resueltos. Se escribe mejor así, dice, en un momento en que lleva apenas tres meses de una bonanza que habría de durar toda la vida.

Un tema curioso es Borges. Ambos lo critican por sus posiciones políticas, pero lo admiran por su prosa. “Me gusta su violín”, dice García Márquez. En ese momento ambos eran jóvenes de izquierda, algo que poco después Vargas Llosa abandonaría para siempre. 

Por eso relacionan el apogeo de la novela con las crisis de una sociedad y concuerdan en la responsabilidad política del escritor. Aunque García Márquez diga: “El principal deber político de un escritor es escribir bien”. Para Vargas Llosa, lo importante de un escritor son sus obsesiones, mucho más que sus convicciones. 

Coinciden en Faulkner, en Defoe. Difieren sobre el Amadís de Gaula. Una estupenda lectura repleta de consejos y con el aliento juvenil de dos enormes colosos, aunque aún ellos no lo sepan.

Imagen de portada: Gentileza de El Espectador

FUENTE RESPONSABLE: El Espectador. Por Santiago Gamboa

Literatura/Genios virtuosos/Gabriel Garcia Marquez/Mario Vargas Llosa.

Virginia Woolf y Jorge Luis Borges, dos poemas para surcar el cielo.

Me gustaría dedicarme a coleccionar nubes, catalogarlas en figuras imposibles y archivarlas en una mente poco entrenada para el placer de contemplar la belleza efímera, esa que se transforma con el viento.

Sería una buena tarea la de escudriñar las formas de estos seres etéreos que vagan entre el cielo y la tierra. Me encantaría que me enseñaran a distinguir cada pequeño mechón de algodón que forman paisajes callados encima de nuestras cabezas. Saber algo más de ellas, por qué descargan su ira, por qué se empeñan en esconder soles de invierno, de qué están hechas, a qué suenan y si sienten algo cuando las atravesamos con aviones inoportunos en latitudes, destinos y horarios.

   

jorge fin nubes

Pintura de Jorge Fin

Quizá me haga miembro del original club conocido como ‘Cloud Watchers’ (observadores de nubes), nombre que incluso ha dado título a una colección pictórica de quien posiblemente sea el miembro más activo de los cloud watchers: Jorge Fin, el ‘pintor de nubes ‘. Un club está dado al mero hecho de mirar, de observar, de ponerles formas a un estado de ánimo, a un momento. 

Volamos, una vez más, a la palabra en voz de dos relatores de la vida.  Las nubes alimentan la imaginación colectiva, las observamos para tratar de revelar sus misterios. Hoy queremos observarlas a través de sus palabras. 

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Pintura de Jorge Fin

Jorge Luis Borges, “Nubes”

No habrá una sola cosa que no sea

una nube. Lo son las catedrales

de vasta piedra y bíblicos cristales

que el tiempo allanará. Lo es la Odisea,

que cambia como el mar. Algo hay distinto

cada vez que la abrimos. El reflejo

de tu cara ya es otro en el espejo

y el día es un dudoso laberinto.

Somos los que se van. La numerosa

nube que se deshace en el poniente

es nuestra imagen. Incesantemente

la rosa se convierte en otra rosa.

Eres nube, eres mar, eres olvido.

Eres también aquello que has perdido. 

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Pintura de Jorge Fin

Virginia Woolf, fragmentos de Las olas

Allí estaban las nubes grises y flotantes y el árbol clavado, el árbol implacable con su corteza de plata cincelada.

El borbollón de mi vida era infructuoso. Yo no podía pasar al otro lado.

Él disipa las nubes de polvo que se agitan en mi espíritu trémulo, ignominiosamente agitado, y el recuerdo de las danzas alrededor del Árbol de Pascua de los regalos envueltos en papel.

Se diría que el mundo entero estuviese hecho de flotantes líneas curvas: los árboles en la tierra y en el cielo las nubes.

A través de las ramas de los árboles contemplo el cielo.

Parece que la partida se estuviera jugando allá arriba.

Débilmente, entre las suaves nubes blancas, escuchó el grito de: «¡Correr!» o «¡Arbitraje!».

Las nubes parecen perder guedejas de blancura a medida que la brisa las va despeinando.

Si aquel azul pudiera durar eternamente, si aquel hueco entre las nubes pudiera durar eternamente, si este instante pudiera durar eternamente…

Tomo a los árboles y a las nubes como testigos de mi completa integración. 

