LAS CARTAS PROHIBIDAS DE TCHAIKOVSKY SALEN A LA LUZ: LA POLÉMICA VIDA OCULTA DEL COMPOSITOR.

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El compositor de El lago de los cisnes es una de las figuras más misteriosas de la música clásica. 

A pesar de que el genio fue muy discreto en lo que a su vida personal se refiere hoy, 128 años después de su muerte, se ha convertido en centro de polémicas comprometiendo a la ley de propaganda homosexual rusa. ¿Tchaikovsky era gay?

Empecemos por el comienzo. ¿Quién era realmente Piotr? Lo cierto es que, aunque hoy se le considera un emblema de la historia rusa, el genio nunca se sintió especialmente vinculado a su tierra. 

De alguna manera fue un incomprendido dentro de las fronteras de la tierra que le vio nacer. Sus composiciones hoy constituyen un patrimonio cultural a nivel global y, aunque a nivel de ritmo cuentan con claras influencias del patriotismo ruso, él nunca llegó a sentirte ruso del todo, al menos no desde una perspectiva tradicionalista.

De hecho, podríamos decir que logró hacer despegar su carrera gracias a un mecenas extranjero del que, según revelan algunas de sus cartas, se enamoró.

Gracias a ellas hoy podemos saber que cuando caía el telón y la función terminaba, su figura intelectual y genuina se transformaba en alguien que hoy sigue generando polémicas. 

Más allá de la apariencia que el artista quiso construir, existía un hombre tremendamente femenino que sintió un amor casi obsesivo con su madre (quien al morir, le sumió en un profundo vacío) y que, además, era abiertamente homosexual.

Fuente.

Las cartas prohibidas de Tchaikovsky.

Así lo ponen de manifiesto las cartas que escribió Piotr a puño y letra y en las que ponía de manifiesto sus deseos prohibidos por otros hombres, algunos de ellos, amigos con los que se relacionaba a diario.

Esta dimensión más humana del célebre compositor ha tratado de reprimirse e invisibilizarse durante mucho tiempo dentro de Rusia. 

No olvidemos que el país es uno de los más homófobos que existen en el mundo y uno de los que presentan un rechazo claramente institucionalizado hacia la homosexualidad (la ley contra la propaganda LGBT es sólo un ejemplo de los muchos recursos legales que implementa para silenciar y oprimir a aquellas personas que se salen de la estricta heteronormatividad) .

El hecho de que Piotr Tchaikovsky, uno de sus símbolos nacionales históricos más importantes, se revele como homosexual, genera un sentimiento de vergüenza generalizado por lo que intentan una y otra vez reinventar la vida personal del genio y cuestionar la autenticidad de sus cartas.

En total, su correspondencia asciende a más de 5.000 cartas que se conservan en el interior de la Casa Museo Estatal Tchaikovsky, en Moscú. Marina Kostalevski es la autora de un libro que revela el contenido de las mismas:

“Dios santo, qué criatura tan angelical, cómo echo de menos ser su esclavo, su juguete, su propiedad”, relató el compositor en una de ellas hablando de uno de sus sirvientes domésticos. La autora incluye algunas de las anécdotas más oscuras de su vida sexual oculta y afirma que tenía un sentido del humor “descarado”.

En otro fragmento, Piotr narra que le ofreció dinero en efectivo a un joven “de belleza impresionante” a cambio de que mantuviese relaciones sexuales con él, a lo que éste se negó y según declara el artista “lo hacía por amor al arte, porque le encantaban los hombres con barba”.

Junto a estas confesiones, también figura uno de sus fetiches: El voyeurismo. De hecho afirma que lo practicaba con su amigo Petashenka. Según cuentan sus propias letras, juntos se reunían en su apartamento para espiar a los cadetes que formaban filas en el cuartel. Entre sus conversaciones secretas también figuran algunas con su hermano Modest (abiertamente homosexual) o las que mantenía con amantes como Iosif Kotek (uno de sus alumnos) o su compañero Aleksey Apujtin.

Esta información ha sido negada de forma frontal en innumerables ocasiones por Vladimir Medinsky, ministro de cultura. 

