Raros y maravillosos retratos de la joven Frida Kahlo, por su padre Guillermo Kahlo.

Frida Kahlo (1907 – 1954), fue una pintora mexicana, principalmente conocida por sus autorretratos. La obra de Kahlo es recordada por su «dolor y pasión», y sus colores intensos y vibrantes.

Su trabajo ha sido celebrado, en México, como emblema de la tradición nacional e indígena y por las feministas, por su pintura sin concesiones sobre la experiencia y las formas femeninas.

A continuación os mostramos una colección de retratos raros y hermosos de la joven Frida Kahlo, tomados por su padre Guillermo Kahlo desde la década de 1910 hasta principios de 1930.

 Frida Kahlo a la edad de 2 años, 1909

 Frida Kahlo a la edad de 2 años, 1909

Frida Kahlo a la edad de 4 años, 1911

Frida Kahlo a la edad de 4 años, 1911

3
4

 Frida Kahlo a la edad de 5 años, 1912

Frida Kahlo a la edad de 5 años, 1912

 Frida Kahlo a la edad de 6 años, 1913

 Frida Kahlo a la edad de 6 años, 1913

 Frida (derecha) a los 12 años, con su hermana Cristina (izquierda) y su mejor amiga, Isabel Campos (centro), 1919

Frida (derecha) a los 12 años, con su hermana Cristina (izquierda) y su mejor amiga, Isabel Campos (centro), 1919

 Frida Kahlo de traje, con sus hermanas Adriana y Cristina y sus primos Carmen y Carlos Verasa, 1926

Frida Kahlo de traje, con sus hermanas Adriana y Cristina y sus primos Carmen y Carlos Verasa, 1926

 Frida Kahlo a los 18 años, 1926

Frida Kahlo a los 18 años, 1926

10
Frida Kahlo, 1929

Frida Kahlo, 1929

12
 Frida Kahlo, 1930

 Frida Kahlo, 1930

Frida Kahlo, 1932

Frida Kahlo, 1932

Imagen de portada: Frida Kahlo (Por Guillermo Kahlo)

FUENTE RESPONSABLE: Cultura Inquieta. Por Juan Yuste. 31 de diciembre 2014.

Sociedad y Cultura/Fotografía/Feminismo/Vintage/Retrato/Frida Kahlo/Guillermo Kahlo.

 

 

 

El concurso de fotografía #UrbanPeek nos animó a fotografiar la belleza que nos rodea.

Frank Lloyd Wright creía que “la misión del arquitecto es ayudar a las personas a entender cómo hacer la vida más bella, hacer un mundo mejor para vivir y darle una justificación y un sentido a la vida”.

Si deseas profundizar en esta entrada; cliquea por favor adonde se encuentre escrito en color “azul”. Muchas gracias.

Nuestro mundo es un escenario repleto de esa belleza que buscaba Wright y, nuestras ciudades, el entorno perfecto para alzar la vista y dejar volar nuestra imaginación con lo que existe y con lo que está por construir.

Cada persona es capaz de transmitir su manera de mirar y de compartir la experiencia de observar para tejer entre todos una crónica de la vida cotidiana de nuestro siglo. La fotografía de arquitectura trata de visualizar el espacio contenido entre muros, encontrar la sustancia del vacío y su relación con lo que lo delimita. En el caso de un edificio, trata de situarlo en el contexto de ciudad, cómo dialoga con el entorno, si se mimetiza, se entiende o se hace notar.

Hemos animado la participación abierta, de la mano de Ferrovial y de la V edición de su Concurso de Fotografía #UrbanPeek, a participar con vuestras capturas de fotografía de arquitectura, mostrando vuestra manera de percibir el entorno.

Fotografía de Fernando Vicente Albarrán

Tras el éxito de las anteriores convocatorias, con más de 19.000 fotos recibidas, la compañía multinacional dedicada a las infraestructuras, transportes y movilidad sigue creyendo en este proyecto que nos anima a abrir nuestro apetito visual y a mirar la ciudad con otros ojos para ser capaces de plasmar muchas situaciones diarias que hacen que lo cotidiano se convierta en algo extraordinario.

Fotografía de Luís Rodríguez

Fotografía de Mikel Eguiluz  

Este año, además, el concurso fue paralelo con la Exposición Creación en movimiento: Ferrovial en la mirada del fotógrafo madrileño José Manuel Ballester, que cuenta el viaje del artista a través de las infraestructuras de Ferrovial por el mundo.

Premio Nacional de Fotografía, Ballester es considerado una de las miradas imprescindibles de nuestro tiempo por su trayectoria personal. Procedente de las artes plásticas y cristalizado con rigor en el campo de la fotografía por su singular interpretación del espacio arquitectónico y la luz, además de por su aportación destacada a la renovación de las técnicas fotográficas.

Pura inspiración para quienes nos desarmamos ante la fuerza del entorno, sus formas, funcionalidades y para quienes nos atrevemos a mostrar nuevos ángulos, nuevas formas de ensamblar la luz y de observar lo que está ahí esperando a ser redescubierto, como un ejercicio de justicia poética entre nosotros y nuestra realidad. 

Fotografía de Luís León 

Porque, como decía Frank Gehry: “La arquitectura debería hablar de su tiempo y lugar, pero anhelar la atemporalidad”. 

Gracias a Ferrovial por animarnos a ser cronistas de la arquitectura y de la belleza de nuestro mundo.

Imagen de portada: Fotografía de Roc Isern 

FUENTE RESPONSABLE: Cultura Inquieta. Por Silvia García.7 de septiembre 2022.

