Rajacenna van Dam, la mujer que puede pintar con ambas manos y pies a la vez.

Nacer y desarrollar el talento para dibujar está al alcance de unas pocas personas, pero si además hablamos de crear con todas las extremidades, nos sobran dedos de una mano para contar a estos superdotados.

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Tiene 29 años, es holandesa y dibuja igual de bien con la mano izquierda, que con la derecha, pero también con el pie izquierdo y el derecho. Rajacenna van Dam es capaz de hacer retratos hiperrealistas con cualquiera de sus extremidades y, lo que es aún más increíble, al mismo tiempo.

Con cuatro pinceles, lápices o rotuladores, esta artista puede crear cuatro obras al mismo tiempo usando sus dos pies y manos para ello. Una habilidad que nos deja con la boca abierta no solo por su habilidad, sino también por la calidad de todos sus trabajos.

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En los vídeos que ella misma sube a su canal de YouTube, así como en su página de Instagram, podemos comprobar que no miente al hablarnos de su capacidad para pintar con manos y pies a la vez. Los dibujos, para más asombro, están del revés, mirando al espectador, siendo más complicado para ella dibujarlos y más fácil para nosotros admirar el proceso.

Van Dam ha sabido desde siempre que tenía la capacidad para pintar con ambas manos a la vez e igual de bien, pero no fue hasta hace poco cuando probó con sus pies y, como podemos observar, la prueba salió más que bien.

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“Me sorprendió cuánto control tenía sobre mis pies, no me había dado cuenta antes. Hasta ahora, había estado pintando pensando que mis pies no servían para el arte, pero he descubierto que pueden hacer más de lo que creía”.

A esta joven de 29 años, el talento le sale por manos y pies en una demostración artística que nos ha dejado pasmados.

Os dejamos con uno de sus vídeos:

Creating with both FEET and HANDS 6 realistic portraits upside down – 40 minute version

Imagen de portada: Rajacenna van Dam

FUENTE RESPONSABLE: Cultura Inquieta. Por María Toro. 8 de septiembre 2022.

Sociedad y Cultura/Arte/Pintura/Talento/Curiosidades/Retrato/ Hiperrealismo

1582, el año en el que octubre duró 21 días.

LA INTRODUCCIÓN DEL CALENDARIO GREGORIANO

En octubre de 1582, el papa Gregorio XIII introdujo un nuevo calendario que tomó su nombre de él: el gregoriano. Este corregía un ligero desfase del calendario juliano, en vigor desde el año 46 a.C., y es el que se utiliza hoy en día en gran parte del mundo.

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El 4 de octubre de 1582, los habitantes de Italia, Francia, España y Portugal se fueron a dormir para despertarse diez días después, exactamente el día 15 de octubre. No se trató de ninguna enfermedad o extraño fenómeno paranormal, sino simplemente por un mero procedimiento administrativo: un cambio de calendario.

El calendario juliano -introducido en Europa por Julio César, quien se basó en el egipcio- era bastante exacto, pero tenía un pequeñísimo error: establecía la duración del año en 365 días y 6 horas, cuando en realidad era de 365 días, 5 horas, 48 minutos y 45 segundos, lo que suponía que cada año la fecha oficial se atrasaba 11 minutos y 15 segundos respecto a la astronómica. Se trataba pues de una diferencia mínima, pero en los más de 1600 años que el calendario juliano había estado en vigor había acumulado ya un desfase de casi 10 días.

UN ERROR TOLERADO

En realidad el error no era ninguna sorpresa: ya desde el siglo IV se sabía que el calendario juliano no era del todo exacto; y en siglo XIII los astrónomos del rey Alfonso el Sabio de Castilla habían recogido, en las llamadas Tablas Alfonsíes, un cómputo casi exacto del desfase, que fijaron en 10 minutos y 44 segundos por año.

El desfase del calendario juliano era conocido desde el siglo IV, pero solo empezó a ser visto como un problema cuando el error acumulado afectó a la fecha de la Pascua.

A pesar de esto, no se habían tomado medidas al respecto. La razón, aparte de que el desfase era mínimo, era que el calendario importante en la Europa cristiana no era el civil sino el litúrgico y durante siglos no afectó a las fechas señaladas. Solo empezó a ser visto como un problema cuando el error acumulado afectó a la fecha de la Pascua, cuya celebración había sido fijada en el domingo sucesivo a la primera luna llena de primavera.

Fue por ello que el papa Gregorio XIII decidió crear una “comisión del calendario” para implantar las correcciones necesarias, en base a los estudios astronómicos disponibles. De ella formaban parte estudiosos como Christophorus Clavius, un astrónomo al que recurrió el propio Galileo, y Luigi Lilio, que fue el autor principal de una propuesta de calendario que se tomó como modelo. Lilio murió en 1576 sin ver nacer el nuevo calendario, que fue finalmente aprobado en septiembre de 1580. Sin embargo, su aplicación se retrasó hasta octubre de 1582.

La bula Inter Gravissimas fue promulgada por Gregorio XIII en febrero de 1582 y anunciaba las medidas para el cambio de calendario en octubre de ese mismo año. Imagen: CC

LOS PROBLEMAS DEL CAMBIO

Pero la medida no fue muy popular en un primer momento y al principio solo Italia, Francia, España y Portugal la aplicaron, a pesar de que Gregorio XIII la había promulgado a través de una bula papal. Los países católicos adoptaron el nuevo modelo en los años siguientes, mientras que la mayoría siguió usando sus propios calendarios. Todavía hoy en día, en los países que no son de tradición cristiana, se mantiene un sistema dual en el que el calendario católico es usado paralelamente al propio.

Incluso en los países que acogieron de buen grado la reforma, el cambio no estuvo libre de quebraderos de cabeza. El más evidente tenía que ver con los documentos oficiales: se decidió que todas las fechas anteriores a la reforma se mantendrían según el calendario en vigor en ese momento, por la evidente imposibilidad de cambiarlas. Además hubo que revisar todas las fechas administrativas previstas, tales como juicios y pagos, que se retrasaron diez días, generando no pocas complicaciones.

La transición de un calendario a otro dio como resultado algunas anécdotas curiosas. Las personas que habían muerto inmediatamente antes del 5 de octubre -entre las que se encontraban nombres como el de Santa Teresa de Jesús- tuvieron que “esperar”, sobre el papel, otros diez días antes de ser enterradas. Las invitaciones oficiales de países que todavía no habían adoptado el cambio, por no ser católicos, tenían que especificar a qué calendario se referían para evitar confusiones.

Pero la anécdota más curiosa es seguramente que, aunque Cervantes y Shakespeare son homenajeados conjuntamente en el Día del Libro, ninguno de los dos murió ese día: el castellano falleció el 22 de abril de 1616 pero fue enterrado al día siguiente, mientras que en la Inglaterra anglicana seguía vigente el calendario juliano y, por lo tanto, cuando allí era el 23 de abril en España ya era el 3 de mayo.

Aun después de todo ello, el nuevo sistema no resultó ser definitivo, aunque sí más consistente que el anterior. Variaciones en la velocidad de rotación de la Tierra crean una diferencia ínfima de un día cada 3300 años aproximadamente, que se resolvería fácilmente quitando dicho día de un año bisiesto. Pero aún quedan casi 3000 años para ello, así que no hay prisa.

Imagen de portada: CC

FUENTE RESPONSABLE: Historia National Geographic. Por Abel G.M. Periodista especializado de la Historia y los Viajes. 5 de junio 2022.