Imagen de portada: Gentileza Cultura Inquieta – Por Jorge Fin

FUENTE RESPONSABLE: Cultura Inquieta por Silvia Garcia

Literatura/Genios virtuosos/Virginia Woolf/Jorge Luis Borges

Un buzo israelí rescató del fondo del mar una espada de 900 años que habría pertenecido a un caballero cruzado.

El aficionado sacó el tesoro del Mediterráneo y los arqueólogos marinos la estudian y acondicionan para exhibirla como una reliquia histórica.

Una espada que habría pertenecido a un caballero cruzado que navegó a Tierra Santa hace casi un milenio fue recuperada de las profundidades del Mediterráneo por un buzo aficionado, informaron funcionarios de la Unidad de Arqueología Marina de la Autoridad de Antigüedades de Israel. Aunque tiene organismos marinos incrustados, la hoja, empuñadura y guarnición de más de un metro eran lo suficientemente características como para reconocerla después de que las corrientes submarinas movieron las arenas que la habían ocultado.

De 1,20 metros de largo y recubierta de organismos marinos, la espada  fue recuperada como un tesoro, entre otros artefactos antiguos que incluían anclas y cerámicas

De 1,20 metros de largo y recubierta de organismos marinos, la espada fue recuperada como un tesoro, entre otros artefactos antiguos que incluían anclas y cerámicas.

Ariel Schalit – AP

Shlomi Katzin encontró el arma, que se estima tendría unos 900 años, en el fondo del mar, mientras buceaba el sábado frente a la costa de Carmel en el norte de Israel. La ubicación de la espada, una ensenada natural cerca de la ciudad portuaria de Haifa, sugiere que había servido como refugio para los navegantes, dijo Kobi Sharvit, director de la unidad de arqueología marina del organismo. ”Estas condiciones han atraído a barcos mercantes durante eras, dejando atrás ricos hallazgos arqueológicos”, afirmó.

Los expertos dijeron además que la espada antigua probablemente fue descubierta después de que las olas movieran la arena. También se encuentran en las cercanías anclas de metal, de piedra y fragmentos de cerámica. La ley israelí requiere que cualquier objeto encontrado sea devuelto a la nación. Ahora, la espada será limpiada y restaurada para poder ser puesta en exhibición.

Después de su descubrimiento, Katzin agregó que tomó la espada del lecho marino por temor a que el hallazgo fuera robado o enterrado, y lo entregó a las autoridades. Por su acción recibió un certificado de reconocimiento por “buena ciudadanía”.

La imagen, tomada hoy, muestra la antigua espada de 900 años en la playa del puerto israelí de Cesarea,  días después de ser descubierta por un buceador local

La imagen, tomada hoy, muestra la antigua espada de 900 años en la playa del puerto israelí de Cesárea, días después de ser descubierta por un buceador local

JACK GUEZ – AFP

La espada, que mide alrededor de 1,20 metros, estaba en “perfecto estado”, según expresó el comunicado sobre este “hallazgo hermoso y raro” que probablemente perteneció a un caballero cruzado. 

“Es emocionante encontrar un objeto tan personal, que te lleva 900 años atrás, a una era diferente, con caballeros, armaduras y espadas”. La costa norte de Israel tiene muchas calas donde los barcos antiguos encontraron refugio de las tormentas, continuó Sharvit, arqueólogo marino, y agregó que las antiguas ciudades portuarias y otros asentamientos se construyeron alrededor de calas más grandes. “Estas condiciones han atraído a los barcos mercantes a lo largo de los siglos, dejando tras de sí ricos hallazgos arqueológicos”.

El hallazgo remite a la época de los caballeros, armaduras y espadas: “Es emocionante encontrar un objeto que nos lleva 900 años atrás", dijeron los especialistas

El hallazgo remite a la época de los caballeros, armaduras y espadas: “Es emocionante encontrar un objeto que nos lleva 900 años atrás”, dijeron los especialistas

JACK GUEZ – AFP

Según la opinión de los expertos, publica The Washington Post, el descubrimiento de artefactos antiguos por nadadores y buceadores recreativos se ha vuelto cada vez más común en los últimos años en medio de la creciente popularidad de los deportes acuáticos en la región. 