Sociedad y Cultura/España/Fotografía/Urban Peck/Arquitectura/Ferrovial.

El talento que nunca fue: descubre 30.000 fotografías realizadas por su madre escondidas en la buhardilla.

Desde los 18 años, Masha Ivashintsova retrató su mundo, pero lo ocultó por miedo a ser juzgada. Sus tres grandes amores y la llegada de la URSS fueron los grandes temas de sus instantáneas.

Masha Ivashintsova nació en 1942 en Rusia, donde pasó toda su vida mirando a la cruda realidad con una cámara siempre de por medio. Falleció en el año 2000, sin que el mundo llegase a conocer su talento, hasta que su hija, Asya Ivashintsova-Melkumyan, decidió hacer justicia a una mujer que fue acallada por una sociedad machista y unos tiempos convulsos para ser libre.

Tras el fallecimiento de su madre, en 2007, Asya rebuscó en sus cajas llenas de recuerdos y pertenencias, almacenadas en la buhardilla familiar. Allí encontró más de 30.000 negativos de carretes sin revelar y los diarios de su madre, con los que comenzó a conocer la verdadera vida de Masha.

Masha dejó de hacer fotografías un año antes de su muerte. Crecida en el corazón de la URSS, los movimientos culturales de la poesía de Leningrado y el movimiento fotográfico de la época forjaron su identidad en plena juventud.

Leningrado, URSS, 1976.Asya Ivashintsova-Melkumyan. Leningrado, URSS, 1978.Leningrado, URSS, 1978.

En ese ambiente cultural, caldo de creatividad, donde conoció a los tres grandes amores de su vida: el fotógrafo Boris Smelov, el poeta Viktor Krivulin y el lingüista Melgar Melkumyan (padre de Asya). Tres hombres que la amaron y la frenaron a la hora de compartir su talento con el mundo, tal y como explica su hija:

“Su amor por estos tres hombres, que no podían ser más diferentes entre sí, definieron su vida, la consumieron por completo, pero también la destrozaron. Ella creía firmemente que había palidecido a su lado y, en consecuencia, nunca llegó a mostrar su trabajo fotográfico, sus diarios y su poesía a nadie”.

Moscú, URSS, 1987.

Leningrado, URSS, 1976.

Leningrado, URSS, 1977.

Leningrado, URSS, 1981.

Asya Ivashintsova-Melkumyan. Leningrado, URSS, 1980.

El sistema comunista que comenzaba a hacerse fuerte en la sociedad marcó profundamente a Masha, quien a mediados de 1980 fue finalmente destinada a un hospital psiquiátrico en contra de su voluntad, en un intento por conseguir que comulgara con las filosofías soviéticas.

Masha fue un espíritu camaleónico y se desarrolló en ámbitos muy distintos entre sí: crítica teatral, bibliotecaria, guardarropa, ingeniera de diseño, mecánica de ascensores y guarda de seguridad. Ninguna de estas disciplinas estaba relacionada con la fotografía, por lo que siempre escondió su pasión y su verdadero “yo” del mundo.

Vologda, URSS, 1979.

El lingüista Melvar Melkumyan, marido de Masha y padre de Asya. Moscú, URSS, 1987.

Melvar Melkumyan, Central Dynamo Stadium. Moscú, URSS, 1988.

Masha Ivashintsova con el fotógrafo Boris Smelov. Leningrado, URSS, 1974.

Pero, ahora, su hija Asya, con la ayuda de su marido y dos amigos, ha decidido hacerle justicia a un alma creativa que no pudo brillar en su tiempo. Asya ha compartido las fotografías de su madre, Masha Ivashintsova, una artista que nunca pudo ser reconocida como tal y a la que hoy podemos conocer realmente, como ella hubiera querido.

Leningrado, URSS, 1975.

El poeta Viktor Krivulin. Yalta, Crimea, Ukranian SSR, 1979.

Leningrado, URSS, 1976.

Pueblo cercano a lake Sevan, Armenia, Armenian SSR, 1976.

Os dejamos con un vídeo-resumen del trabajo de Masha:

«Who knows what madness is?» // Masha Ivashintsova Photography

Imagen de portada: Autorretrato de Masha Ivashintsova.

FUENTE RESPONSABLE: Cultura Inquieta. Por María Toro. 7 de noviembre 2022.

Sociedad y Cultura/Fotografía/URSS/Rusia/Madre.

Las extraordinarias imágenes de animales en una competición de fotografía microscópica.

Una hormiga con rostro de alienígena, un escarabajo que parece salido de un comic y una araña con pelos electrizados.

Estas son algunas de las fotos seleccionadas en la competición anual de fotografía microscópica de la compañía fabricante de cámaras Nikon.

El primer premio del Nikon Small World Photomicrography Competition fue para la imagen de una mano embrionaria de un geco diurno gigante de Madagascar, tomada por Grigorii Timin y supervisada por Michel Milinkovitch de la Universidad de Ginebra.

Foto microscópica de una mano embrionaria de un geco.

FUENTE DE LA IMAGEN – GRIGORII TIMIN / NIKON SMALL WORLD

La foto de una mano embrionaria de un geco diurno gigante de Madagascar se llevó el primer premio en la categoría «mejores 20» del concurso de fotografía microscópica 2022 de Nikon.

Pero en la competencia se pueden observar imágenes microscópicas de alta resolución de insectos, tejidos, células, partes del cuerpo humano, minerales, entre otras materias.

En total fueron 89 fotos seleccionadas de científicos y artistas de todo el mundo que representan las categorías de «las mejores 20», «menciones honorables» e «imágenes de distinción».