En realidad los esfuerzos para desmentir su veracidad han sido bastante variados. Uno de ellos adquirió forma de película biográfica que ocultaba esta dimensión de su vida. No obstante, no es algo extraño. No olvidemos que reflejar relaciones homosexuales en los medios de comunicación rusos es algo penado por la ley y, dentro de un proyecto de financiación estatal, es algo que está totalmente descartado.

Imagen de portada: Fuente.

FUENTE RESPONSABLE: La piedra de Sísifo. Gabinete de    Curiosidades. Diciembre 2021.

Sociedad y Cultura/Rusia/Música/Genios virtuosos/Homosexualidad

Claude Monet, el pintor de los nenúfares que quiso pintar el aire y escandalizó París.

Sentó las bases del estilo artístico y fue el padre de la pincelada suelta que dio nombre al Impresionismo. Rechazado y admirado a partes iguales por sus contemporáneos, Claude Monet (París, 1840 – Giverny, 1926), se adelantó a su tiempo y plasmó su percepción de la naturaleza y los paisajes, experimentando con los matices que la luz aportaba a la escena. 

Su pincel buscaba las sensaciones del ojo, y lejos de comunicar una historia o dar una instrucción moral, recorría el lienzo ahuyentado de lo oscuro y dejando como legado, noventa y cinco años después de su muerte, la pintura del sol naciente.

Dibujante de caricaturas desde niño, su historia empieza y termina en su jardín, donde con tan sólo 19 años el artista francés ya pintaba paisajes y marinas junto al paisajista Eugène Boudin y el también pintor y grabador neerlandés, Johann Jongkind. «Me dijeron que tenía talento y que tenía que trabajarlo», contó el artista en una de sus cartas. Y lo hizo. 

Tras el pintor de las Hermanas de la Caridad, Armand Gautier, o Constant Troyon, fue la huella de Édouard Manet quien impulsó con su modernidad al Monet que llevó a la máxima expresión la voluntad de plasmar los estímulos más inmediatos de la naturaleza. Y es que otros pintores «quieren pintar un puente, una casa, un barco. Yo quiero pintar el aire que envuelve el puente, la casa, el barco; la belleza de la luz en la que se encuentran», escribió. Sus obras empezaron entonces a dejar de un lado el marrón agrio y vestir los naranjas, rojos, verdes y azules que le acompañaron hasta sus últimos días.

‘Madame Monet y el Niño’. CLAUDE MONET

Su visión del mundo era más colorista que el mundo original, y en su trayectoria destacan desde las impresiones ópticas que subyacen en A la orilla del agua (1868); a su incipiente tendencia a la abstracción en La Grenouillère (1869); sus vistas de Argenteuil con la dársena y la regata; el ritmo urbano de El Boulevar des Capucines con la animada vida en las calles de París, y hasta su Campo de amapolas. 

Pero nada le otorgó éxito de primeras. La evolución pictórica de Monet, en cuanto a los temas elegidos y al estilo, se distanciaba cada vez más de los cánones que establecían los grandes salones y galería y, por consiguiente, el éxito económico se alejaba de él irremisiblemente. Las obras de Monet fueron rechazadas en varias ocasiones, pero, aun así, logró hacerse, sin quererlo, con el título de ser la figura clave del movimiento impresionista hasta su muerte en 1896, a causa de un cáncer pulmonar.

«El color es mi obsesión diaria, mi alegría y mi tormento»

Giverny, la ‘musa’ de Monet

«En este pueblo con encanto, la luz es especial como en ningún otro lugar», decía el artista impresionista refiriéndose a Giverny, el pueblo que le inspiró en la creación de sus obras. 

En la Alta Normandía, la localidad de Giverny se sitúa en la orilla derecha del río Sena y cuenta con tan sólo unos 500 habitantes. Allí, en 1883, con 43 años y viudo de su primera esposa, Monet decide instalarse con sus hijos, la que sería su segunda esposa, Alice Hoschedé, y los hijos de ésta. Claude Monet pintó entonces algunos de sus cuadros más famosos, entre ellos Catedral de Rouen, Álamos, Las Casas del Parlamento (resultado de un viaje a Londres realizado en 1899)y Mañanas en el Sena, inspirados en los jardines de su propia casa, donde seleccionaba cada año las flores y plantas que quería cultivar para retratarlas en sus cuadros: «El pintor que se coloca ante la realidad no debe hacer distinciones entre sentido e intelecto», afirmaba.