Sociedad y Cultura/Historia/Curiosidades

 

 

Descubren qué es el extraño ruido que viene del Titanic.

Durante más de dos décadas no se ha podido establecer qué era un misterioso «bip» de sonar cerca del lugar del naufragio. Ahora se encontró la respuesta y es sorprendente.

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El sonido misterioso fue identificado en una nueva expedición de OceanGate Expeditions que examinó los restos del famoso barco. El grupo de investigadores, liderado por Paul Henry Nargeolet, emprendió una misión hasta el lugar donde se encuentra el Titanic y resolvieron el misterio luego de 26 años.

Nargeolet se sumergió a la zona del hundimiento del Titanic más de 30 veces, y fue en 1998 cuando en uno de estos descensos registró un misterioso «bip» de sonar cerca del lugar del naufragio.

En las décadas posteriores, nadie ha podido establecer cuál es el origen de la señal, si otro naufragio, algún tipo de característica geológica o algo completamente desconocido hasta el momento.

El misterio del ruido del Titanic, resuelto

Recientemente, en una expedición al naufragio del Titanic a principios de este año, Nargeolet y sus colegas investigadores pudieron descubrir que los sonidos provienen de un arrecife de aguas profundas repleto de vida marina, a unos 2.900 metros por debajo de la superficie, de acuerdo a lo informado por Science Alert.

Pincha el link para ver el vídeo

A 26-Year-Old Titanic Mystery Solved – Meet Titanic’s Awe-Inspiring Neighbor in the Deep Sea

«No sabíamos lo que descubriríamos. En el sonar, esto podría haber sido cualquier cantidad de cosas, incluida la posibilidad de que sea otro naufragio», indicó Nargeolet. «He estado buscando la oportunidad de explorar este gran objeto que apareció en el sonar hace tanto tiempo. Fue increíble explorar esta área y encontrar esta fascinante formación volcánica llena de vida«, agregó.

Los investigadores observaron esponjas, corales, peces y langostas en la cima de la cresta de basalto, que provisionalmente se ha denominado la cresta Nargeolet-Fanning en honor a Nargeolet y a Oisín Fanning, especialista de la misión en la expedición.

Una ciudad de peces en la profundidad

Si bien tomará algún tiempo revisar todas las imágenes y videos de la reciente inmersión, el equipo desea compartir sus hallazgos con otros científicos para mejorar nuestro conocimiento de la vida marina profunda, dice Science Alert.

Una interesante línea de investigación tiene como objetivo determinar cómo varían los tipos de vida, la concentración de organismos y la composición del ecosistema general entre Nargeolet-Fanning Ridge y el famoso naufragio cerca del cual se encuentra.

Pincha el link para ver el vídeo

First 8K Video of the RMS Titanic

Los investigadores también recolectaron numerosas muestras de agua que pueden pasar por procesos de análisis de ADN ambiental para obtener más información sobre las especies con las que estamos tratando en esta cresta recién descubierta, indica Science Alert.

Los modelos informáticos también se utilizarán para descubrir cómo sobrevive la vida donde está: esto se relaciona con los esfuerzos continuos de los científicos para aprender más sobre cómo las esponjas y los corales logran extenderse tan ampliamente por el océano.

Todo esto influye en la investigación continua sobre cómo el cambio climático también está afectando a los océanos y cómo estos delicados ecosistemas podrían adaptarse y ser capaces de sobrevivir a medida que las aguas se calientan.

Imagen de portada: Los restos del Titanic. Imagen: EFE.

FUENTE RESPONSABLE: Meteored. Por Christian Garavaglia. 1° de noviembre 2022.

Sociedad y Cultura/Titanic/Arqueología submarina/Curiosidades.

 

Las curiosas razones por las que los habitantes de Países Bajos no dicen (casi nunca) «lo siento».

Puede que Países Bajos sea una nación pequeña, pero a los holandeses se les conoce por muchas cosas: las bicicletas, el queso, los coffee shops, los molinos de viento y por ser las personas más altas del mundo.

Sin embargo, hay una cosa que rara vez hacen: los neerlandeses no suelen decir «lo siento».

Expertos como Saskia Maarse, entrenadora intercultural, dicen que hay un motivo cultural detrás de esto.

«A los neerlandeses se les conoce por ser directos, lo que implica que sus mensajes son claros y precisos. Mientras, en la mayoría de países el estilo de comunicación es indirecto, lo que significa que para entenderles tienes que considerar sus valores subyacentes», dice Maarse.

«El estilo de los británicos, por ejemplo, tiene mucha cortesía, diplomacia y tacto. En Países Bajos se trata más sobre la transparencia, la honestidad y la franqueza», añade la especialista.

¿Cómo lo ven personas de otras culturas?

Para los naturales de otros países que viven o se mudan a Países Bajos requiere algo de esfuerzo comprender este curioso hábito.

Verena, nacida en Indonesia, dice que los indonesios no son directos en absoluto.

«Tendemos a darle vuelta a las cosas cuando hablamos. Mientras que los neerlandeses cuando tienen algo que decir lo dicen en mi cara y son directos sobre ello. Van directo al grano», comenta.

Saskia Maarse.

Saskia Maarse explica los motivos por los que los holandeses no expresan disculpas con frecuencia.

Para algunos puede que el estilo de los holandeses suene brusco, aunque entienden que es un asunto cultural.

La BBC salió a las calles de Ámsterdam para recoger opiniones sobre esta singular característica.

«Los jóvenes son muy buenos en sus bicicletas. Siempre se disculpan. Pero otras personas, las generaciones mayores, no. Ellos no dicen ‘lo siento'», dice uno de los entrevistados en la calle.

«Si alguien en un grupo dice algo molesto, persisto y entonces comprendo la razón. Puede que sea por algo positivo, o no, y en ese caso les digo algo. Soy cortés en ese sentido», dice una mujer anciana.

Disculpas que realmente se sienten

Por supuesto, como sucede con cada tendencia, existen excepciones.

Rami, natural de Siria, dice que ha estado lidiando con neerlandeses durante tres años y que dicen «lo siento» con frecuencia.

«Generalmente, dirán ‘lo siento’ si realmente lo sienten. Los británicos, por ejemplo, lo dicen para ser más diplomáticos o corteses, mientras que nosotros decimos que solo debemos pedir disculpas si realmente lo sentimos», explica Maarse.

Molinos de viento en Países Bajos.

Países Bajos es famoso por sus molinos de viento, pero no porque sus habitantes tengan la costumbre de decir «lo siento».

«Si sé que soy el culpable, diré que lo siento. No soporto la injusticia», dice otro neerlandés entrevistado en la calle.

La curiosa raíz histórica

Esta tendencia cultural tiene un curioso origen histórico y práctico.

Según explica Maarse, este estilo de comunicación directo forma parte de una cultura de consenso.

«Si miras la historia, tenemos un enemigo común: el agua», apunta la experta.

Hace siglos, los neerlandeses se vieron forzados a trabajar juntos para encontrar soluciones a los diferentes problemas que ocasionaba el agua con crecidas e inundaciones.

«Se sentaban alrededor de mesas y sostenían largas discusiones y deliberaciones. Se precisaba ser honesto en ideas, pensamientos y opiniones para poder encontrar una solución común», relata Maarse.

Pintura con neerlandeses reunidos.