La última categoría incluye una curiosa imagen en primerísimo primer plano del rostro de una hormiga tomada por el fotógrafo lituano Eugenijus Kavaliauskas.

Foto microscópica de una hormiga tomada por Eugenijus Kavaliauskas

FUENTE DE LA IMAGEN – EUGENIJUS KAVALIAUSKAS/NIKON SMALL WORLD. La foto de la hormiga obtuvo un lugar en la categoría «imagen de distinción» en el concurso de Nikon.

Y hay más. Por eso, aquí te compartimos una selección de las fotos que participaron y que ganaron un puesto en el concurso.

Foto microscópica de una araña saltadora.

FUENTE DE LA IMAGEN – ANDREW POSSELT/NIKON SMALL WORLD. El retrato en primer plano de la araña saltadora ganó un sitio en la categoría «imagen de distinción» en el concurso de fotografía microscópica de Nikon.

Foto microscópica de larva de mosca jején

FUENTE DE LA IMAGEN – KARL GAFF/NIKON SMALL WORLD. La foto de la larva de mosca jején obtuvo una mención honorable en el concurso de Nikon.

Foto microscópica de un embrión de pez cebra.

FUENTE DE LA IMAGEN – LAYRA G. CINTRÓN-RIVERA/NIKON SMALL WORLD. La imagen del embrión de pez cebra ganó un lugar en la sección «imagen de distinción» en el concurso de Nikon.

Foto microscópica de una mosca tomando a un escarabajo tigre

FUENTE DE LA IMAGEN – MURAT ÖZTÜRK/NIKON SMALL WORLD. El retrato de una mosca tomando a un escarabajo tigre ganó el puesto 10 en la categoría «los mejores 20» del concurso de fotografía microscópica de Nikon.

Una foto microscópica de un ajolote transgénico

FUENTE DE LA IMAGEN – MARKO PENDE/NIKON SMALL WORLD. La foto de un ajolote transgénico logró un lugar en la categoría «imagen de distinción» en el concurso de fotografía microscópica de Nikon.

Foto microscópica de una araña de patas largas.

FUENTE DE LA IMAGEN – ANDREW POSSELT/NIKON SMALL WORLD. La imagen de la araña de patas largas se llevó el cuarto puesto en «las mejores 20» del concurso de Nikon.

Imagen de portada: YOUSEF AL HABSHI/NIKON SMALL WORLD AND THE ARTIST. La foto del escarabajo joya rojo ganó como «imagen de distinción» en el concurso de fotografía microscópica de Nikon.

FUENTE RESPONSABLE: Redacción BBC News Mundo. 26 de octubre 2022.

Sociedad y Cultura/Naturaleza/Ciencia/Fotografía.

Imaginación y mucha destreza con Photoshop en las imágenes del artista Ben Robins.

La edición digital nos permite reproducir aquellos lugares tan solo accesibles en nuestra mente, romper las barreras de la realidad y crear escenarios llenos de desconcierto y mucho humor.

¿Cuántas veces hemos soñado con algo tan sumamente extraño que se nos ha quedado mal cuerpo al despertarnos sin saber exactamente por qué? ¿Recordamos la última vez que imaginamos una combinación de elementos que rompían cualquier ley física y eran imposibles de explicar al resto sin que pensaran que estábamos locos?

A Ben Robins, un arista londinense, también le ha pasado; pero él, a diferencia del resto de los mortales, cuenta con una destreza magnífica para poder mostrarnos todo lo que pasa por su mente.

Esa herramienta secreta es su gran manejo del Photoshop, el programa de edición de imágenes digitales más famoso del mundo.

Gracias a su destreza con el software, Robins consigue visibilizar escenas imposibles, desconcertantes y, en muchas ocasiones, llenas de humor.

“Me encanta el efecto que las fotos pueden tener en las personas. Siempre me ha atraído la habilidad para parar el tiempo y preservar el momento o para coger algo muy rutinario y convertirlo en algo extraordinario”.

Por eso podemos verle subido a una escalera para alimentar a una reproducción de su cabeza de grandes dimensiones, exprimiendo su cabeza como si fuera un limón o construyendo su brazo con piezas de LEGO.

Sus imágenes nos invitan a dejar volar la imaginación y los prejuicios, sintiendo que todo es posible, siempre que contemos con una ayuda de Photoshop, como es el caso de Ben Robins.

Imagen de portada: Por Ben Robins

FUENTE RESPONSABLE: Cultura Inquieta. Por María Toro. 31 de octubre 2022.

Sociedad y Cultura/Arte Digital/Photoshop/Fotografía/ Surrealismo/ Imaginación/Humor.

 

De Villa Traful a la Nasa: publicaron la foto del centro galaxia retratada por un patagónico.

Gerardo Ferrarino de Viedma sacó esta foto y la Administración Nacional de Aeronáutica y el Espacio el mundo miró las estrellas desde el sur.

Si deseas profundizar esta entrada; cliquea por favor donde este escrito en color “azul”.

Lo hizo de nuevo. «En una noche sin luna, ni contaminación lumínica, cuándo el cielo parecía espejarse en el lago Traful», el astrofotógrafo Gerardo Ferrarino capturó el centro de nuestra Galaxia. Corría agosto, habían llegado a esta villa de la Patagonia para celebrar el cumpleaños de su mamá. Antes de salir, Gerardo, cargó sus equipos, estudió el cielo y planificó una foto. “El pronóstico era bueno, no habría luna, ni tormenta. Pero no imaginé que lo que vi después”, dice y aunque no lo imaginó, la Nasa la eligió para ser la “Astronomy Picture of the Day” es decir, la foto astronómica del día (APOD).