También consignan que las cálidas temperaturas de esas aguas podrían haber ayudado a preservar la espada de hierro. La vida marina se adhirió al arma “como pegamento” mientras se oxidaba el hierro, dijo Sharvit al New York Times ayer. 

Las autoridades tienen la intención de exhibir la espada después de que se haya limpiado e investigado. Eli Escosido, director general de IAA, elogió a Katzin en un comunicado por entregar el artefacto a las autoridades. “Cada artefacto antiguo que se encuentra nos ayuda a armar el rompecabezas histórico de la Tierra de Israel”.

Imagen de portada: Gentileza de JACK GUEZ – AFP

FUENTE RESPONSABLE: LA NACION Por Jack Guez AFP

Cultura/Arte/Arqueología

Con otro de sus libros, Mariana Enriquez aspira a otro premio internacional.

La obra de la escritora argentina que, a través de 12 relatos góticos y de terror, construye una atmósfera metafórica sobre temas y problemáticas actuales, integra la lista de obras nominadas al Premio Kirkus, que otorga un premio de US $50.000.

El libro de cuentos “Los peligros de fumar en la cama”, de la escritora Mariana Enriquez, el mismo texto por el que hace pocos meses aspiraba al prestigioso Booker Prize Internacional, integra ahora la lista de obras nominadas al Premio Kirkus, un galardón dotado de US$ 50.000, cuyo fallo ganador se dará a conocer el 28 de octubre en Austin, Estados Unidos.

En su traducción al inglés por Megan McDowell, “Los peligros de fumar en la cama” fue definido en junio de este año por Kirkus Reviews -la publicación que otorga el premio- “insidiosamente absorbente, como arenas movedizas”.

“Bueno yo sé que hoy el tema es otro, pero estoy nominada a este premio con Megan McDowell. También está Joy Williams así que es totalmente imposible que lo gane”, dijo en su cuenta de Twitter la escritora y periodista argentina, autora de la premiada novela “Nuestra parte de noche” y del libro “Las cosas que perdimos en el fuego”, que pronto tendrá uno de los relatos adaptados al formato audiovisual.

Dotado de una generosa cifra para un certamen literario, US$ 50.000, el premio Kirkus se otorga de forma anual en tres categoría -ficción, no ficción y literatura para jóvenes- y es impulsado por la revista Kirkus Reviews, una publicación de reseñas y críticas literarias que al año revisa entre 8.000 y 10.000 libros de todo el mundo, de los cuales un diez por ciento reciben una estrella de reconocimiento. Sobre esa Kirkus Star, se eligen seis finalistas en cada categoría.

“La lista de finalistas de este año es tan excepcional como cualquiera que hayamos visto”, dijo el editor jefe de Kirkus Reseñas, Tom Beer.

Junto al libro de Enriquez, aspiran a la categoría de ficción “The love songs of W.E.B Du Bois”, de Honorée Fanonne Jeffers, la novela que se convirtió en éxito editorial luego de ser seleccionada en el club de lectura de Oprah Winfrey; también “Harlem Shuffle” de Colson Whitehead; “Harrow” de Joy Williams; “My Monticello” de Jocelyn Nicole Johnson y “Bolla” de Pajtim Statovci.

EL LIBRO

“´Los peligros de fumar en la cama´ da cuenta de un lugar de aprendizaje como escritora, y también puedo ver con claridad cómo en ese momento ya estaba eligiendo cosas: pobreza, chicos vulnerables, la ciudad, los traumas familiares, los cuerpos de las mujeres (…) Hoy, una década después y con traducciones de por medio, puedo ver cómo están conectadas, que hacen un libro”, dijo la autora en una charla en mayo pasado a propósito de su nominación al Booker.

Las tres obras ganadoras del Kirkus se darán a conocer el 28 de octubre en una ceremonia que tendrá lugar en la Biblioteca Central de Austin, en Texas, Estados Unidos.

 Imagen de portada: Gentileza de enriquez.def

FUENTE RESPONSABLE: Rosario 3

Cultura/Literatura/Nuestros escritores.

5 poemas de ‘En donde resistimos’, de Francisco Caro.

