Gerardo Matos Rodríguez: 8 tangos increíbles.

La cumparsita y mucho más

Era hijo de Emilio Mattos, propietario del cabaré Moulin Rouge. Estudió arquitectura en la desaparecida Facultad de Matemáticas de su ciudad natal.1​ Los amigos lo apodaban Becho.

Según Ricardo Matos Tuesta, al venir a Uruguay:

“Tenía los ojos de color negro, tenía una mirada muy penetrante y muy discernidora, y de llamativos labios finos y pequeños. Era muy observador y analista en las cosas que debía y hacía.

Gustaba mucho de la lectura constante, y era una persona dada a la meditación, la reflexión lógica y analista en las cosas veía y hacía, era un elemento motivador e innovador . Era de buen humor e ingenio y de una simpatía coloquial, sabía caer en gracia a las personas de su entorno . Su alegría se expresaba en un armoniosa sonrisa de un niño pequeño y alegre

Tenía una amiga que se llamaba Reneé, quien era de ascendencia española, luego después de unos años se casó con ella”

Compuso varios temas para piezas teatrales: El Gran Circo Rivolta, de Manuel Romero entre ellas. Más tarde, dirigió fugazmente su propia orquesta típica. En 1931 colaboró con la musicalización de la película ¨ Las luces de Buenos Aires¨, filmada en Francia con el papel protagónico de Carlos Gardel. Algunos de sus temas fueron estrenados junto a piezas teatrales en Buenos Aires.

Compuso La Cumparsita y otros tangos como Che papusa, oí, su tango preferido. Escribió y colaboró con los letristas Enrique Cadícamo, Víctor Soliño y Manuel Romero, con quienes realizó su emotiva serie de canciones montevideanas.

Fue integrante de la recordada “Troupe ateniense”, un conjunto de tipo carnavalero, que no obstante ello no salía en Carnaval sino en las cuatro estaciones, en especial en primavera. Junto a grandes nombres del tango y del Carnaval uruguayo, como Víctor Soliño, Ramón “Loro” Collazo, su hermano Juan Antonio y los hermanos Raúl y Roberto Fontaina.

Fueron más de setenta los tangos de su producción, muchos editados en partitura y alrededor de cuarenta en discos. Algunas de sus obras son: Che papusa, oí, Son grupos, Yo tuve una novia, Cuando bronca el temporal, Hablame,Pobre corazón, Haceme caso a mí, Canto por no llorar, Rosa reseca, Botija linda, El pescador, Te fuiste, ¡ja, ja!, Adiós Argentina, Mi provinciana, La milonga azul, Dale celos, Raspail, Mocosita, La muchacha del circo, San Telmo, colaborando con los letristas Enrique Cadícamo, Victor Soliño, Juan B. A. Reyes, Manuel Romero y Fernán Silva Valdés con quien realizó su fina y emotiva serie de canciones Montevideanas a la que pertenece Margarita punzó.

La Cumparsita sale a la luz en una peña estudiantil, en lo que era la federación de estudiantes del Uruguay en el año 1916.

Esta institución presentaba problemas económicos graves estando incluso amenazados por el desalojo, situación que los obliga a salir a cantar por los cafés, en una comparsa como recurso para adquirir fondos. Fue así que coincidiendo con el carnaval del año 1917 se decidió hacer una comparsa visitando los cafés, cantando canciones.

Mientras tanto Matos Rodríguez siguiendo su objetivo de terminar su obra, continúa trabajando en ella para lograr su acabado final como es conocida mundialmente.

Una vez terminada la composición le faltaba la melodía por lo que un amigo del autor, excelente pianista fue el encargado de ponerle la música. Es así que se obtiene el primer gran éxito de esta composición la cual fue presentada por primera vez en el café La Giralda, ejecutada por la orquesta porteña de Roberto Firpo.

Lo que le faltaba a este tango era el título ya que había nacido de un ambiente popular todos se sentían con derecho a bautizarla.