“La primera noche fracasé porque me corrieron unos perros. Ese día, salté un alambrado, llegué a la orilla del lago y las condiciones estaban dadas: no había luna, ni nubes, el lago era un espejo. El paisaje era espectacular, tenía las montañas muy cerca y se veían los picos nevados atrás. En el centro estaba la Galaxia, que en el Hemisferio Sur se ve mejor en invierno, bien alto”, dice para comenzar a explicar.

Así apareció en la página de la Nasa

El lugar con tan poco contaminación lumínica ayudaba. Más la altura, que hace que las estrellas se vean mejor porque hay menos atmósfera que atravesar, más toda la paciencia, que requiere la astrofotografía. Cuando Gerardo bajó las fotos, la vio y pensó que sería bueno volverla a mandar a la Nasa. No lo hace siempre, porque son muy estrictos y a veces ni contestan, pero de inmediato recibió la respuesta confirmando que sería la foto del día.

Una vez, la Nasa, ya había elegido una foto suya, cuando en Bahía Creek, la playa de Río Negro. En ese entonces, la publicaron en un portal que se llama Sky, y ahí la gente la votó para que se convierta en APOD. Ahora, la seleccionaron ellos. En cuatro horas le avisaron: ‘mañana será la foto astronómica del día. «No me dio ni tiempo a reaccionar», dice y en sus redes reconoce la importancia de esta publicación.

La foto anterior que publicó la Nasa con la descripción: Foto de Andrómeda el objeto más distante que se ve fácilmente a simple vista. Foto Gerardo Ferrarino.

«Obtener un APOD (Astronomy Picture of the Day) es uno de los reconocimientos más importantes dentro del mundo de la astrofotografía, ya que son seleccionadas por dos astrofísicos de la NASA y la descripción la realiza un astrónomo profesional«, escribe.

Cuando a Gerardo se le pregunta por qué pueden haberla destacado, entre tantas, analiza algunas razones: tenía los picos nevados atrás lo que transmitía que era invierno, se ve una luz zodiacal, que se ve rara vez en cielos muy oscuros, cuando comienza a llegar a la primavera.

«Esa luz zodiacal es la que descubrió, o hizo la tesis Brian May, el guitarrista de Queen: aparece pocas veces. Estaba el centro galáctico en el lugar más alto que podía estar, todo eso reflejado en el lago, sobre todo la estrella Vega que es una de las más brillantes del cielo, que se reflejaba en el agua. Creo que no le faltaba nada», confiesa.

El astrofotógrafo Gerardo Ferrarino, fascinado por la noche, como desde hace años. Foto Gerardo Ferrarino.

Ferrarino es aficionado a la astrofotografía y a la astronomía. Nació en Lamarque, pero desde hace 32 años vive en Viedma con su familia. Una de las cosas que más le gusta en la vida, es mirar el cielo, retratarlo y salir a cazar estrellas, galaxias o satélites. Por eso, todo momento pinta una buena opción para hacerlo.

“Yo llevo todos los equipos a todos lados. Antes de salir a cualquier lugar, miro que foto puedo hacer, que tan oscuro es el cielo: es de obsesivo total. Siempre es importante que no haya luna, es como un farol gigante en el cielo que no deja que se vean los objetos mas tenues del espacio profundo. Y después busco un buen lugar desde donde hacer las fotos”, relata Gerardo.

El joven patagónico habla con pasión de lo que hace y sabe lo que dice. Si bien todo comenzó con un curso básico de fotografía por hobbie, desde hace años, se perfecciona en retratar paisajes nocturnos. Se capacitó con grandes astrofotografos y estudia mucho por su cuenta. Actualmente comparte su trabajo en Facebook Gerardo Ferrarino e Instagram.

Imagen de portada: La foto del cielo de Villa Traful que fue seleccionada como foto astronómica del día, APOD (Astronomy Picture of the Day), el sábado, por la Nasa. Fotos: Gerardo Ferrarino.

FUENTE RESPONSABLE: Rio Negro. Argentina. Por Lorena Vincenty. 12 de septiembre 2022.

Astroturismo/NASA/Villa Traful; Argentina/Astronomía/Fotografía.

 

 

 

La intrigante imagen de un chimpancé con una cría de mangosta en brazos que opta a un premio de fotos de vida silvestre.

¿Un momento tierno o algo más siniestro?

La imagen parece mostrar a un bonobo abrazando a una pequeña mangosta como si fuera una mascota querida.

O tal vez el primate se llevó a la mangosta bebé para cenar después de haber matado a su madre.

Pero eso sería inusual: los bonobos comen principalmente frutas y solo cazan ocasionalmente.

Este intrigante comportamiento fue fotografiado por Christian Ziegler en la República Democrática del Congo.

La fascinante fotografía fue seleccionada en la categoría de imagen Muy Elogiada en la 58ª edición del concurso de Fotógrafo de Vida Silvestre del Año (WPY) del Museo de Historia Natural de Londres (NHM).

La lista de finalistas fue revelada el jueves y los ganadores serán anunciados por el NHM en octubre.

Christian había estado rastreando al grupo de bonobos «sumergido hasta el pecho a través del bosque inundado» en el Parque Nacional de Salonga durante días cuando vio al joven macho sosteniendo una mangosta juvenil en la mano.

«Me sorprendió mucho ver cómo transportaba la mangosta con tanto cuidado. Inmediatamente comencé a seguirlo y documentarlo», le dijo a la BBC.

El chimpancé sostuvo y acarició a la pequeña mangosta durante más de una hora, contó.