‘Los nenúfares’. CLAUDE MONET

Pero además, tras infinitos requisitos administrativos, el pintor consiguió montar un estanque asimétrico y exótico, y, fascinado por el arte de Japón, un puente japonés que dio vida a las conocidas series de Ninfeas o nenúfares que, más tarde, se asociaron a las aportaciones de Vasili Kandinsky, Paul Klee, Picasso y Georges Braque, como símbolos del nacimiento de la abstracción en la pintura occidental, tras largos siglos de predominio de la representación figurativa.

Imagen de portada: Gentileza de Carmen Vivas

FUENTE RESPONSABLE: El Independiente. Por Marta Menéndez. Diciembre 2021.

Sociedad y Cultura/Arte pictórico/Genios virtuosos/Homenaje/Claude Monet

Hace 100 años, Einstein ganó el Nobel de Física pero no fue por la Teoría de la Relatividad.

El 10 de diciembre de 1921, Albert Einstein ganaba el Premio Nobel de Física. Sin embargo, no fue por su revolucionaria Teoría de la Relatividad, sino por otra demostración sobre la luz.

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La Teoría de la Relatividad de Albert Einstein cambió la forma de concebir el Universo. Fue revolucionaria. Sin embargo, no fue por esto que el físico alemán ganó el Premio Nobel de Física el 10 de diciembre de 1921, sino por otra demostración: el efecto fotoeléctrico.

¿De qué se trata? Todo comenzó en 1887, cuando el físico alemán Heinrich Rudolf Hertz descubrió que, cuando la luz (visible o ultravioleta) incide sobre la superficie de algunos metales, el metal emite electrones. «Ahora sabemos que lo que ocurre es que los fotones de luz chocan contra los átomos en la superficie del metal y en ese choque se liberan electrones», aclaró el doctor en Física del Instituto Balseiro, Marcelo Kuperman, a AIRE. Esto es lo que se conoce como el «efecto fotoeléctrico».

Sin embargo, pensar en fotones supone pensar en que la luz no es una onda sino que está compuesta por partículas que hoy llamamos fotones. «Durante mucho tiempo coexistieron las teorías sobre la naturaleza ondulatoria y corpuscular de la luz pero, hacia fines del siglo XIX, la idea de pensar en la luz como una partícula había sido descartada», contó. 

Pero las observaciones del efecto fotoeléctrico no podían ser explicadas pensando en la luz como una onda. Tampoco alcanzaba con simplemente pensar en la luz como una partícula. Hacia falta algo más. «Hacia fines del siglo XIX, la idea de pensar en la luz como una partícula había sido descartada», contó Kuperman. «Ese algo más nace de las ideas de Max Planck que, en 1900 propuso que la energía no puede tomar valores continuos sino que está organizada en pequeños paquetitos a los que llamó cuantos. Planck ganó el premio Nobel de Física en 1918 por estos trabajos, que dieron lugar unos años más tarde a la mecánica cuántica», explicó Kuperman.

El aporte de Einstein

Albert Einstein unió la concepción de la luz como partículas, los fotones, y las ideas de Planck sobre la discretización de la energía y pudo explicar lo que se observaba con el efecto fotoeléctrico. «En ese momento las ideas de Planck no eran aceptadas por la comunidad científica, como tampoco lo fueron las ideas de Einstein sobre la Relatividad en los primeros años tras su formulación», dijo el físico.

Albert Einstein unió la concepción de la luz como partículas, los fotones, y las ideas de Planck sobre la discretización de la Energía y pudo explicar lo que se observaba con el efecto fotoeléctrico.

Albert Einstein unió la concepción de la luz como partículas, los fotones, y las ideas de Planck sobre la discretización de la Energía y pudo explicar lo que se observaba con el efecto fotoeléctrico.

Einstein unió la concepción de la luz como partículas, los fotones, y las ideas de Planck sobre la discretización de la energía y pudo explicar lo que se observaba con el efecto fotoeléctrico. «Pero Einstein estaba más allá de las convenciones y paradigmas de su época y no dudó en ensayar las ideas de Planck para explicar un fenómeno sin explicación», contó.