Francisco Caro (Piedrabuena, 1947) se licenció en Historia Moderna y Contemporánea. Ha ejercido la docencia. Reside en Madrid, en donde vive a tiempo compartido con su pueblo natal. Su primer libro de poesía escrito y editado fue Salvo de ti, que apareció en 2006. Desde entonces ha venido publicando con cierta periodicidad. El último ha sido Aquí, en este mismo año 2021. En el transcurso ha recibido algunos reconocimientos, entiéndase por tales los premios Juan Alcaide, Jovellanos, Ciudad de Alcalá, José Hierro, Leonor y González de Lama, entre otros. En el año 2019 apareció una antología de su obra bajo el título Este nueve de enero. Mantiene desde no sabe el blog Mientras la luz.

En donde resistimos, que tienes entre manos, se dejó sentir y comenzó a escribirse después de una visita invernal a la Casa del poeta en Moguer. Tras ella, acudieron destinos, instantes, conversaciones. 

También los días extraños. Y aquello que nos ha permitido soportar el rigor del refugio: el amor, el alba y la tarde, las lecturas, las interrogaciones, los paisajes, lo necesario, las lluvias y lo inútil. Los estadios humildes en donde hemos resistido.

Como el que escribe y oye

caer el agua anónima, serena,

sobre los agotados campos,

y escucha su bondad, y al percibir

el ritmo y el instante

de la lluvia abandona

el lápiz que sostiene, sus papeles aparta

y ajeno a la escritura en donde residía

acude a contemplar

cómo la tierra empapa y oscurece,

y atreve una palabra

pequeña por sus labios,

y dice gracias

porque sabe que en este

soplo de vida,

en esta sencillez que nada pide,

habita la humildad de la belleza.

***

ALTAS NUBES DE ENERO

Ojalá y nunca, Konstantino,

necesitemos a tus bárbaros

y sea la llegada de un poema

el hecho que nos salve

de la inacción,

del envilecimiento.

***

AQUEL CIELO MOJADO

Y aquel andar,

y aquella tarde lluvia del día 28,

de tan extraña,

de tan escasa luz

andábamos descalzos de certezas,

volvíamos de un cielo al otro lado

del agua y de las cosas,

sin pausas acordadas y entre olivos,

sin edad ni alimentos,

vestidos con el hambre de lo que no germina,

nos sentíamos

tan solamente dos supervivientes, dos

seres inhábiles

hace tiempo que callas, me dijiste,

y el aire se hizo hueco entre nosotros

caminábamos

lo que llaman regreso

siento el poema

como una delación, te respondí.

***

LA POESÍA O NADA

Vemos el sol caer, convengo

contigo en que la vida es caminar

cegados laberintos

o soledades agrias

escríbela,

me dices,

sálvate del secreto de vivir, escupe todo.

***

PARA HACER NECESARIO LO QUE SOMOS

El susurro, sus modos,

la edad del aguacero,

velar, nombrar acaso, sabernos tú en el lino

dormida, yo en lo oscuro: por el insomnio vino

la noche a recordarme cuánto quiero

fuera llueve y abril

se guarda azul y entero

en mi cuerpo y el tuyo, y nos llama al camino

de la entrega y la hondura: qué harán las nubes sino

arreciar, mientras somos, su aguacero

cesará la canción,

se dormirá la almohada

en su cansancio dulce, vendrá el alba a quedarse

porque el día y el patio querrán vernos

del nocturno del mundo

volveremos sin nada,

si no es con la certeza de que amar es gastarse

y que gastarnos juntos es tenernos.

—————————————

Autor: Francisco Caro. Título: En donde resistimos. Editorial: Hiperión.

Imagen de portada: Gentileza de Zenda. Autores,libros y cía.

FUENTE RESPONSABLE: Zenda.Autores, libros y cía.

Literatura/Poesía

Willem, el ‘bisnieto’ de Vincent Van Gogh que hoy custodia sus obras de arte: “Yo no pinto ni un poco”.

ENTREVISTA 

El asesor del museo

El holandés visitó Madrid este septiembre, con motivo de la inauguración de Meet Vincent Van Gogh, la exposición sobre el pintor que se presenta en Madrid, hasta enero de 2022.

 

El 2 de junio de 1973, el gobierno neerlandés inauguró el Museo Van Gogh, la conocida pinacoteca, ubicada en Ámsterdam, en la que se despliega el legado de Vincent Van Gogh. 