Pero puede que haya estado planeando comérsela.

Comportamiento de los bonobos

Cuando los bonobos atrapan a una presa, no la matan de inmediato, sino que comienzan a comerla cuando aún está viva, según la doctora Barbara Fruth, directora del Proyecto LuiKotale Bonobo, que ha estado observando a estos animales durante más de 20 años.

Pero ocasionalmente, si la cena es demasiado grande y el chimpancé se llena, tratará a las presas vivas sobrantes como mascotas. Por lo general, estos animales son ingeridos más tarde.

La doctora Fruth cree que esto es quizás lo que estaba sucediendo en la imagen.

Fruth destaca que los bonobos son conocidos por su naturaleza amable, empática y pacífica.

«Sabemos por el cautiverio que los bonobos se preocupan por individuos que no son de su propia especie», explica.

En la naturaleza es poco probable que un bonobo se haga cargo de otra especie como mascota a largo plazo, añade.

Pero la experta no descarta la idea de que los simios tengan otros animales como accesorios para atraer el interés de otros miembros del grupo y así mejorar su estatus.

Al final, esta mangosta tuvo un final feliz: el bonobo finalmente liberó a su «mascota», que luego salió ilesa.

El misterio detrás de la imagen es parte de su atractivo para los jueces del concurso del Museo de Historia Natural.

La investigadora principal del NHM, la doctora Natalie Cooper, eligió entre cerca de 40.000 entradas repartidas en 20 categorías con los otros jueces.

«Estamos buscando imágenes realmente brillantes técnicamente, las que ves una vez y por la mañana te despiertas todavía pensando en ellas», dice.

El concurso WPY se ha convertido en una de las competiciones más prestigiosas de su tipo. Para el evento de este año se recibieron entradas de 93 países.

Los ganadores de las categorías y del Gran Premio se anunciarán en una ceremonia el 11 de octubre. Posteriormente el museo inaugurará su exposición anual de las mejores fotografías.

Estas son algunas de las otras imágenes.

La mirada directa por Richard Robinson, Nueva Zelanda

Ballena mirando a la cámara

FUENTE DE LA IMAGEN – RICHARD ROBINSON

En la imagen de Richard Robinson, él y su cámara se convirtieron en el objeto de fascinación de esta joven ballena franca austral.

El encuentro duró 30 minutos, con la ballena rodeándolo, nadando y luego regresando para echar otro vistazo.

Las ballenas fueron cazadas hasta casi la extinción en los siglos XIX y XX, pero la población de ballenas francas australes, conocidas como ‘tohorā’ en maorí, ahora se está recuperando después de que se prohibió su caza.

Categoría – Retratos de Animales

Presentational grey line

El país de las maravillas submarino por Tiina Törmänen, Finlandia

banco de percas con algas blancas

FUENTE DE LA IMAGEN – TIINA TÖRMÄNEN

Un banco de percas curiosas se encontró con la fotógrafa Tiina Törmänen en su lago de snorkel en Posio, Laponia.

El crecimiento excesivo de algas en forma de nube como resultado del cambio climático, y el calentamiento de las aguas, puede causar un problema para la vida acuática cuando se acaba el oxígeno y bloquea la luz solar.

Categoría – Bajo el Agua

Presentational grey line

Las inundaciones perdidas por Jasper Doest, Zambia

hombre entre dos casas con soportes

FUENTE DE LA IMAGEN – JASPER DOEST

El fotógrafo holandés Jasper Doest captó a Lubinda Lubinda, gerente de estación de la Autoridad del Río Zambezi, frente a su nueva casa (derecha) que no necesitó construir tan alta como la anterior debido a los bajos niveles de agua.

El cambio climático y la deforestación han provocado que la llanura aluvial del Zambezi experimente más sequías.

Refiriéndose a la imagen, la doctora Natalie Cooper dijo: «Podemos hablar sobre el cambio climático hasta que nos pongamos tristes, pero hasta que no ves la realidad del problema en la pantalla frente a ti, es difícil conectar con ese tema».

Presentational grey line

Marco polar por Dmitry Kokh, Rusia

oso polar asomándose por la ventana

FUENTE DE LA IMAGEN – DMITRY KOKH

Más de 20 osos polares se apoderaron de la isla de Kolyuchin, Rusia, que ha sido abandonada desde 1992, en busca de alimento.

Con la reducción del hielo marino debido al cambio climático, a los osos polares les resulta más difícil cazar y esto los empuja más cerca de los asentamientos humanos para buscar comida.

Para captar esta impactante imagen se utilizó un dron de bajo ruido.

Categoría – Retratos de Animales

Presentational grey line

Fiesta de ranas de árbol por Brandon Güell, Costa Rica

ranas colgando de hojas cubiertas de huevos

FUENTE DE LA IMAGEN – BRANDON GÜELL

Aquí, el fotógrafo se sumergió en el agua hasta el pecho para capturar un frenesí de reproducción al amanecer.

Casi se pueden escuchar las llamadas de apareamiento de las ranas de árbol machos que se deslizan mientras las hembras ponen sus huevos en las hojas de las palmeras, alrededor de 200 a la vez, que luego caen al agua como renacuajos.

Categoría – Comportamiento: Anfibios y Reptiles

Presentational grey line

Ciervo de la nieve por Joshua Cox, de 8 años, Reino Unido

ciervo bajo una nevada

FUENTE DE LA IMAGEN – JOSHUA COX

Joshua ahora tiene 8 años, pero solo tenía 6 cuando capturó este majestuoso ciervo durante una intensa nevada en el parque de Richmond, en Londres.