En 1924, ya radicado el autor en Buenos Aires, Pascual Contursi y Enrique Maroni le ponen letra de gran valor poético con el nombre de Si supieras (si supieras que aún dentro de mi alma conservó aquel cariño que tuve para ti…), con lo que la olvidada música ahora como tango se impuso definitivamente. Con esta letra la cantó y grabó Carlos Gardel. Un año después el propio autor, molesto por la letra creada sin su autorización, le pone una letra conservando el título original (Comenzando: La comparsa de miserias sin fin…), prácticamente nunca utilizada.

Si deseas escuchar la música del autor; cliquea por favor en los enlaces señalados. Recuerda que las grabaciones datan de la primera mitad del siglo XX. Muchas gracias.

OBRAS DE MATOS RODRÍGUEZ

“TE FUISTE JAJA”

Carlos Gardel – Te fuiste, ja ja – Tango 1929

“ADIÓS ARGENTINA”

ADIOS ARGENTINA(GERARDO MATOS RODRIGUEZ)-Orquesta Tipica Victor(1930).wmv

“CHE PAPUSA OÍ”

Donato Riacciatti -Che Papusa, Oi- -Reedicion 2018-

“PORTATE BIEN QUE SOS GRANDE”

Portate bien que sos grande – Orq. Francisco Canaro – Charlo (12-12-1930)

“SAN TELMO”

San Telmo – César Zagnoli y su trío

“MOCOSITA”

Alfredo De Angelis – 1949 – Dante – Mocosita

“LA MUCHACHA DEL CIRCO”

LA MUCHACHA DEL CIRCO.-Agustin Magaldi

“BOTIJA LINDA”

Botija Linda-Gerardo Matos Rodriguez.wmv

YAPA: “JOHN LENNON IMPROVISANDO SOBRE LA CUMPARSITA”

John Lennon – La Cumparsita

Imagen de portada: Gentileza de Página 12

FUENTE RESPONSABLE: Página 12. Argentina

Sociedad y Cultura/Argentina/Uruguay/Música/Tango/Gerardo Matos Rodriguez

 

Paul McCartney volvió a cantar con John Lennon y emocionó a una multitud en Glastonbury.

Cerró la segunda jornada del legendario festival inglés

El exBeatle dio un show de casi dos horas ante más de 100 mil espectadores. Tuvo invitados de lujo como Bruce Springsteen y Dave Grohl.

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A sus 80 años, los cumplió hace apenas unos días, Paul McCartney demostró una vez más que es inoxidable. Cerró la segunda jornada del legendario festival inglés de Glastonbury, con una presentación épica: hizo un dueto virtual con John Lennon y tuvo invitados de lujo como Bruce Springsteen y Dave Grohl. Casi nada. 

LOS 80 DE PAUL MC CARTNEY: desde Liverpool, la vida de uno de los músicos más importantes del mundo

Este fin de semana se celebró la edición 2022 del festival de Glastonbury y Paul protagonizó el show más convocante. En las casi dos horas que duró su presentación, el exBeatle cantó 36 temas y más de la mitad del repertorio fueron canciones del cuarteto de Liverpool. 

Los invitados de Paul en el escenario fueron otras dos grandes figuras: Dave Grohl, el líder de Foo Fighters, y Bruce Springsteen. Con Grohl cantó «I Saw Her Standing There» y «Band on the Run», mientras que con Springsteen interpretó «Glory Days» y «I Wanna Be Your Man».

Sin dudas «El» momento emotivo de la jornada fue cuando McCartney cantó con John Lennon. Gracias a la magia de la tecnología, Paul y John volvieron a interpretar juntos «Something» y «I’ve got a Feeling». Imposible no lagrimear. 

«Happy 80th Birthday Paul» Paul McCartney & Jon Bon Jovi@East Rutherford, NJ 6/16/22

El cierre del espectáculo no se quedó atrás. Paul volvió a recibir en el escenario a Grohl y Springsteen, con quienes tocó «The End». El show fue multitudinario: los organizadores calculan que asistieron unas 100.000 personas, una de las más convocantes de la historia del festival. 