Es decir, una colección de 700 pinturas que, antes de exhibirse en un espacio público, descansaban en la casa de Willem, el sobrino bisnieto del artista, quien además de ser el asesor de su museo, se dedica a recorrer el mundo hablando sobre su “tío”. Es más, el pasado 29 de septiembre, Willem aterrizó en Madrid para asistir a la inauguración del Meet Vincent Van Gogh, la “nueva experiencia inmersiva”, que se presenta en el Espacio Ibercaja.

“Me gusta mucho Madrid. Hay mucho arte para ver y la gente es muy amable. La comida también es deliciosa. Tenéis unos vinos increíbles. Como el Rioja o el Ribera del Duero. 

Pero lo que más me gusta es que hasta el 9 de enero vais a poder disfrutar de Meet Van Gogh. Una experiencia increíble, con la que vais a poder sumergiros en el mundo de Vincent, pisar sus huellas, sentir la emoción de su arte y conocer distintos pasajes de su vida”, comentó Willem en una entrevista con LOC, en la que también desvela varios secretos de su archiconocido pariente.

“Me gustaría que la gente supiera que Vincent era un artista que nunca se daba por vencido. Siempre exploraba cosas nuevas. Por ejemplo, en una de estas salas se exhiben cerca de 800 pinturas y la verdad es que todas se ven diferentes. 

Porque la misión de Vincent era explorar el arte y creo que eso interesa mucho. Vincent podía pintar el retrato de un campesino, las olas del mar, los girasoles, la naturaleza, dos amigos, a un cartero, un café, su casa o su habitación… Y por eso creo que su pintura sigue tan vigente. Como todo el mundo toma café o tiene un dormitorio es fácil sentir una conexión con él”, relata.

Asimismo, Willem piensa que muchas personas pueden sentirse identificadas con los procesos artísticos de Van Gogh. De hecho, a él mismo le hubiese gustado analizar a su “tío” y conocer, en profundidad, su trabajo. “Si Vincent estuviese vivo, creo que me encantaría salir con él y observar mientras trabaja, ver cómo pinta. 

Eso es lo que más relevante me parece. Es impresionante la cantidad de pinturas que realizó. En 10 años realizó 1.000 pinturas -de las cuales solo 860 sólo son conocidas- y algunas fueron hechas en solo un día. Y eso me provoca mucha curiosidad”, cuenta Willem, quien creció rodeado de sus creaciones.

Y es que el abuelo de Willem era el hijo de Theo, el hermano más querido de Vincent, a quien envió la mitad de sus pinturas. Esa es la razón por la que gran parte de sus obras estaban en la casa de sus familiares. 

“Conozco gran parte de los cuadros de Vincent. Pero mi favorito es Almendro en flor. Creo que es una de las pinturas más hermosas que se han hecho en la historia. Además, el Almendro es uno de mis preferidos, porque Vincent le dedicó ese cuadro a su sobrino, mi abuelo, quien en su adultez decidió compartir la colección con el mundo y abrir el Museo Van Gogh. Creo que eso es muy emotivo”, explica.

Pero los cuadros no es lo único que Willem heredó… Sino también las cerca de 600 cartas que Vincent envió a Theo, contándole sobre su vida, sus penas y sus labores artísticas. “He leído casi todas esas cartas, pero he tardado 20 años en hacerlo. 

Mi carta favorita es una en la que Vincent le escribe a Theo ‘nosotros tenemos cierta responsabilidad con la próxima generación’. Le dice algo como ‘las estrellas en el cielo iluminaran a las próximas generaciones de artistas’. Esa es una de mis citas favoritas”, menciona Willem. No obstante, el holandés debe reconocer que las palabras de sus antepasados no lo han inspirado lo suficiente como para convertirse en pintor.

“Yo no pinto ni un poco. Una vez lo intenté. Pero no quedé muy contento con los resultados. Tomé clases de pintura, pero creo que no es lo mío. Me gusta el arte, pero me siento mejor como asesor que como artista”, afirma sobre su actual misión en el Museo Van Gogh. 

“Me gusta mucho trabajar en el museo, es muy reconfortante y a la vez desafiante. Ahora nos enfrentamos al reto de volver a recibir al público tras el covid, además de garantizar el acceso a la colección para las generaciones futuras. Creo que lo que hacemos es muy inspirador. Sobre todo ahora, que estamos próximos a nuestro aniversario número 50”, finaliza.