Comenzó a usar una cámara de juguete cuando era solo un niño pequeño y progresó a una cámara compacta poco antes de tomar esta foto.

«Casi parecía como si él estuviera teniendo una ducha de nieve», dijo Joshua.

Categoría – 10 Años y Menos

Puedes ver las fotografías Muy Elogiadas de todas las categorías del concurso en el sitio web del Museo de Historia Natural de Londres.

Imagen de portada: CHRISTIAN ZIEGLER

FUENTE RESPONSABLE: Ella Hambly; BBC News. 1° de septiembre 2022.

Sociedad y Cultura/Naturaleza/Cambio climático/Ciencia/Animales/Fotografía

Fotografías perdidas de Andy Warhol y sus amigos en el Manhattan de 1966.

«Dime con quién andas y te diré quién eres» es un refrán que hace alusión a toda esa información extra que podemos sacar de una persona conociendo a la gente de la que se rodea. Bajo esta premisa, ¿quién fue Andy Warhol?

Andy Warhol fue una figura imprescindible del mundo dislocado de la Nueva York de los años 70, esa urbe de los happenings, las fiestas privadas, la psicodelia, el alcohol y las drogas. Fue, además, uno de los precursores del movimiento pop art y era reconocido como ilustrador publicitario, diseñador gráfico, fotógrafo, cineasta y fundador de The Factory.

Figura influyente como pocas, a mediados de los los 70 sentó delante de su Polaroid a la jetset de Nueva York y Hollywood, así como artistas undergrounds e incipientes. Personajes como Liza Minnelli, Grace Jones, Mick Jagger, Yves Saint Laurent, Rudolf Nureyev, Dennis Hopper, Willi Brandt, David Hockney, Jane Fonda, Robert Mapplethorpe, Meryl Streep, Jerry Hall, Michael Jackson, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring y muchos más.

Pero, en otras ocasiones, el introvertido Andy era el que era capturado por otras lentes. Es el caso de estas fotografías de Larry Fink hechas en 1966 en las que aparece el artista con sus amigos de The Factory, quienes posaron para una pequeña revista que quebró. Las imágenes nunca se publicaron, y Fink no pensó en ellas hasta hace poco, cuando fueron desenterradas de su archivo.

“Andy ahora es conocido por todo tipo de personas como un hombre del Renacimiento y me acerqué a ese Renacimiento y traté de ver si podía desmitificarlo”, dijo Fink.

Las fotos de Warhol y su equipo, tomadas en el Lower East Side de Manhattan, incluyen a Edie Sedgwick, Lou Reed, John Cale, Ingrid Superstar y Gerard Malanga y fueron parte de una sesión de moda para la revista literaria East Side Review.

La revista cerró antes de que se publicaran las imágenes y, a medida que pasaron las décadas, quedaron enterradas en el infinito archivo de Fink, hasta el 2015.

“Pasé cuatro días con Andy y su pandilla en The Factory y en las calles”, escribió Fink. “[…] floté a su alrededor como si mi existencia no fuera algo que le preocupara. Los días que pasé con él fueron irónicos y, en cierto modo, llenos de diversión».

El icónico Warhol sigue siendo un enigma a pesar de su sobreexposición, a pesar de todo lo que ha expresado y transmitido detrás y delante las cámaras, a pesar de intentar seguir descifrando y analizando a todos y todas los y las que un día tuvieron la suerte de formar parte de su mundo y su manera de entender la vida.

Imagen de portada: Andy Warhol

FUENTE RESPONSABLE: Cultura Inquieta. 16 de agosto 2022.Por Wine Not

Sociedad/Cultura pop/Fotografía/Andy Warhol/Lou Reed.

 

“No quería sacar fotos aisladas sino contar historias”

Astor Piazzolla, Jorge Luis Borges, Atahualpa Yupanqui, Victoria Ocampo y Mercedes Sosa, entre otros exponentes de la cultura argentina, fueron retratados por la lente del fotógrafo Juan “Pupeto” Mastropasqua, que el pasado 17 de julio cumplió 88 años y 70 de trayectoria. Para celebrar la ocasión, el 9 de julio inauguró la muestra “Mercedes por Pupeto Mastropasqua”, en el Centro Cultural Borges, que reúne más de cincuenta fotografías de la cantante tucumana. En esta entrevista, un repaso por la extensa carrera del fotógrafo, en la que dio cuenta de los más grandes hitos y personajes del arte nacional.

Mercedes Sosa le dedicó una foto a Mastropasqua. Icónica tapa de disco a partir de una foto de Pupeto.

–Usted tomó la cámara por primera vez a los 18 años, pero fue también amante del arte. ¿Fue la fotografía su primer amor?

–Antes que a la fotografía, me dediqué a la pintura. Tenía un amigo que era muy buen fotógrafo y eso a mí me interesaba. Conseguí una cámara réflex 6×6, y así le di continuidad a mi interés por la iconografía y todo lo que tenía que ver con las imágenes. La fotografía para mí era una continuación de la pintura. Pero no quería sacar fotos aisladas sino contar historias.

–¿Cuál fue su primer trabajo?

–Mi primer trabajo fue un foto documental llamado “Puerto”, que tenía que ver con una de las zonas de Mar del Plata que tenía más actividad, acción y vida: la banquina de pescadores. En este trabajo pude contar en imágenes todo lo que me interesaba desde el punto de vista humano y estético de ese mundo.