Imagen de portada: Más de 100 mil personas vibraron con Paul en el festival de Glastonbury, Imagen: Bernardino Avila.

FUENTE RESPONSABLE: Página 12. Argentina. 27 de junio 2022

Sociedad y Cultura/Música/The Beatles/Paul McCartney/Aniversario

 

 

Abba Voyage: el concierto virtual de la banda hay que verlo para creerlo.

Los cuatro miembros de Abba hicieron su primera aparición pública en 14 años cuando asistieron al estreno de su espectáculo Abba Voyage en Londres.

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ABBA – Voulez-Vous (Official Lyric Video)

Agnetha, Frida, Benny y Bjorn se reunieron para la noche de apertura del concierto, que presenta versiones digitales de la banda.

Frida observó el espectáculo con una amplia sonrisa en el rostro, mientras que Benny se puso de pie y aplaudió junto a Dancing Queen.

Tomaron una llamada de telón al final, con un aplauso ensordecedor de la audiencia.

«Abba nunca nos ha dejado, en mi corazón», dijo la cantante Agnetha Faltskog a la BBC en la alfombra roja.

«No fue una decisión tan difícil [reunirnos] porque la música es parte de nosotros».

«Soñé con esto durante años», agregó Anni-Frid Lyngstad. «Amamos nuestra música, nos encanta cantar».

A la noche de lanzamiento asistieron una gran cantidad de estrellas musicales, incluidas Kylie Minogue, Sophie Ellis-Bextor, Jarvis Cocker y Keira Knightley.

El rey sueco Carl XVI Gustaf y su esposa Silvia también se unieron a la audiencia, lo que significa que asistió una reina del baile de la vida real.

Kylie Minogue

FUENTE DE IMAGEN -MEDIOS DE COMUNICACIÓN. Kylie Minogue estuvo entre las estrellas que vieron el innovador concierto virtual.

El rey sueco Carl Gustaf y la reina Silvia

FUENTE DE IMAGEN,EPA.También asistieron el rey sueco Carl Gustaf y la reina Silvia.

El concierto ha estado en proceso desde 2016 y presenta una nueva tecnología innovadora que recrea la vista de Abba en su mejor momento de la década de 1970, tocando éxitos como SOS, Voulez-Vous y Lay All Your Love On me.

Para crear el espectáculo, la banda actuó con trajes de captura de movimiento durante cinco semanas, con 160 cámaras escaneando sus movimientos corporales y expresiones faciales.

Esos se convirtieron en puntos de referencia para cientos de animadores y artistas de efectos visuales para crear avatares de la banda en su apogeo.

Conocidos cariñosamente como «Abba-tars», los personajes no son hologramas en 3D, como todos los involucrados en la producción se esfuerzan por señalar.

«No creo que ningún programa de hologramas haya tenido éxito», dijo el productor Baillie Walsh a la revista Dazed el año pasado . «Después de cinco minutos, no creo que sean tan interesantes».

En cambio, los personajes aparecen en una enorme pantalla de 65 millones de píxeles, con luces y otros efectos que borran los límites entre los elementos digitales y el «mundo real» en la arena.

«Queremos aprovechar las emociones», dijo a la BBC la productora Svana Gisla.

«Entonces, si sales de aquí y sientes que has visto un espectáculo visual, habremos fracasado. Si sales de aquí y te reíste y lloraste y no puedes esperar para volver». eso es lo que queremos».

Sorprendentemente, lo han logrado. Las imágenes pueden ser 2D, pero los impresionantes efectos de iluminación y las retroproyecciones brindan una profundidad de campo crucial, creando la ilusión de que la banda está realmente en la habitación contigo.

Era cínico acerca de la tecnología antes del espectáculo, pero el efecto es desconcertantemente realista. Hay que verlo para creerlo.