Imagen de Portada: Gentileza de El Mundo España

FUENTE RESPONSABLE: El Mundo España por Andrea M. Rosa del Pino

Cultura/Pintura/Van Gogh/Entrevista

La historia no contada de la obra maestra de Van Gogh que nadie se tomó en serio.

“LOS COMEDORES DE PATATAS”

Los radiantes girasoles hicieron mundialmente famoso a Vincent van Gogh. Hasta hoy. Pero su primera gran obra fue muy diferente: oscura, los personajes toscos y casi grotescos. Un fracaso con consecuencias.

Cinco personas están sentadas en una estrecha cocina cenando. Los rostros son toscos y distorsionados. Narices bulbosas, manos huesudas y nudosas. Todo es oscuro, sombrío. “Los comedores de patatas” es una de las primeras obras maestras de Vincent van Gogh (1853-1890). No obstante, el pintor holandés se hizo mundialmente famoso con Los girasoles y sus paisajes del sur de Francia inundados de luz. 

Por primera vez, el Museo Van Gogh de Ámsterdam dedica una exposición exclusivamente a esta especial obra temprana del pintor. A partir del pasado viernes se expondrán unos 50 cuadros, bocetos, dibujos y cartas. Su objetivo es contar la historia del cuadro. Una “historia de ambición y perseverancia”, como dijo este jueves (08.10.2021) la directora del museo, Emily Gordenker.

“El cuadro nunca se vendió ni se expuso en vida de Van Gogh”. Sin embargo, hoy en día es mundialmente famoso y se considera una obra clave en el desarrollo del pintor, agregó.  

Uno de los cuadros “más pensados” de Van Gogh

Vincent van Gogh pintó “De aardappel eters” en 1885 durante un periodo tormentoso que pasó con sus padres en Nuenen, en el sureste de los Países Bajos. Había realizado numerosos estudios y bocetos para ello. Es uno de los cuadros “más pensados” de Van Gogh, dijo Bregje Gerritse, conservadora del museo.  

“Él no buscaba la perfección técnica con su cuadro (…). Para él, el cuadro era un éxito, y aunque no usó el término ‘obra maestra’, la consideró similar a Los girasoles, su Dormitorio en Arlés o La Berceuse”, explica Gerritse.

El propio pintor lo describió, no obstante, como un “examen de maestro” y, según Gerritse, quería hacer su gran salto al éxito con él. Pero el cuadro fracasó. Van Gogh fue muy criticado, sobre todo por los colores tan sombríos y la representación distorsionada de las personas. 

Por primera vez, el Museo Van Gogh de Ámsterdam se centra exclusivamente en una exposición en la historia de la primera obra maestra del pintor holandés: Los comedores de patatas. Alrededor de 50 pinturas, bocetos, dibujos y cartas se expondrán a partir del 08.10.2021.

Por primera vez, el Museo Van Gogh de Ámsterdam se centra exclusivamente en una exposición en la historia de la primera obra maestra del pintor holandés: “Los comedores de patatas”. Alrededor de 50 pinturas, bocetos, dibujos y cartas se expondrán a partir del 08.10.2021.

Van Gogh: “Este es mi mejor trabajo”

“En 1887, escribió a su hermana Guillermina: ‘Este es mi mejor trabajo’. Eso es muy interesante porque por ese entonces él ya había ido a París, había cambiado sus métodos de trabajo y su estilo, más hacia los colores brillantes, pero aún tenía en mente el cuadro oscuro de Nuenen”, dice la conservadora.

Van Gogh había pintado a cinco personas de una familia de campesinos, cenando a la luz de una lámpara de aceite. Frente a ellos, en la tosca mesa de madera, hay un cuenco de patatas humeantes. Una mujer está sirviendo café. El museo ha hecho recrear una maqueta a tamaño natural de esta escena.  

Representación de la dura vida campesina

Van Gogh quería representar la dura realidad de la vida campesina, una vida que él mismo admiraba. Mostró deliberadamente a los personajes con rostros toscos y manos de trabajo huesudas, dijo Gerritse. 

“Van Gogh quería mostrar a los campesinos en toda su crudeza”. Los colores eran terrosos, oscuros como la tierra, escribió. El color de los rostros era el de “una patata bien desempolvada, sin pelar, por supuesto”.  