Al poco tiempo, por el gran interés que tenía en seguir aprendiendo cosas de la fotografía, me metí en un estudio fotográfico y convencí al fotógrafo de que me enseñara el misterio de la técnica fotográfica, esa parte misteriosa de la química, de las revelaciones. Todo en aquellos años era muy manual, muy artesanal.

–Probablemente esa sea una de las cosas que más cambiaron a lo largo del tiempo. ¿Qué hay hoy de lo artificial detrás de una foto?

–Antes era todo un misterio. Para tener una foto había que pasar por el laboratorio a través de muchos pasos. Una vez terminado el rollo había que revelarlo, ciertos pasos que producen determinados efectos, el negativo que había que ampliar a través de distintos baños, iba apareciendo la imagen, luego el lavado… Esto hoy en día se ve como algo arqueológico. Y todos esos pasos hacían que la fotografía tuviera mayor valor que el que hoy le damos. Actualmente, con cualquier teléfono se puede sacar una foto, pero no se tiene el cuidado que había entonces. Lo virtual, lo digital y lo conceptual son enemigos de lo profundo. Es lo que hace que la imagen tenga un valor menor al que tenía y que haya perdido ese aura, como diría Walter Benjamin. Esa detención y esos distintos pasos hacían que todo fuera hecho con más cuidado.

–¿A dónde lo llevó la fotografía a lo largo de su carrera?

–Estuve en todos los campos de la fotografía pero principalmente trabajé como reportero gráfico de numerosos diarios y revistas. Siempre tuve el cuidado de que las imágenes que tomaba tuvieran que ver con momentos de la vida. Eso fue una enseñanza de la revista Siete Días. Allí comencé desde el número 0 y allí aprendí que la foto no podía ser un registro neutro sino un registro expresivo.

–Una tarea que conlleva una gran responsabilidad…

–Sí, es una de las funciones que tiene la fotografía desde su origen ya que se trata de un documento de la realidad sin el cual no podríamos conservar ciertas cosas. Lo que más me interesaba era preservar las imágenes de los grandes creadores. Tuve la oportunidad y la suerte de tener como maestro de pintura al gran Juan Carlos Castagnino, desde mis inicios a los 17 años y durante dos décadas. Primero empecé pintando y después a registrar fotográficamente.

–¿Qué significó Castagnino en su vida y en su obra?

–En el museo de Mar del Plata hay imágenes de Castagnino pintando en su taller y en su ámbito. Lo que yo quería lograr allí era tomarlo trabajando en lo que era su paisaje. Los paisajes que yo quería registrar eran eso: él y su campo, él y su entorno. Con ninguno lo hice como él. En una fiesta criolla en Balcarce él tomaba apuntes de las caras de los trabajadores. Era un hombre de profundas ideas comunistas pero nunca nos habló de política.

Pupeto Mastropasqua y Juan Carlos Castagnino en plena sesión.

–También retrató a otro célebre marplatense, Astor Piazzolla.

–Sí, con Piazzolla éramos como familia. Fui siguiendo su obra durante no menos de treinta años.

–Y acompañó muy de cerca la trayectoria del Indio Solari.

–Sí, con el Indio Solari se unió mi actividad como productor de espectáculos y mi pasión por los Redonditos de Ricota. Con ellos se conformó una gran amistad. Cada vez que los traía a Mar del Plata se armaban grandes asados. El Indio dice en su libro de memorias que en mi casa comió el mejor lemon pie, el que hace mi señora. Haber podido traer los primeros recitales del Indio a Mar del Plata fue una de las cosas más importantes de mi vida. Porque el Indio es una de las personalidades más extraordinarias que he conocido, y mirá que conocí varias importantes.

El «Indio» Solari

–Si tuviera que asociar la cultura argentina con un documento fotográfico, ¿cuáles cree que la representan?

–No se podría hacer con una sola persona. A pesar de no coincidir políticamente con sus ideas, he sido devoto de Jorge Luis Borges y con esa devoción le he tomado fotos. Tuve la oportunidad de estar muchas veces cerca de él, de haber hablado con él y haberle tomado fotos con gran admiración por su obra, admiración que trataba de trasladar a mis fotos. Para mí los Redonditos son tan importantes como Atahualpa. Solamente Cristina Fernández de Kirchner ha podido juntar a trescientas mil personas y cuando eso ocurre ya no hacen falta muchas explicaciones.

Borges inmortalizado en la lente de Mastropasqua.

–¿Qué artista le dio mucho trabajo a la hora de ser retratado?

–Atahualpa Yupanqui, porque no le gustaba que lo fotografiaran. Toda mi vida trabajé con la luz ambiente, de tal manera que nunca molestaba a los artistas. Así uno no traiciona ni distorsiona la realidad.

–Lo más importante es contar la realidad.

–Sí, parece algo muy simple, pero no lo es. Tiene que ver con la esencia y el origen de lo que se trata la fotografía como documento, como testimonio que nos ayuda a comprender el mundo. Estoy convencido de que desde que se inventó la fotografía hemos aprendido a comprender mejor el mundo.

–¿Qué función social cumple la fotografía?

–Una de las funciones más importantes de la fotografía es la del reportero gráfico. Tanto el fotógrafo de guerra como el que documenta una jugada genial en un partido de fútbol o el que registra grandes artistas pintando, tocando, cantando. Por ejemplo, estamos tratando de preservar a través de la fotografía toda una carrera, la de Susana Rinaldi, a quien conozco desde sus comienzos hace más de cincuenta años. Lo que ustedes tratan de hacer a través del periodismo, yo trato de hacerlo a través de la imagen. Los documentos fotográficos contribuyen a preservar la memoria, como cualquier testimonio. Lo que unos hacen a través de la palabra los fotógrafos lo hacemos con imágenes.