Enfrentarse al enemigo común, el agua, desarrolló una necesidad de comunicación directa en los neerlandeses.

La especialista dice que también, para considerar todas las opiniones e ideas en serio, las personas tenían que verse unas a otras en igualdad.

Un factor arraigado profundamente que sigue formando parte de su estilo de comunicación.

Malentendidos

Esta franqueza neerlandesa puede causar problemas de traducción, especialmente a personas de otras culturas que por cualquier motivo, especialmente tratando de ser corteses, no siempre dicen lo que piensan.

«Cuando presentamos una idea y alguien [no neerlandés] nos dice: ‘oh, suena interesante’, pensamos que les interesó, aunque también puede ser que no les haya interesado y que piensen que es una mala idea», cuenta Maarse.

«El reto entonces para los neerlandeses es averiguar el significado real de las palabras. Aunque hablemos en inglés [o el mismo idioma], no implica que captemos el mensaje real», añade.

Para nacionales de otros países, dice Maarse, también puede ser un reto que esta franqueza no les choque porque, aunque significa ser honesto y claro, a veces se percibe como ser brusco o incluso arrogante.

Más «lo siento» que «lo siento»

Het spijt me es una frase que usan en neerlandés para expresar una especie de siguiente nivel a un «lo siento» común de otras culturas e idiomas.

Rami, de Siria, y Lynn, de Maastricht.

Lynn, a la derecha, recomienda solo pedir disculpas si realmente lo sientes.

«Het spijt me resulta más serio que decir ‘lo siento’. Realmente viene del corazón», dice Lynn, de la ciudad de Maastricht, en el sur de Países Bajos.

«Involucra más: una historia, una situación», explica Maarse.

«Un ‘lo siento’ es un ‘lo siento’, pero het spijt me es un ‘lo siento’ real real. Solo pide disculpas si realmente quieres decirlo. No lo digas si no lo sientes», aconseja Lynn.

Quizás podamos aprender de los neerlandeses a usar esta frase con todo el cuidado que merece.

Imagen de portada: GETTY IMAGES

FUENTE RESPONSABLE: Michelle Potters; BBC Reel. 8 de octubre 2022.

Sociedad y Cultura/Países Bajos/Costumbres/Curiosidades.

 

Stephen King: 8 curiosidades que no conocías del Maestro del terror.

El célebre autor nacido en Portland, Estados Unidos, es uno de los más reconocidos a nivel mundial. Su obra entera ha vendido miles de copias en el mundo entero, y ha sido llevada al cine y a la televisión en gran cantidad de oportunidades.

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Tanto en la literatura como en el cine es imposible no pensar en el género de terror y que no surja el nombre de Stephen King. Con más de 60 libros publicados, King es uno de los autores más reconocidos de la actualidad y que ha influenciado fuertemente la cultura popular con sus obras de terror y suspenso. No por nada se ha ganador el apodo del Maestro del terror.

Nacido un 21 de septiembre de 1947 en Portland, Estados Unidos, el escritor ha deleitado a generaciones con títulos que han llegado a convertirse en clásicos del séptimo arte como Carrie, El resplandor, It, y Misery, por mencionar algunos.

Lo que muchos no saben es que la vida de Stephen King es casi tan fascinante como las historias que él mismo ha creado. En el día de su cumpleaños número 75, repasaremos algunas curiosidades y datos de la vida del escritor que tal vez no conocías.

EL PROLÍFICO AUTOR CUMPLE 75 AÑOS DE EDAD

1. Es el escritor con mayor cantidad de adaptaciones en la pantalla

Algo muy común que suele surgir entre los aficionados del cine y la televisión es enterarse que hay películas y series de televisión que están basadas en libros de Stephen King. Aún aquellos que no hayan leído o estén familiarizados con la obra del autor habrán visto una película o serie basada en la misma.

El libro de los récords Guinness ha listado 34 películas basadas en sus historias, sin contar las que han surgido en el último tiempo. La adaptación de 2017 de IT, dirigida por el argentino Andy Muschietti, es una de las más exitosas de todas las adaptaciones del autor, logrando una recaudación en taquilla de más de 320 millones de dólares.

2. Detesta la adaptación de El resplandor de Stanley Kubrick

JACK NICHOLSON INTERPRETÓ A JACK TORRANCE EN LA PELÍCULA 

A pesar de ser una de las adaptaciones más aclamadas de toda la obra del autor, King no es para nada fan de la película.

«El personaje de Jack Torrance no tiene historia en esa película. Absolutamente ningúna trama. Cuando vemos a Jack Nicholson por primera vez, está en la oficina del Sr. Ullman, el gerente del hotel, y ya sabes, entonces, está loco como un loco. Todo lo que hace es volverse más loco. En el libro, es un tipo que lucha con su cordura y finalmente la pierde. Para mí, eso es una tragedia. En la película, no hay tragedia porque no hay un cambio real», dijo Stephen en una entrevista refiriéndose a la película.

3. El libro de un reconocido autor lo inspiró a escribir literatura de terror

Cuando era joven se encontraba en el ático hurgando entre las cosas de su padre cuando encontró una vieja copia The Lurking Fear (El miedo que acecha) de H.P. Lovecraft, otro de los grandes autores de terror y ciencia ficción de comienzos de siglo XX.

«Sabía que había encontrado mi hogar cuando leí ese libro», confesó King en una entrevista con Barnes & Noble, autor al que ha homenajeado en numerosas oportunidades a lo largo de su obra con referencias de todo tipo.

4. Prohibió uno de sus propios libros

En 1965, Stephen King escribió una de sus primeras novelas titulada Rage (Rabia). La misma fue publicada en 1977 bajo el pseudónimo de Richard Bachman. La historia gira en torno a un estudiante problemático que secuestra a los estudiantes de su escuela a punta de pistola. 

A finales de los 80, el libro se vio asociado a una serie de tiroteos que tuvieron lugar en escuelas de Estados Unidos, por lo que el autor hizo que lo quitaran de las imprentas.

Aunque King ha declarado que posee armas, en muchas ocasiones se ha manifestado a favor del control de las mismas. En 2013 publicó un ensayo de más de 25 páginas titulado «Armas». «Se necesitó más de una novela para que los tiradores hicieran lo que hicieron… Mi libro no los rompió ni los convirtió en asesinos; encontraron algo en mi libro que les habló porque ya estaban rotos. Sin embargo, vi a Rage como un posible acelerador, por lo que lo saqué de la venta», reflexionó.

5. Formó parte de una banda con otros famosos escritores

Stephen ha declarado ser un gran fanático de la música y es que entre 1992 hasta el 2012 formó parte de la banda The Rock Bottom Remainders. El conjunto musical estaba conformado por Matt Groening, Amy Tan, Mitch Albom, Dave Barry, Ridley Pearson y Barbara Kingsolver. Además es dueño de una estación de radio junto a su esposa Tabitha.

6. Cuenta con una impresionante colección de libros

Además de ser un gran escritor, Stephen King es un ávido lector. En su biblioteca personal alberga más de 17 mil libros, y asegura haber leído la mayoría de ellos. «Si no tienes tiempo para leer, no tienes el tiempo (o las herramientas) para escribir. Así de simple», escribió en sus memorias.

7. Sus mayores miedos

Aunque es el artífice de algunos de nuestros mayores de miedos, el propio maestro del terror tiene algunas situaciones que le generan temor. Una de las cosas que le ponen los pelos de punta a King es el número 13. «Cuando escribo, nunca dejo de trabajar si el número de página es 13 o un múltiplo de 13; sigo escribiendo hasta llegar a un número seguro», escribió en una oportunidad.