Llega el premio

Otro físico, llamado Robert Millikan, pasó casi diez años tratando de demostrar que la teoría de Einstein sobre el efecto fotoeléctrico no era correcta, «pero logró lo contrario, confirmarla», señaló el físico del Balseiro. Esta confirmación experimental fue lo que le permitió a Einstein recibir el Nobel en 1921 y a Millikan en 1923.

La confirmación experimental de Millikan fue lo que le permitió a Einstein recibir el Nobel en Física.

La confirmación experimental de Millikan fue lo que le permitió a Einstein recibir el Nobel en 1921 y a Millikan en 1923.

Mientras tanto, la Teoría de la Relatividad general de Einstein recibía su primera confirmación experimental con el eclipse de 1919. 

Leer más ► ¿Cómo un eclipse pudo comprobar la Teoría de la Relatividad de Einstein? 

«Tras la confirmación experimental, la Teoría de la Relatividad podría haber sido premiada con el Nobel. Entender por qué se eligió el efecto fotoeléctrico y no a la Relatividad es objeto de debate. El motivo responde más a cuestiones políticas que a cuestiones académicas», analizó Kuperman.

  • Robert Millikan y Albert Einstein. Millikan pasó casi diez años tratando de demostrar que la teoría de Einstein sobre el efecto fotoeléctrico no era correcta, pero logró lo contrario, confirmarla. 

Imagen de portada: Gentileza de Aire Digital

FUENTE RESPONSABLE: Aire Digital Por Astrid Galetti. Diciembre 2021.

Sociedad y Cultura/Genios Virtuosos/Ciencia/Investigación/Albert Einstein/Premio Nobel.

12 frases magníficas de Jorge Luis Borges.

El autor del Aleph dejó un puñado de frases que reflejan su elocuencia y su genio y que lectores de todas las latitudes vienen memorizando hace años.

Yo no hablo de venganzas ni perdones, el olvido es la única venganza y el único perdón.
Uno no es lo que es por lo que escribe, sino por lo que ha leído.
No eres ambicioso: te contentas con ser feliz.
La duda es uno de los nombres de la inteligencia.
Siempre he sentido que hay algo en Buenos Aires que me gusta. Me gusta tanto que no me gusta que le guste a otras personas. Es un amor así, celoso.
Todas las teorías son legítimas y ninguna tiene importancia. Lo que importa es lo que se hace con ellas.
El tema de la envidia es muy español. Los españoles siempre están pensando en la envidia. Para decir que algo es bueno dicen: “Es envidiable”.
Hay que tener cuidado al elegir a los enemigos porque uno termina pareciéndose a ellos.
Que el cielo exista, aunque nuestro lugar sea el infierno.
El tiempo es la sustancia de que estoy hecho.
Yo siempre seré el futuro Nobel. Debe ser una tradición escandinava.
He cometido el peor pecado que uno puede cometer. No he sido feliz.
Creo que con el tiempo mereceremos no tener gobiernos.

Imagen de portada: Gentileza de Entre Líneas

FUENTE RESPONSABLE: Entre Lineas

Literatura/Genios Virtuosos/Nuestros escritores/Jorge Luis Borges.

Libro de diálogos de Borges y Osvaldo Ferrari llegó a Japón.

De Argentina al mundo

Las conversaciones entre ambos, que originalmente fueron emitidas semanalmente por Radio Municipal y publicadas también por el diario Tiempo Argentino, habían sido publicadas en tres volúmenes -«Borges en diálogo», «Libro de diálogos» y «Diálogos últimos»- y durante diez años enfrentaron a Ferrari con la viuda del escritor, María Kodama, quien reclamaba para sí los derechos sobre los diálogos en su calidad de «heredera universal» de la obra de Borges.

Un volumen que compila los diálogos que Jorge Luis Borges mantuvo con el periodista Osvaldo Ferrari, quien lo entrevistó reiteradamente desde marzo de 1984 hasta poco antes de su muerte en junio de 1986 se acaban de editar en Japón en una singular edición que incluye un mapa de la Argentina con sus provincias en versión japonesa y hasta una genealogía de la familia de autor de «Ficciones».fueron emitidas semanalmente por Radio Municipal y publicadas también por el diario Tiempo Argentino, habían sido publicadas en tres volúmenes -«Borges en diálogo», «Libro de diálogos» y «Diálogos últimos»- y durante diez años enfrentaron a Ferrari con la viuda del escritor, María Kodama, quien reclamaba para sí los derechos sobre los diálogos en su calidad de «heredera universal» de la obra de Borges.