Pupeto siguió la carrera de Susana Rinaldi.

–Habla de sus fotografías como documentos…

–Y es así. Las fotos son documentos. En un gran libro sobre Piazzolla, con prólogo de Víctor Hugo Morales y María Seoane, las fotos eran mías. El libro se llamó Momentos, y siento que ese título tiene que ver con los textos, pero más que nada con la fotografía, porque de eso se trata, de registrar momentos.

El gran Astor Piazzolla.

–Usted hace referencia a artistas interpretando música, pintando. ¿Qué diferencia hay entre una foto del artista haciendo arte y otra posando?

–Esta pregunta es muy profunda y tiene que ver con la esencia de la fotografía. Para mí lo posado es lo ajeno de la vida, de hecho en rarísimas ocasiones he tomado fotos posadas. Por ejemplo, a Castagnino lo llevé hasta el mar y le dije “usted pinte, yo lo fotografío”. Él se puso a pintar a un pescador junto al mar y unas rocas. La foto de Castagnino pintando junto al mar se transformó en icónica, fue absolutamente natural. No era una gran foto pero era la foto de un pintor ante la naturaleza, en su paisaje y en acción.

Antonio Berni.

Joan Manuel Serrat.

León Gieco.

–¿Algún fotógrafo que admire?

–Cartier-Bresson, el fotógrafo francés, fue un ejemplo para mí. Lo que él hace es principalmente retratos no posados. Uno famosísimo es el del escultor Alberto Giacometti un día de lluvia con un impermeable saltando un charco en una calle de París. Es todo lo contrario a lo que uno se imaginaría de una foto de un escultor.

–Sus documentos registran la vida viva.

–Siempre intenté eso, momentos de la vida. Como ocurre con algunas de las fotos de los Redonditos, que fue un caso único, por mi amistad y conocimiento. Una vez estuve en los camarines esperando cuando terminaban un recital, y venían eufóricos. Tengo una foto del grupo, por así decir, “desarmado” al término de un recital. Son fotos de la vida.

–¿Cómo se relacionan la fotografía y el cine?

–La fotografía y el cine pueden ser expresiones estéticas o artísticas. La fotografía no corresponde a la palabra artística. La fotografía es la verdad y el cine la verdad 24 veces por segundo. Cuando ves que refleja la verdad y el registro es cercano a la realidad, es emotivo.

–Como la obra documental de un cineasta también marplatense, Tristán Bauer.

–A Tristán lo conozco desde que nació, yo era amigo de sus padres y he seguido su obra desde los primeros documentales hasta el gran documental que hizo sobre Cortázar. Toda su obra es el caso de alguien que se dedicó al cine en el campo del documental. Tiene un documental sobre la reunión que se hizo en Mar del Plata contra el Alca que nunca se ha proyectado y que estoy tratando de que pueda verse.

–Ya se ha referido a la fotografía en la actualidad. ¿Cómo ve el arte contemporáneo?

–Especialmente en las artes visuales, es un momento de gran confusión. Lo grave que está ocurriendo es producto de la deformación que produce el peor capitalismo, que es el que estamos viviendo: el peor momento del capitalismo, con este liberalismo que utiliza la confusión como un arma y establece falsos valores. Meter a un tiburón dentro de una pecera con un líquido que lo preserve y decir que eso es una obra de arte es bastante ajeno a los valores humanísticos que tuvimos hasta mediados del siglo XX, y también a la realidad. Jorge Romero Brest decía que si la cultura no servía para mejorar la calidad de vida de la gente tenía poco sentido. Una frase que complementa a esta es que hay que estetizar la vida de la gente, rodear de belleza la vida. Ese es un sentido social, profundo, y que es un poco la batalla cultural que no estamos ganando en este momento.

–¿Podría ser un significado de la palabra “política”?

–Sí, creo que es exactamente así. La política busca hacer que la vida de la gente esté rodeada de belleza. Ya se sabe que hay cosas primordiales, como alimentarse lo necesario para desarrollarse, pero ese desarrollo hay que rodearlo de elementos que tienen que ver con lo propio, con la belleza y con la cultura de valores. Un error es que nuestro país ha estado gran cantidad de tiempo con la mirada en la cultura europea y estadounidense en lugar de afirmar los valores propios, la identidad nacional.

–Hace poco en una entrevista dijo que se siente como aquel chico de 17 años…

–De la cabeza, sí. Pero del cuerpo no puedo afirmarlo. Cuando levantás el capot te das cuenta de que no tanto. Sí, he tenido mucho pasado y tengo mucho presente.

Imagen de portada:  Juan “Pupeto” Mastropasqua

FUENTE RESPONSABLE: Caras y Caretas. Por Theo Helman. 25 de julio 2022

Sociedad y Cultura/Fotografía/Cultura

 

 

 

 

 

Las mejores fotos de astronomía de 2022.

Una serie de espectaculares imágenes han sido preseleccionadas en el concurso Fotógrafo de astronomía del año 2022. Los ganadores se anunciarán en septiembre.

Pincha por favor en los links. Muchas gracias.

https://cdn.jwplayer.com/previews/Dl1YFhV9

Fotografías de la Vía Láctea, galaxias chocando o auroras boreales decorando el cielo nocturno han sido preseleccionadas en el concurso de Fotógrafo de astronomía del año de este año.

Imagen de portada: Gentileza de Pinterest

FUENTE RESPONSABLE: Muy Interesante. 6 de julio 2022.

Sociedad y Cultura/Fotografía/Astronomía/Fotos del espacio