Otra de las cosas que aterroriza a Stephen es volar en avión. Cuando le toca emprender giras para promocionar sus libros lo hace en motocicleta o por algún otro medio de transporte. «Viajo en avión cuando tengo que hacerlo, viajo en automóvil cuando puedo», confesó en una entrevista con The New York Times. «La diferencia es que si tu auto se descompone, te detienes en el carril de averías. Si estás a 40,000 pies y tu avión tiene problemas, mueres. Me siento más en control cuando conduzco que cuando vuelo. Esperas que el piloto no tenga una embolia cerebral y muera en los controles».

A STEPHEN SOLO LE GUSTA VOLAR CON SU IMAGINACIÓN 

8. Uno de los autores más ricos del mundo

Stephen King es uno de los autores más exitosos del mundo entero. En 2022 se estima que su fortuna llega a los 500 millones de dólares. Sus libros han vendido más de 350 millones de copias a nivel mundial, además, como ya se mencionó al comienzo, muchas han sido llevadas a la pantalla.

Imagen de portada: Stephen King

FUENTE RESPONSABLE: Qué ver. Por Magela Muzio. 21 de septiembre 2022.

Sociedad y Cultura/Literatura/Stephen King/Curiosidades.

Los secretos del Museo del Prado.

Lo que la condesa de Chinchón escondía bajo su falda que dejó en su momento de piedra a Rajoy.

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Cuentan los restauradores del Museo del Prado que el día que le explicaron durante una visita al entonces ministro de Cultura, Mariano Rajoy Brey, que debajo de los vuelos de la falda de La Condesa de Chinchón (1800) había dibujados dos rostros masculinos enarcó la ceja y pidió que se lo explicaran de nuevo. 

No terminaba de creérselo, cuentan los que asistieron a aquella visita. Ciertamente si uno no es conocedor de los hábitos de los pintores, que reciclaban lienzos cada dos por tres, sorprende esta práctica tan extendida, incluso entre los más grandes. Un claro ejemplo, relatado en esta serie de EL PERIÓDICO DE ESPAÑA sobre Los secretos del Prado, es el de Tiziano, que recicló un lienzo donde tenía pintado a Carlos V para retratar a su hijo Felipe II. 

La condesa de Chinchón -o La Chinchona, como es popularmente conocido- es un retrato «más ancho de lo normal», y esto se debe precisamente a que en la pintura primigenia «había un mueble», según explica Gudrun Maurer, conservadora de Pintura Española del siglo XVIII y de Goya. De ahí que el pintor aragonés seleccionara un lienzo más grande de lo habitual, de 216 centímetros de altura por 144 de ancho. 

«La modelo es muy grande, es superior al tamaño natural, y además nos da la sensación de que la postura es un tanto extraña. Los muslos son larguísimos, salen mucho hacia el espectador y los brazos de la silla parecen colocados a distintas alturas. El de la izquierda está más alto que el de la derecha», asegura Miguel Hermoso, doctor en Historia del Arte especializado en pintura barroca española e italiana y profesor de Arte en la Universidad Complutense de Madrid, que añade que Goya siempre tenía «esos problemas con la anatomía y la perspectiva», si bien matiza que «a pesar de ello es un buen cuadro». 

El retrato utiliza un fondo neutro, y «tiene una armonía de colores muy simple», con grises y un pardo negruzco un poco verdoso en el fondo, lo que según Hermoso es marca de la casa: «Esta restricción voluntaria en los colores también es un signo que usan algunos artistas para demostrar que un cuadro no se hace con mucho colores, sino con talento». 

El ’Photoshop de Goya’: el personaje borrado que sigue presente en el cuadro como un fantasma

El ‘Photoshop de Goya’: el personaje borrado que sigue presente como un fantasma

El estudio técnico del cuadro en el año 2000, después de su adquisición por el Museo por 4.000 millones de pesetas (24 millones de euros), reveló que fue pintado encima de un lienzo ya usado por Goya. En la radiografía se identificó plenamente un retrato en pie de Manuel Godoy, el marido de la condesa, y otro menos visible y subyacente de un caballero joven, que lleva en el pecho la cruz de la orden de San Juan de Malta. 

GIRO DE 180 GRADOS

Ambos fueron cubiertos por esa capa de color beige rosado, utilizada como preparación del retrato final de la condesa, para la que Goya dio la vuelta al lienzo para esconder bajo la falda los otros retratos.  

«En el caso del caballero desconocido seguramente fue un personaje importante», precisa Maurer, que señala que se desconoce por qué no llegaron a buen puerto los dos retratos anteriores. «El de Godoy no estaba terminado como sí lo estaba el del otro caballero», añade.  

Las teorías sobre lo ocurrido son múltiples. Desde que a quienes encargaron el cuadro no les gustara el resultado final y se negaran a pagarlo a que, en el caso de Godoy, no le gustara el resultado, pero una vez abonado pidiera que retratara a su mujer, entre las numerosas posibilidades. Lo cierto es que en la época los lienzos eran caros y los pintores no dudaban en reutilizarlos.

«Goya en esta época es el principal pintor de todo Madrid. Cobra unos precios altísimos. No tiene problemas de material ni de lienzos ni de nada. Quizá hizo el retrato y a Godoy no le gusto y pensó que no podía vendérselo a nadie que no fuera él y lo pintó de nuevo», elucubra el profesor universitario.

Lo que sí está documentado es que Goya conocía a la condesa de Chinchón desde que era niña. Hija del infante Don Luis Antonio de Borbón, hermano de Carlos III, la había conocido en Arenas de San Pedro, donde su familia había sido apartada de la Corte, y es cuando la casan con el primer ministro de Carlos IV, precisamente por orden de este, cuando la hace el retrato de cuerpo entero. 

EXCELENTE RETRATISTA

Eran los cuadros más caros que pintaba Goya -los retratos-, del que toda la aristocracia madrileña reclamaba por entonces sus servicios por su fama de excelente retratista, ya que conseguía muy buenos parecidos de los personajes.  

«La pinta sentada, que es una posición de privilegio, no todo el mundo puede sentarse en la España del siglo XVIII», señala Hermoso sobre un cuadro que parece «pintado con rapidez», explica Maurer, ya que «las brochas y las trazas son rápidas pero de lejos no lo parecen y sugieren movimiento». 

La sala del Museo del Prado donde está ‘La condesa de Chinchón’, de Francisco de Goya./EPE

Al acercarse uno al cuadro percibe que las pinceladas están «dadas al azar», destaca el doctor en Historia del Arte, «casi como que el pincel fuera en zigzag un poco como a Goya le hubiera parecido, pero si te alejas está todo en su sitio y da la sensación de esa muselina muy suave que está cubriendo a la mujer». 

«La condesa tiene una postura elegante, clásica. El cuerpo mira a un lado y la cabeza para otro, como María Luisa en La familia de Carlos IV; crea equilibrio en la figura, que está pensativa», prosigue la restauradora en el análisis de un lienzo que tiene muchos detalles, muchos significados. 

«Las manos están perfectamente sobre su vientre. En aquel momento está encinta; pocos meses después nace su hija Carlota, que fue apadrinada por los reyes. De ahí que su tocado lleve espigas [emblema de fecundidad, como símbolo de la diosa Ceres]. Tiene una expresión de felicidad, porque lo era. Es algo que se desprende de sus cartas a la reina […] Está sentada casi como una virgen esperando», añade Gudrun. 