Finalmente, tras varios años de litigio en 1997 la causa judicial llegó a la Corte Suprema, que terminó dándole la razón al periodista y validó la publicación de los textos que acaban de llegar a Japón, país que fascinaba al autor de «El Aleph» y que visitó en dos oportunidades, en 1979 y 1984, atraído por sus jardines, templos y representaciones de arte tradicional japonés, que recorrió a través del sonido y el tacto debido a su ceguera.

La admiración de Borges por Japón comenzó con los cuentos sobre ese país que le leía su abuela, continuó con clásicos de la literatura nipona como el Genji Monogatari y desembocó en esos dos viajes en los que pudo conocer la espiritualidad y amor por la estética de la cultura nipona.

Según Ferrari, en estos diálogos que entablaron desde marzo de 1984 hasta el 21 de octubre de 1985, el escritor se extendió con naturalidad en temas como la religión, la política, la cultura y la actualidad, «pero siempre desde la literatura, que era aquello a lo que dedicó su vida».

La consigna fundante que guió estas charlas radiofónicas que Borges mantuvo semanalmente con el periodista fue que los temas no fueran acordados antes, sino al iniciarse el programa, de tal manera que el diálogo fuera espontáneo. 

A partir de esta condición, el escritor se dejó llevar por el flujo de las palabras y habló sobre los más diversos tópicos y asuntos, algunos de ellos inevitablemente «borgeanos», como los tigres, los laberintos y las armas, la identidad de los argentinos, la literatura, el amor, el grupo Florida, el grupo Boedo y la revista Sur, la mitologías y el budismo, entre otros.

También intercambiaron sobre el I Ching, el humor, Estados Unidos, Quevedo, Macedonio Fernández, Victoria Ocampo, Melville, Pedro Henríquez Ureña, Edgar Allan Poe, la causalidad, el desierto, la luna, la política, el tiempo, Jesucristo, la ciencia ficción.

Ya traducidos al inglés, italiano, francés, alemán, portugués, polaco, ruso y chino, la edición japonesa estuvo a cargo del sello Kokusho Kankokai, que presenta, entre otras particularidades, el mapa de la argentina con sus provincias en versión japonesa, y hasta una genealogía de la familia Borges en ese idioma.

La flamante edición, en cuya original tapa aparece la imagen de un cofre donde en el centro hay una biblioteca, reúne por primera vez los tres libros originales en un solo volumen de tapa dura, lo que totaliza 118 diálogos entre Borges y Ferrari.

Ferrari nació en Buenos Aires en 1948. Poeta y ensayista, publicó tres libros de poesía: «Poemas de vida» (1974), «Poemas autobiográficos» (1981) y «Poemas existenciales» (2012). Sus ensayos han sido publicados por diarios y revistas literarias del país y del exterior.

Imagen de portada: Gentileza de Entre Líneas

FUENTE RESPONSABLE: Entre Líneas – Noviembre 2021

Jorge Luis Borges en Japón – Literatura – Genios Virtuosos

 

 

En el ropero de Gabo: una subasta altruista.

La nieta de Gabo escogió la ropa que el público podrá comprar desde el 20 de noviembre.

Lo recordamos: Gabriel García Márquez vistió liquiliqui al recibir el premio Nobel de Literatura de manos del rey de Suecia Carlos XVI Gustavo. Este traje –típico de los Llanos colombo-venezolanos– se exhibe en las salas del Museo Nacional de Bogotá.

Sin embargo, el resto del ropero del autor de Cien años de soledad salió a la venta esta semana. 

La subasta de los sacos de tweed y otras prendas será el primer evento de la “Casa de Literatura Gabriel García Márquez”, entidad encargada de mantener viva la memoria del colombiano en la calle De la Loma 19, san Ángel, Ciudad de México. O, simplemente, el hogar de “Los Gabos”.

La curadora es la nieta de Gabo y de Mercedes Barcha, la actriz Emilia García Elizondo. 