Empolvada sobre la repisa de la chimenea de Theo

Pero el cuadro no supuso el ansiado salto en el mercado del arte de París. A su hermano, el comerciante de arte Theo, no le gustó: la colocó sobre la chimenea, ni se molestó en ofrecer a la venta, a pesar de que Van Gogh la quería de tarjeta de presentación. 

Por otra parte, su amigo, el pintor Anthon van Rappard, también la juzgó con dureza, diciendo que era fea y tosca. “¡Venga ya! Creo que el arte es demasiado relevante como para tratarlo con tanta arrogancia”, le dijo Van Rappard, en una crítica que marcó el final de su amistad.

Sin embargo, Van Gogh siguió adelante con ella y durante toda su vida la consideró una de sus mejores obras, y sin duda una de las más importantes.

El mensaje era más importante que la anatomía correcta y la perfección técnica, había explicado. El arte no tenía que ser bello, decía, sino honesto. “Quiero pintar lo que siento y sentir lo que pinto”. Al final de su vida, incluso se planteó pintar una nueva versión de “Los comedores de patatas”.

Imagen de portada: Gentileza de Colección del Museo Van Gogh, Ámsterdam.

FUENTE RESPONSABLE: DW Made for minds.FEW (dpa, EFE)

Van Gogh/Los comedores de patatas/´Pintura/Historia

/Obra maestra/Theo

Subastarán un cuadro de Vincent Van Gogh que lleva un siglo sin darse a conocer al público.

Dos casas de subastas anunciaron que presentarán al público un cuadro del artista neerlandés que llevaba 100 años oculto. La obra, que fue pintada en 1887, muestra a una pareja paseando por Montmartre, en París.

Un cuadro de Vincent Van Gogh que lleva un siglo sin verse en público será subastado en marzo con un precio de venta estimado de entre 5 y 8 millones de euros (entre 6 y 9,7 millones de dólares), anunciaron el miércoles (24.02.2021) las casas Sotheby’s y Mirabaud Mercier.

La obra “Escena de calle en Montmartre (Callejón de los dos hermanos y del Molino de Pimienta)” fue pintada en la primavera de 1887 durante el período que Van Gogh pasó en París (1886-1888) y muestra a una pareja paseando por la colina de Montmartre.

Esta pintura, que ha estado en una colección privada francesa durante un siglo y que no ha sido vista en público desde entonces, será la estrella de la subasta de arte impresionista que ambas casas celebrarán en París el 25 de marzo.

Sobre el recorrido del cuadro desde que Van Gogh lo pintó en 1887, el comisario de la venta, Fabien Mirabaud, dijo en rueda de prensa que creen que “se lo quedó Théo, su hermano, que pasó por algunos intermediarios desconocidos y que antes de 1920 ya estaba en manos de la familia que lo ha poseído desde entonces”.

Las dos casas de subastas eludieron dar detalles sobre la identidad de la familia, pero explicaron que una de las condiciones que se puso para la subasta fue que se celebrará en París, donde les gustaría que se quedara, “aunque han asumido que es posible que termine en el extranjero”, matizó Fabien Mirabaud, de la firma que lleva su nombre.

El lugar que eligió Van Gogh para su obra

Sobre la escena del cuadro, la directora de Arte Impresionista de Sotheby’s, Aurélie Vandevoorde, indicó que en aquella época la parisina colina de Montmartre tenía dos partes: “una más urbanizada, con los conocidos cabarets, y una más rural, con huertos, molinos, cobertizos… Esa es la parte que retrató Van Gogh”.

El pintor neerlandés “prefirió mostrar una escena bucólica antes que un retrato de las salas de baile o los cabarets del barrio”, añadió Mirabaud.

Los expertos que gestionan esta puja confían en que se alcance el precio de salida estimado, que es de entrada inferior, por ejemplo, al que logró en 2020 un paisaje campestre del mismo pintor vendido en los Países Bajos por 15 millones de euros (más de 18 millones de dólares).

El neerlandés Van Gogh (1853-1890) vivió en París entre 1886 y 1888, un período en el que coincidió con algunos de los principales artistas de la época, como Gauguin, Pissarro o Toulouse-Lautrec, contactos que marcaron una fuerte evolución en su pintura, con la que destacó en el postimpresionismo y el expresionismo.

Imagen de portada: Gentileza de Made for Minds

FUENTE RESPONSABLE: Made for Minds-JU (afp, efe, es.euronews.com, bbc.com).

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