«Por estar embarazada la parte del vientre es la que está más iluminada, se puede decir que es un rayo de luz blanca que está brillando en el centro», prosigue Hermoso, que también destaca como Goya quiere resaltar «la modestia» del personaje porque «no mira directamente al espectador». «Es casi una representación alegórica de la discreción, de una buena mujer y una matrona casi romana».

El vestido aun así es «última moda, ya que es corte imperio», la moda que arranca con la Revolución francesa y que se olvida de los corsés y las faldas de mucho vuelo que se usaban en España hasta 1780. «El retrato gustó bastante en la época, es muy bonito. Se nota que la modelo le caía bien. La familia de su padre, de hecho, le había ayudado muchísimo en los inicios de su carrera en Madrid», concluye Hermoso sobre el cuadro cuya intrahistoria dejó de piedra a Rajoy. 

Imagen de portada: Vista de ’La condesa de Chinchón’, de Francisco de Goya (1800), y de la radiografía que desveló las pinturas anteriores sobre el lienzo. MUSEO DEL PRADO.

FUENTE RESPONSABLE: DINAMO. España. Por Roberto Bécares y Nacho García. 14 de agosto 2022.

Sociedad y Cultura/Museo del Prado/Pinturas notables/Curiosidades.

 

Los enigmáticos guardianes de la tumba de Tutankamón.

Cuando Howard Carter penetró en la antecámara de la tumba del faraón en el Valle de los Reyes quedó anonadado por la enorme cantidad de objetos que observó en la antecámara. Aunque lo que llamó poderosamente su atención fueron las dos figuras que representaban al faraón y que a modo de centinelas flanqueaban la entrada sellada de la cámara funeraria del rey.

Entre la ingente cantidad de objetos de todo tipo que abarrotaban la antecámara de la tumba de Tutankamón en el Valle de los Reyes, un asombrado Carter, el afortunado egiptólogo británico que descubrió la tumba en 1922, no pudo evitar fijarse en dos estatuas de tamaño algo mayor del natural que flanqueaban uno de los muros de la estancia, que parecía una puerta sellada. 

«Dos estatuas reclamaron y obtuvieron nuestra atención: dos figuras negras de tamaño natural de un rey, una frente a la otra como centinelas, con faldellín y sandalias de oro, armados con un mazo y un báculo y llevando sobre la frente la cobra sagrada como protección […]. Eran figuras extrañas e impresionantes, incluso como las vimos nosotros, medio escondidas por los objetos que las rodeaban», las describió Carter.

Estas figuras, que tanto intrigaron a los arqueólogos cuando las vieron por vez primera, representaban al propietario de la tumba, el faraón Tutankamón, y su función parecía, sin lugar a dudas, la de centinelas de la cámara funeraria del monarca, que se ocultaba tras aquel muro sellado. Las estatuas estaban hechas de madera cubierta con escayola pintada en negro y con elementos dorados. Ambas son muy parecidas ya que se representan de pie, con la pierna izquierda avanzada en la típica postura masculina de caminar y sujetando un báculo de papiro con la mano izquierda y una maza con la derecha. Pero, aunque a primera vista son muy parecidas, en realidad presentan diferencias sustanciales entre ellas.

Las estatuas guardianas tal como se hallaron dispuestas en la entrada de la cámara funeraria de Tutankamón.Foto: Cordon Press

SIMILITUDES Y DIFERENCIAS

Antes de analizar las diferencias entre ambas estatuas tal vez deberíamos hacer hincapié en algunas de sus semejanzas. 

De hecho, las dos muestran al faraón luciendo un collar ancho sobre el pecho rematado con una cadena ancha decorada con un escarabajo alado. Portan asimismo muñequeras y brazaletes, van vestidas con un elaborado faldellín hasta las rodillas con el frontal almidonado en forma trapezoidal y van calzadas con unas sencillas sandalias. Los ojos están hechos de obsidiana y piedra caliza cristalina, y ciñen en su frente el ureo o cobra protectora de la realeza. El negro de la piel posiblemente representa, según los estudiosos, el limo que deja el Nilo tras la inundación, una referencia a la fertilidad y el renacimiento.

Las dos estatuas de Tutankamón van vestidas con un elaborado faldellín hasta las rodillas con el frontal almidonado en forma trapezoidal y van calzadas con unas sencillas sandalias.

Y ¿en qué se diferencian entonces? Pues la diferencia principal entre las dos estatuas del faraón radica en sus respectivos tocados. Una de ellas lleva el típico pañuelo nemes, un tejido de franjas que caía sobre los hombros y se ataba con una trenza en la espalda. A lo largo de la historia egipcia muchas estatuas de faraones se han representado con este tocado ceremonial, asociado al dios solar Re en su acepción de Khepri, el escarabajo que representa el Sol del amanecer. También se cree que identifica al rey con el dios halcón Horus, hijo de Osiris, el señor del inframundo.

Estatua tocada con el nemes a punto de ser embalada rumbo a Londres para ser exhibida.Foto: Cordon Press

La otra estatua, por su parte, va tocada con el afnet o khat, una peluca en forma de «bolsa», una corona que tiene un significado típicamente funerario (solo se ha documentado en este tipo de contextos) y que al parecer está relacionada con la noche y el viaje del difunto al más allá. 

Los expertos consideran que la presencia de estos tocados en ambas estatuas podría representar el viaje nocturno del dios del Sol Re (simbolizado por el tocado khat), que renace de nuevo cada amanecer (lo que está simbolizado por el tocado nemes).

Estatua khat de Tutankamón en su vitrina del Museo Egipcio de El Cairo. Foto: Marie Thérèse Hébert & Jean Robert Thibault / CC-BY-SA-2.0

EL FARAÓN Y LOS DIOSES

Asimismo, las dos estatuas presentan unos textos inscritos en ellas. La estatua tocada con el khat lleva una inscripción en el faldellín que la identifica como «el ka de Horakhty, el Osiris, rey, señor de las Dos Tierras, Nebhkheperure, de voz verdadera». 

Al rey difunto se le identificaba siempre con el dios Osiris, y el epíteto «de voz verdadera» o «justificado» hacía referencia a los muertos. Así, esta estatua sería una representación del ka (uno de los cinco componentes del espíritu humano, posiblemente el más importante) del faraón fallecido.

Howard Carter y su equipo embalan una de las estatuas de Tutankamón para su traslado. Foto: Cordon Press

Por su parte, la inscripción de la estatua tocada con el nemes real la identifica como «el buen dios Nebkheperure, hijo de Re, Tutankamón, gobernador del Iunu meridional, dotado de vida eterna, como Re, durante todos los días». Todas estas referencias, incluida la de «Iunu meridional», nombre con el que se conocía la ciudad de Heliópolis, sede del gran templo dedicado al dios Re, tienen una connotación solar.

«POR TODAS PARTES EL BRILLO DEL ORO»

En cuanto al baño dorado (el color del Sol y de la carne de los dioses) que presentan ambas estatuas en los faldellines, las sandalias, los tocados, los pectorales, los brazaletes, las mazas, los báculos y el perfil de ojos y cejas, los expertos creen que acentúa la conexión de Tutankamón con el dios solar Re mientras vigila con celo la entrada de la cámara funeraria, el lugar más importante y sagrado de la tumba.