A partir del 20 de noviembre quien quiera adquirir algo del clóset de la pareja podrá suscribirse en una cuenta de Instagram destinada para la interacción con el público. Los dividendos de la subasta serán entregados a la Fundación FISANIM, dirigida por la artista Ofelia Medina, cuyo trabajo procura disminuir los índices de hambre de niños indígenas mexicanos.

Imagen de portada: Gentileza de Colprensa

FUENTE RESPONSABLE: El Colombiano. Por Ángel Castaño Guzmán

Quién era Jorge Luis Borges, en doce definiciones brillantes.

El autor de “Ficciones” dejó tras su muerte algunos conceptos que forman parte del patrimonio cultural de los argentinos. Aquí una docena de ellos.

La vasta cultura y la inteligencia de Jorge Luis Borges asombraron a los lectores de todo el mundo. Pero también se condensaron en algunos conceptos que surgen cuando se lo evoca. 

Algunos de ellos, incluso, pueden recordarse en algunas de las entrevistas y charlas que el autor de «Historia Universal de la Infamia» concedió a medios de todo el mundo.

El amor y la amistad

«He pensado alguna vez que, quizás una persona que esté enamorada vea a la otra como Dios la ve, es decir, la ve del mejor modo posible. Uno está enamorado cuando se da cuenta de que la otra persona es única».

Borges en París junto a su última esposa, María Kodama.

«La amistad no necesita frecuencia, el amor sí, pero la amistad no».

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El amor y la amistad, segun Borges

FOTO: Quién era Jorge Luis Borges, en doce definiciones brillantes

FOTO: Sus obras más conocidas, Ficciones y El Aleph, cuentos que exploran ideas filosóficas

FOTO: Sus obras más conocidas, Ficciones y El Aleph, cuentos que exploran ideas filosóficas

FOTO: Borges, junto a un retrato de su abuelo.

FOTO: En compañía de algunas admiradoras.

FOTO: Borges nació el 24 de agosto de 1899.

La felicidad

“A veces me siento incalculablemente feliz, y le doy la bienvenida a la felicidad, porque no sé de dónde viene, pero creo que debería ser bienvenida de todos modos”, opinó Borges en una entrevista en la televisión norteamericana en 1977.

Ser lector

«Dejo que otros se enorgullezcan de cuántas páginas han escrito; prefiero jactarme de las que he leído», opinaba el reconocido escritor.

Entrevista a Jorge Luis Borges (1982)

La dictadura

«Las dictaduras fomentan la opresión, las dictaduras fomentan la servidumbre, las dictaduras fomentan la crueldad; más abominable es el hecho de que fomentan la idiotez», manifestó el escritor en una entrevista con con Joaquín Soler Serrano en la Televisión Española, en 1976.

Más tarde, volvió a expresarse en el mismo sentido, en 1985, sobre los desaparecidos durante el régimen militar en Argentina.

Jorge Luis Borges en 1985 sobre los desaparecidos.

FOTO: Sus obras más conocidas, Ficciones y El Aleph, cuentos que exploran ideas filosóficas

FOTO: Borges, junto a un retrato de su abuelo.

La muerte

«Cuando los escritores mueren se convierten en libros, que, después de todo, no es una encarnación tan mala», afirmó. 

La fe

«Ser un agnóstico significa que todas las cosas son posibles, incluso Dios, incluso la Santísima Trinidad. Este mundo es tan extraño que cualquier cosa puede suceder o puede no suceder. Ser un agnóstico me hace vivir en un mundo más grande, más fantástico, casi misterioso. Me hace más tolerante».

Conferencia «Siete Noches», sobre la Poesía

¿Qué es la Poesía?: conferencia de Jorge Luis Borges (Siete Noches V)

La patria

«Yo no la entiendo a mi patria pero le tengo un gran amor y tengo la esperanza de que algún día pueda cumplir el gran destino que fue suyo”.

El tango

«El tango es una expresión directa de algo que los poetas a menudo han tratado de expresar con palabras: la creencia de que una pelea puede ser una celebración».

El Tango, Cuatro Conferencias por Jorge Luis Borges

La ceguera

«La ceguera no es la tiniebla; es una forma de la soledad»

AV-2223 [Jorge Luis Borges en la conferencia sobre la ceguera]

El dólar

«Los dólares son esos imprudentes billetes americanos que tienen diverso valor y el mismo tamaño». 