Aunque no son estas las únicas estatuas de este tipo localizadas en tumbas reales son, con mucho, las mejor conservadas y las más completas.

Arthur Mace y Alfred Lucas, colaboradores de Howard Carter, examinan una de las estatuas de la tumba de Tutankamón. Foto: Cordon Press

Aunque no son estas las únicas estatuas con dichas características localizadas en tumbas reales sí que son, con mucho, las mejor conservadas y las más completas. También son las únicas de su tipo que presentan un baño de oro tan intenso. 

De hecho, esto sucede con mucha frecuencia en otras estatuas rituales de Tutankamón y en gran cantidad de objetos hallados en la tumba. Este uso extensivo del oro resultó deslumbrador para los descubridores de la tumba del faraón, como describe el propio Carter en su libro sobre el sensacional hallazgo: «Al principio no pude ver nada ya que el aire caliente que salía de la cámara hacía titilar la llama de la vela, pero luego, cuando mis ojos se acostumbraron a la luz, los detalles del interior de la habitación emergieron lentamente de las tinieblas: animales extraños, estatuas y oro, por todas partes el brillo del oro…».

Imagen de portada: Estatua de Tutankamón tocada con el pañuelo nemes ceremonial. La pieza formó parte de una exposición sobre el tesoro del faraón llevada a cabo en Londres en 2019.Foto: Cordon Press

FUENTE RESPONSABLE; National Geographic en Español. Por Carme Mayans, Redactora. 4 de septiembre 2022.

Antiguo Egipto/Tumbas/Tutankamón/Curiosidades

 

 

 

 

 

 

Una niña de 8 años contactó a la Estación Espacial Internacional y habló con un astronauta: así fue la emotiva charla.

Isabella Payne, desde su hogar en Inglaterra, conversó con el comandante Kjell Lindgren, en la Estación Espacial Internacional. ¿De qué hablaron?

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Una charla fuera de este mundo protagonizó la pequeña Isabella Payne, de 8 años. ¿Su interlocutor? El comandante Kjell Lindgren, astronauta de la NASA, desde la Estación Espacial Internacional. ¿Cómo lo logró?

Así fue la gran aventura de Isabella Payne.

La pequeña es hija de Matt Payne, un radioaficionado inglés. Utilizando el equipo de Matt, M0LMK, lograron contactar al laboratorio espacial, ubicado a más de 400 kilómetros de la Tierra.

Durante un par de minutos, Isabella habló con el comandante Lindgren, que está al frente de la expedición SpaceX Crew-4.

El intercambio fue así:

—Bienvenida a la Estación Espacial Internacional.

—Mi nombre es Isabella, tengo 8 años.

—Isabella, es genial hablar contigo. Gracias por hablar por radio y saludar.

—Gracias. Que tengan un vuelo seguro.

Corto, conciso, pero muy emotivo. Será una experiencia inolvidable para la pequeña Isabella, que sigue cultivando el amor por la radio junto con su padre, Matt.

Los códigos de radio del padre de la pequeña y la Estación Espacial Internacional

Tanto Isabella como el comandante Lindgren utilizaron códigos de radio que son traducidos por la Estación Espacial Internacional.

  • Mike Zero Lima Mike Kilo – MZMLMK, que es el indicativo del padre de Isabella.
  • November Alpha One Sierra Sierra – NA1SS, el indicativo de la Estación Espacial Internacional.
  • Five and Nine, la conexión de audio es alta y clara.
  • Seven threes: Cuídate, saludos.

El agradecimiento por Twitter

Luego del contacto, el padre de la pequeña escribió en su cuenta de Twitter, recordando un evento en el que ya había conocido a un astronauta:

“23 de abril de 2016: Una niña de 2 años se sentó en mis rodillas y vio a los estudiantes de la escuela Wellesley House conversar con el astronauta Tim Peake en un evento que ayudé a organizar. Hoy ella tuvo su oportunidad. Muchas gracias, Kjell, has cambiado su mundo”.

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Conversación

Kjell Lindgren

@astro_kjell

I’ve had a lot of fun using the #ARISS amateur radio station #NA1SS on the @Space_Station to talk with ham radio operators all over the world. I’ve even (unofficially) worked stations on all continents! But this may be my favorite contact so far. Thanks Isabella and @m0lmk!

Traducido del inglés al

Me he divertido mucho usando la estación de radioaficionado #ARISS #NA1SS en el @Space_Station para hablar con radioaficionados de todo el mundo. ¡Incluso he trabajado (extraoficialmente) en estaciones en todos los continentes! Pero este puede ser mi contacto favorito hasta ahora. Gracias Isabella y @m0lmk !

El comandante Lindgren respondió: “Desde la Estación Espacial Internacional he hablado con radioaficionados de todo el mundo. ¡Incluso he trabajado (extraoficialmente) en estaciones en todos los continentes! Pero este pudo haber sido mi contacto favorito hasta ahora. ¡Gracias Isabella y Matt!”.

Imagen de portada: Isabella Payne La niña en la tableta del astronauta Lindgren en la Estación Espacial Internacional.

FUENTE RESPONSABLE: Fayer Wayer. Por Kiko Perozo. 30 de agosto 2022.

Estación Espacial Internacional/Espacio; NASA/Ciencia/Inglaterra/ Curiosidades

 

 

El día que el rey Luis XIV puso de moda las cirugías anales en toda Francia.

«La Gran Operación» del Rey Sol francés mantuvo en vilo al palacio y al reino entero. Tras salir exitosamente de la peligrosa cirugía, caballeros y damas nobles quisieron imitarlo. En palabras de un historiador, hubo «¡una epidemia de fístulas en Versalles!».

En 1686, un doloroso bulto que se había estado desarrollando en el trasero de Luis XIV, rey de Francia, había progresado hasta el punto de que el monarca ya no podía sentarse, andar a caballo, caminar o hacer otras cosas sin sentir un dolor espantoso que intentaba disimular bajo su siempre imponente manto de majestuosidad.

El «Rey Sol» tuvo los primeros síntomas del mal que pondría su vida en serio peligro a principios de aquel año. Según el doctor de la corte, D’Aquin, el monarca se quejó «de un pequeño tumor en el perineo, al lado de la apertura de las nalgas, a dos dedos del ano, bastante profundo, poco sensible al tacto, incoloro, sin rojez, ni pulsaciones».

Luis XIV tenía entonces 44 años. Se vio obligado a hacer reposo absoluto y soportar todo tipo de tratamientos, como cataplasmas de plomo y cicuta, lo que generó una gran preocupación en su círculo más íntimo. Mientras tanto, la enfermedad del rey se mantuvo en el más estricto secreto.

«Yo no sé en dónde estoy», escribió con preocupación su segunda esposa, Madame de Maintenon. «Me dicen que el trastorno del rey anda bien y, sin embargo, nos hacen meter aún la necesidad de un tijeretazo».

Cuando el régimen prescrito de cuatro enemas al día y ungüentos de lociones y pociones raras no lograron mejorar su condición, la corte se vio obligada a buscar tratamiento de un cirujano, Charles-Francois Félix (1635-1703). Sobre todo, porque pocos confiaban en el doctor D’Aquin, a quien se definía como «un hombre mal visto en toda la corte a causa de su suficiencia y avidez de dinero».