Los vicios

«Yo no bebo, no fumo, no escucho la radio, no me drogo, como poco. Yo diría que mis únicos vicios son El Quijote, La divina comedia y no incurrir en la lectura de Enrique Larreta ni de Benavente».

Imagen de portada: Archivo

FUENTE RESPONSABLE: Entre Líneas. Libros y apuntes. Agosto 2021

Jorge Luis Borges/Genios Virtuosos/Definiciones/Literatura/Vídeos

 

 

 

Siete curiosidades sobre Virginia Woolf que pocos conocen.

  • Escritora y referente del feminismo, saltó a la fama por textos revolucionarios, como «Un cuarto propio» o «La señora Dalloway», pero también tuvo una intensa vida controversial para la época.

Es una de las figuras literarias más importantes del siglo XX. Nació en Londres en 1882 con el nombre de Adeline Virginia Stephen y se convirtió también es una de las voces más influyentes del feminismo moderno gracias a sus textos. 

La británica fue pionera en la reflexión sobre la condición de la mujer y sobre las relaciones de estas con el arte y la literatura, temas reflejados en «Un cuarto propio» y «Orlando». 

Consideraba que la sociedad tenía a las mujeres encorsetadas, puesto que no podían ir a la universidad y eran educadas por un tutor en el hogar.

1. Una educación poco convencional

No asistió a la escuela sino que se pudo recibir una buena educación gracias a que sus padres, dos personas muy interesadas por la cultura, se relacionaban con numerosos intelectuales. 

2. Su matrimonio

La autora del feminismo por excelencia se resistía en un principio a la idea del matrimonio, pero su carisma e inteligencia atraía a hombres e intelectuales de la época.

Finalmente. accedió a casarse con Leonard Woolf, de quien tomó su apellido. El casamiento fue en 1912, cuando Virginia tenía 30 años, una boda más que tardía para la época. 

Previo a ello, había tenido otros siete pretendientes, pero los rechazó a todos. Entre ellos, se encontraba el hijo de Charles Darwin. 

3. El Círculo de Bloomsbury

Al igual que sus padres, toda su vida estuvo rodeada por intelectuales, al punto que llegó a pertenecer al Circulo de Bloomsbury, un grupo de jóvenes interesados por la libertad de pensamiento. 

4. Pionera en el mundo editorial

En 1917 creó junto con su marido la editorial Hogarth Press, donde se publicaron las obras de los miembros del Círculo de Bloomsbury, entre ellos reconocidos autores como T.S. Elliot y la mismísima Virginia Woolf.

5. Luchadora contra el nazismo 

Además, ella y su marido llegaron a estar en la lista negra de Hitler por su libro «Tres guineas» (1938), donde expresaba una clara censura al fascismo y exponía las dificultades a las que se enfrentan las escritoras e intelectuales, por el poder legal y económico que tienen los hombres en comparación con las mujeres, perjudicadas en su educación y desarrollo en la sociedad.

6. Una vida amorosa controversial

Desde un principio la escritora se relacionó con personajes poco comunes para la época: la ética del grupo de Bloomsbury estaba en contra de la exclusividad sexual.

En 1922 Virginia conoció a la escritora y jardinera Vita Sackville-West, esposa de Harold Nicolson, quien fue su amante durante los años 1920.

7. Personajes basados en la vida real

Algunos de los personajes de sus libros se inspiran en personajes reales, como es el caso de el/la protagonista de «Orlando», que se inspiró en Vita Sackville-West, su amante y también escritora. 

La obra consiste de una biografía fantástica en la que la vida del héroe epónimo abarca tres siglos y ambos sexos.

La novela, traducida al español por Jorge Luis Borges, trata temas considerados tabúes en su época tales como la homosexualidad, la sexualidad femenina y el papel de la mujer dentro de una sociedad y como creadora literaria.

En otra novela, «La señora Dalloway», la protagonista tiene un enorme parecido con Virginia, aunque representa justamente todo lo que Virginia siempre se negó a ser. 

Imagen de portada: Gentileza de Entre Líneas. Autores y Libros. 

FUENTE RESPONSABLE: Entre Líneas. Autores y libros. Noviembre 2021.

Virginia Woolf/Genios Virtuosos/Literatura/Curiosidades/Sociedad/Cultura.  

 

¿Una ilusión óptica alentada por el cerebro? 