Lo realmente preocupante era que ningún cirujano había curado exitosamente una fístula anal en ese momento de la historia, e incluso las cirugías más simples a menudo conducían a la sepsis y la muerte.

Y, aunque médicos y boticarios podían entonces no saber nada acerca de cómo funciona el cuerpo humano, al menos sus tratamientos para el tratamiento de la sangre y las tinturas de mercurio no mataban a los pacientes si se administraban con cuidado.

Cuando el régimen prescrito de cuatro enemas al día y ungüentos de lociones y pociones raras no lograron mejorar su condición, la corte se vio obligada a buscar tratamiento de un cirujano, Charles-Francois Félix (1635-1703). ​

Las cirugías, por otro lado, en el siglo XVII mataban más gente de la que curaban. De hecho, el título oficial del oficio en ese momento era «barbero-cirujano», porque prácticamente la única habilidad requerida era saber cortar cosas.

Entre otras prácticas terroríficas, era un procedimiento estándar para los barberos-cirujanos reutilizar instrumentos sucios de un paciente a otro, lo que podía convertir a veces a estos voluntariosos cirujanos en «asesinos en serie con bisturí».

Como los médicos de Versalles no sabían como curar al rey, aconsejaron una cura en las aguas de Bareges, que tenían fama de curar esta dolencia, y el Ministro Louvois reunió a decenas de enfermos al lugar para probar suerte. Enfermos que volvieron tan enfermos como habían ido.

Cuando una dama de la corte llegó con la noticia de que las aguas de Bourbon curaban las fístulas, Louvois renovó la experiencia con los mismos enfermos y volvió con los mismos resultados. Desesperado, el ministro llenó su ministerio de personas con la misma dolencia que el rey para que los médicos ensayaran, sin éxito, remedios y cirugías.

Pero, afortunadamente, el doctor Félix resultó ser un cirujano mucho más concienzudo que sus contemporáneos. Le dijo al rey que estaría dispuesto a operar, pero debía esperar unos meses más. Necesitaba algo de tiempo para resolver los problemas de este nuevo procedimiento.

Las cirugías, por otro lado, en el siglo XVII mataban más gente de la que curaban. De hecho, el título oficial del oficio en ese momento era «barbero-cirujano», porque prácticamente la única habilidad requerida era saber cortar cosas

«La Gran Operación»

«Félix no se atrevía a aplicar sus métodos habituales y practicaba tímidas incisiones, abriendo los bordes de la llaga con piedras de cauterio, infligiendo al rey intensos sufrimientos, sin vaciar del todo el absceso», dijo el historiador Georges Bordonove, experto en la vidas de los reyes franceses.

Nancy Mittfor, una historiadora británica, relató: «Hasta el momento, los cirujanos habían luchado en vano con dicha enfermedad; y el cardenal de Richelieu había muerto del tratamiento que le habían dado”.

“Félix, cirujano del rey, tomó a varios desgraciados que padecían esta dolencia y los mandó a tomar las aguas en Bareges, que pasaban por sanarlos. Al no curarse nadie, empezó a operar las fístulas en todos los hospitales de París. Perfeccionó un instrumento que se creía que aminoraba el dolor».

Después de seis meses de ensayar cirugías en plebeyos (y agachándose en medio de la noche para enterrar a muchos de ellos), el doctor Félix finalmente se sintió lo suficientemente confiado para tomar el bisturí en la que se llamó «La Gran Operación», por la importancia del paciente.

El doctor Félix, quien logró reparar la fístula e incluso logró no matar al paciente esta vez, se convirtió de inmediato en una celebridad nacional y la gente de la nobleza comenzó a desear pasar por las manos y el bisturí que habían tenido el honor de tocar las parte íntimas del rey.

En la mañana del 18 de noviembre de 1686, Luis XIV acompañado de Madame de Maintenon y el Padre La Chaise, rezó fervientemente en su alcoba en el Palacio de Versalles. Después de encomendarse a las manos de Dios, el rey se puso en manos del doctor y cuatro boticarios que «hicieron que se echara sobre un travesaño puesto en el borde de la cama, bajo el vientre, para levantarle las nalgas abiertas”, según relata Bordonove.

Y continúa: «Félix hizo la pequeña incisión e introdujo el bisturí regio (…) La intervención duró unos cuantos minutos. Luis XIV, martirizado, no emitió ni un solo grito, no se permitió ni un gemido. A lo sumo, en un cierto instante, suspiró ‘¡Ah, ah… Dios mío!’. Sostenía la mano de Louvois con la suya. Madame de Maintenon rezaba con fervor. La frente de Félix estaba perlada de gotas de sudor».

La Gran Operación cayó como una bomba en Versalles: «El dolor se hizo ver en todos los rostros», manifestaba el periódico Le Mercure Galant. Los cortesanos del rey quedaron atónitos porque el rey pudo recibir embajadores al día siguiente y a las pocas semanas ya montaba a caballo de nuevo. Toda Francia estaba asombrada por su notable recuperación.

Los nobles franceses que fueron «bendecidos» de forma natural con la enfermedad comenzaron a suplicarle al doctor Félix, que estaba en pleno derecho, que los operara con su bisturí «De Calidad Real».

«¡Una epidemia de fístulas en Versalles!»

La cirugía fue tan exitosa, de hecho, que se organizaron celebraciones en todo el país. Los pobres y los nobles brindaron a la salud del «Rey Sol». Mientras tanto, en Versalles, los cortesanos del rey estaban tan encantados (muchos, desesperadamente aduladores) que declararon 1686 como «L’année de la Fistule» (Año de la Fístula). Pero eso no era nada.

El doctor Félix, quien logró reparar la fístula e incluso logró no matar al paciente esta vez, se convirtió de inmediato en una celebridad nacional y la gente de la nobleza comenzó a desear pasar por las manos y el bisturí que habían tenido el honor de tocar las parte íntimas del rey.

«He visto más de 30 personas que querían ser operadas», escribió el barbero real Pierre Dionis. «Tan locos estaban que parecían no entender cuando se les aseguraba que no había ninguna necesidad de ser operados (…) Quienes tenían pequeñas supuraciones o simples hemorroides, no demoraban en presentar su trasero al cirujano para que hiciese sus incisiones».

Una vez que Luis XIV se recuperó por completo, todos quisieron una fístula anal reparada quirúrgicamente, ya sea que tuvieran una o no. Literalmente se puso de moda entre la aristocracia tener un ano doloroso y agujereado:

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«¡Una epidemia de fístulas en Versalles! ¡Y sí,era inevitable! ¡Si se advertía que el rey cogeaba un poco, se cogeaba un poco! Si el rey padecía del ano, todos los cortesanos padecían del ano. Y hacerse operar era más glorioso que una herida de arcabuz en tal o cual campo de batalla», escribió el historiador Michele De Decker.

Los nobles franceses que fueron «bendecidos» de forma natural con la enfermedad comenzaron a suplicarle al doctor Félix, que estaba en pleno derecho, que los operara con su bisturí «De Calidad Real». Los menos afortunados tuvieron que arreglárselas usando vendas en sus perfectamente saludables nalgas, fingiendo haber sido víctimas de la misma enfermedad que el rey.

Otra consecuencia de este logro médico, que es infinitamente menos divertido pero de importancia histórica real, fue que también causó un cambio en la forma en que el público veía el campo de la cirugía. Sería el paso inicial hacia la medicina moderna.

Hasta este punto en el tiempo, los barberos-cirujanos eran vistos esencialmente como comerciantes, un segundo distante en prestigio para sus colegas médicos. Sin embargo, después de L’Année de la Fistule, la cirugía comenzó a verse como una profesión que requería conocimiento e inteligencia, y no solo la capacidad de atravesar el tejido humano.

En cuanto al Cirujano Real, el rey quiso mostrarle su agradecimiento con honores y una fortuna que le permitió comprar una finca, el Señorío de Tassy. Al morir, Félix legó gran parte de sus posesiones a la comunidad de cirujanos de París para que se crease una institución para la enseñanza de la Cirugía, que permitiera el mejor conocimiento de técnicas y procedimientos. De esta manera, nació la Real Academia de Cirugía de Francia, inaugurada en 1731, que en un sitio destacado tiene un retrato de Felix de Tassy con la leyenda: «El primer cirujano de Luis XIV».

Imagen de portada:El «rey sol» Luis XIV puso de moda las cirugías anales en Francia | MUSEO DEL PALACIO DE VERSAILLES.

FUENTE RESPONSABLE: Perfil. Por Darío Silva D´andrea. EDITOR DE BREAKING NEWS DE PERFIL.COM. 15 de agosto 2022

Sociedad y Cultura/Francia/Luis XIV/Historia/Medicina/Curiosidades

 

8 Secretos que se esconden en algunas de las icónicas pinturas de Van Gogh.

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Capturar momentos que perduren en la historia y que además sean reconocidos mundialmente, es una meta que Vincent van Gogh logró alcanzar. Nos muestra que nunca es demasiado tarde, pues tenía 27 años cuando decidió dedicarse a pintar, y en 10 años logró crear alrededor de 870 pinturas, además de bocetos, acuarelas y otras obras. A pesar de que en vida no conoció la fama, su talento fue reconocido tiempo después, y ahora es uno de los artistas más influyentes.

En Genial.guru nos encanta el arte así que pasamos un grato momento recopilando algunos detalles que se esconden en las pinturas más famosas de Vincent van Gogh.

1. Los girasoles

© Vincent van Gogh – The Yorck Project / Wikimedia, © CC BY-SA 4.0

En muchas de las obras del artista holandés resaltan los colores brillantes, sobre todo el amarillo, como en “Los girasoles”, “La casa amarilla” y “Terraza de café por la noche”. Se ha indagado que esto puede deberse a que Van Gogh consumía una planta conocida como digital, que entonces era usada como medicina para distintas enfermedades, entre estas, la epilepsia.

Al ingerir en exceso esta planta se podía desarrollar xantopsia, una patología que afectaba la percepción de los colores, por lo que quienes la presentaban veían los objetos con un tono amarillento. Por ello se cree que Vincent veía con un filtro de ese color, que se reflejaba cuando pasaba su perspectiva a la pintura.

Centrándonos en “Los girasoles”, se considera que el pintor, que produjo en total cinco lienzos con este tipo de flores en un jarrón, comunicaban gratitud. Dos de estas obras las colgó en la habitación del también pintor Paul Gauguin, que vivió con él un tiempo en su estudio llamado la Casa Amarilla.

2. La noche estrellada

© sabinoparente / Depositphotos.com, © Vincent van Gogh / Wikimedia, © © CC0

Se trata de una de las pinturas más icónicas de Van Gogh, sin embargo, cuando él la creó pensó que era un fracaso. La fama de la obra ha inspirado investigaciones que nos han dejado datos como que la luna, que podemos ver en fase creciente en la pintura, en realidad en ese momento habría estado a alrededor de tres cuartos de llegar a luna llena.

Otro dato que se ha destacado es que el pintor plasmó a Venus en el cuadro sin saberlo, ya que en 1985 se realizó una comparación con una recreación del planetario de cómo se vería el cielo el 1 de junio de 1889 y se encontraron similitudes entre la recreación y la pintura que revelaron esta información.

3. Almendro en flor

© Vincent van Gogh / Wikimedia, © © CC0

Los almendros florecen en la primavera y son relacionados con la vida nueva. Por ello, Van Gogh regaló a su hermano Theo y a su cuñada Jo esta pintura cuando nació su sobrino, a quien llamaron como él, Vincent Willem.

“Como te dijimos, le pondremos tu nombre y deseo que sea tan decidido y valiente como tú”, escribió Theo en una carta anunciando la llegada de su hijo.

4. Autorretratos

© Vincent van Gogh – Instituto Cultural de Google / Wikimedia, © CC0

El éxito para el pintor llegó luego de su muerte, gracias a su cuñada Johanna Van Gogh-Bonger, quien luego de la muerte de Theo, su esposo, heredó las obras de Vincent y las dio a conocer al mundo evitando que se quedaran en el olvido.

En vida, el pintor no tenía dinero, y era su hermano quien lo apoyaba económicamente para que él pudiera seguir con el arte. Sin embargo, esta falta de recursos incluso para sus creaciones lo llevaron a pintarse a sí mismo, pues no podía permitirse pagar modelos.

5. Los comedores de patatas

© Vincent van Gogh / Wikimedia, © CC0

Fue la primera obra reconocida de Vincent Van Gogh, en esta decidió darle más fuerza al mensaje que a la composición, y buscó mostrar campesinos con rostros toscos y manos trabajadoras para exponer que ellos mismos habían labrado la tierra para conseguir el alimento que ahora consumían en la mesa. Le dio a la obra, además, los colores que tendría realmente una papa con tierra y sin pelar.

6. El dormitorio

© Vincent van Gogh – Google Art Project / Wikimedia, © CC0

Este es el reflejo de la habitación de Van Gogh que tenía en la Casa Amarilla, en Arles, una ciudad al sur de Francia. Se inspiró en las impresiones japonesas, por lo que en la pintura omitió las sombras. La pintura en realidad no era de los colores que actualmente se exponen, sino que el paso del tiempo los decoloró. Esto se puede ver en las paredes y las puertas que originalmente eran moradas y ahora son azules.

7. La casa amarilla

© Vincent van Gogh – Niels / Wikimedia, © CC BY-SA 2.0

Cuando llegó a Arles, el pintor rentó cuatro habitaciones en una casa en la Place Lamartine. Su idea era convertirla en una casa de artistas para que pudieran vivir y crear en ese edificio amarillo. No obstante, este sueño solo le duró algunos meses. Esta pintura, que se quedó en su familia hasta 1962, muestra como colores primarios el azul y amarillo, que se volvieron distintivos en su obra.

En el lugar real ya no se encuentra la casa, pero se colocó una placa conmemorativa que marca lo que fue el estudio y hogar de Van Gogh.

8. Terraza de café por la noche

© Vincent van Gogh – The Yorck Project / Wikimedia, © CC0, © Leonardo da Vinci / Wikimedia, © CC0

Esta obra no fue firmada por Van Gogh, sin embargo el pintor mencionó específicamente la pieza en tres cartas, por lo que historiadores están seguros de que fue él quien la pintó. En cuanto a la pintura, el investigador Jared Baxter publicó un artículo en el que expone que en esta se muestra una visión innovadora de “La última cena” de Leonardo da Vinci. Esto debido a que en la escena podemos ver una figura central con túnica blanca y cabello largo. También, alrededor de esta se vislumbran 12 personas sentadas, mientras que al fondo brilla la figura de una cruz.

Imagen de portada: Vincent van Gogh

FUENTE RESPONSABLE: The Yorck Projet

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