Nuevas revelaciones sobre la sonrisa de La Gioconda.

Los investigadores analizaron la obra renacentista a partir de un programa digital de reconocimiento emocional.

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La sonrisa más icónica del mundo, la que aflora en los labios de La Gioconda -la célebre obra que el artista italiano Leonardo Da Vinci creó a principios del siglo XVI-, podría no ser un gesto de alegría o placer sino una ilusión óptica generada por el cerebro, según una investigación de la Universidad de Amsterdam que pretende poner fin a una incógnita que se ha agigantado a través del tiempo.

¿Está sonriendo la misteriosa mujer que año tras año magnetiza a las multitudes que se acercan al Museo del Louvre en París solo para saciar la curiosidad o el fetichismo que despierta su leyenda? Muchos críticos y especialistas en arte han intentado dilucidar este enigma, pero solo la ciencia parece más próxima a resolverlo, ahora con una revelación inquietante: la sonrisa de la dama retratada en el cuadro podría ser una ilusión alentada por el cerebro.

De acuerdo con un estudio encabezado por neurocientíficos de la Universidad de Amsterdam, la sonrisa de La Gioconda -o Mona Lisa pintada por da Vinci entre 1513 y 1519 existe, aunque no es perceptible a simple vista. Los expertos pudieron encontrar que la mujer de la pintura – Lisa Gherardini, esposa de Francesco Bartolomeo de Giocondo– muestra un 83% de felicidad en su rostro. Y también detectaron otras emociones: 9% de disgusto, 6% de temor y 2% de enfado.

Los investigadores analizaron la obra renacentista a partir de un programa digital de reconocimiento emocional que reproduce el ciclo de percepción del cerebro identificando cambios en las expresiones neutras de las personas e interpretándolos de acuerdo a las emociones que conoce. Una vez identificada la emoción, el cerebro crea una ilusión que ayuda a confirmar una interpretación, según consigna la BBC.

En el caso de La Gioconda, su sonrisa aparece oculta o apenas esbozada, pero aún así quien la contempla interpreta que ensaya una mueca de felicidad, acaso porque reúne otras características afines a la expresión de alegría, como el ensanchamiento de sus fosas nasales o la formación de arrugas debajo de los ojos. De ese modo, al advertir estos cambios a través de la visión, la mente emite un veredicto final, aún sin la necesidad de ver una sonrisa bien definida.

Una de las conclusiones del estudio es que el cerebro humano ha evolucionado para captar cualquier cambio en la expresión facial, por mínimo que sea. Así, el ser humano es superior a la máquina y logra detectar rasgos emocionales aunque se oculten bajo una expresión neutra, una habilidad social distintiva.

Desde el principio de su creación, los renacentistas quedaron sorprendidos por aquella cautivadora sonrisa pero fue recién en el siglo XIX que el poeta y dramaturgo Théophile Gautier empezó a plantear esta cuestión. Tiempo después, el psicoanalista austríaco Sigmund Freud conjeturaba que la mueca de felicidad era una reminiscencia de su madre, de la cual Da Vinci se separó tempranamente.

En paralelo a esta investigación, circula otro argumento original para justificar la percepción de la «tentativa» de sonrisa en la obra del creador renacentista: tras años de investigación científica, el científico desarrolló una técnica en la que construía expresiones sutiles gracias a la aplicación de finas capas de pigmento diluido.

Con esta técnica, conocida como sfumato, el pintor generó un rostro cuya sonrisa no era perceptible para la visión central, pero que emitía señales de reconocimiento capturadas a través de la visión periférica. Estas señales, por lo regular distribuidas en zonas borrosas de sus pinturas, también causan que el cerebro se enfoque en la cara de su objeto y no en el paisaje que figura en su fondo.

Da Vinci desarrolló esta técnica durante sus últimos años, a partir de 1513, y conservó la pintura hasta su muerte, como si fuera su laboratorio: a lo largo de los años experimentó nuevas formas de graduar las sombras, a veces con sus dedos, y así logró que su Gioconda sonriera de forma escurridiza. De alguna forma, la obra y su artífice envejecieron juntos. Hoy, al unísono, siguen intrigando al mundo.

Imagen de portada: Gentileza de TELAM

FUENTE RESPONSABLE: Ámbito

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