Cuando comienza el concierto, el cuarteto «emerge» de debajo del escenario en las gradas, antes de lanzarse al espeluznante psicodrama eléctrico de The Visitor, la canción principal de su penúltimo álbum, de 1981.

Agnetha y Frida fotorrealistas se asemejan a pavos reales con trajes de gato con alas rojas y azules, girando alrededor del escenario mientras Benny y Bjorn tocan el piano y la guitarra.

Aunque los miembros de la banda tenían más de 70 años cuando se filmó la captura de movimiento, el coreógrafo residente del Royal Ballet, Wayne McGregor, los ayudó a recrear el movimiento de cuando eran más jóvenes.

Las rutinas de baile caseras de Agnetha y Frida, que caritativamente podrían describirse como «caminatas extravagantes», son reconocibles al instante y dolorosamente nostálgicas.

Mientras que los Abba virtuales están restringidos al centro del escenario, un espectacular espectáculo de luces del piso al techo agrega un dinamismo propulsor a los procedimientos. La banda interpreta Chiquitita contra un sol eclipsante y está rodeada de rayos láser pulsantes durante ¡Gimme! ¡Dame! ¡Dame! (Un hombre después de la medianoche).

Mientras mantengas los ojos alejados de las pantallas gigantes, donde los avatares asumen un desafortunado efecto de » valle inquietante «, te sientes como si hubieras sido transportado al último concierto de la banda en el Reino Unido, en el Wembley Arena de Londres, hace 42 años. (Una mirada más y te olvidas de todo, para acuñar una frase).

Sabiamente, la producción reconoce todos los trucos digitales, con el avatar de Benny declarando: «Ser o no ser, esa ya no es la cuestión», durante un interludio temprano.

«Este es mi verdadero yo», continúa, entre risas de la audiencia. «Me veo muy bien para mi edad».

La música es realzada por una banda en vivo de 10 piezas, perforada con precisión, que compiten a través de un conjunto ecléctico de canciones de Abba que mezcla clásicos como Mamma Mia y Thank You For The Music con cortes profundos inesperados como Eagle y el tierno When All Is. Dicho y hecho.

Las dos nuevas canciones que lanzaron el año pasado, Don’t Shut Me Down y I Still Have Faith In You, encajan perfectamente en la lista de canciones; mientras que el metraje de la banda ganando el Festival de la Canción de Eurovisión en 1974 provoca un audible » aa hh » de la audiencia durante Waterloo.

Pero hay algunas lagunas sorprendentes, con The Name Of The Game, Super Trouper y Money Money Money entre las canciones relegadas al basurero de la historia.

Sin embargo, parece probable que Abba haya grabado más canciones de las que aparecen actualmente en el programa, para alentar las visitas repetidas.

zara larsson

FUENTE DE IMAGEN,EPA. Zara Larsson se mostró abrumada por el desfile

Pero no importa lo que suceda a continuación, la audiencia de la noche de apertura de celebridades y miembros del club de fans incondicionales estaba absorta.

«Eso fue jodidamente increíble», dijo la estrella del pop Zara Larsson a la BBC después del espectáculo. «Lloré cuatro veces. No sabía que me iba a sentir así».

«Sentí que los estaba experimentando en su mejor momento y fue muy emotivo».

«Fue una extraordinaria exhibición extraterrestre de fabulosidad», coincidió el coreógrafo Les Child. «Han hecho un trabajo increíble».

«Sentí que pasé la noche con Abba», agregó Hanna Rossman, quien había viajado desde Berlín para el espectáculo. «Y lo más destacado fue que subieron al escenario al final».

El cuarteto no habló durante su breve aparición en el escenario, pero, para entonces, el concierto había dicho todo lo que necesitaban decir.

ABBA Voyage – en números

  • 42 años
  • desde su último concierto, en Japón
  • 1,000artistas de efectos visuales crearon el espectáculo
  • 160Las cámaras captaron la actuación de la banda.
  • 1bnhoras de computación para animar los avatares
  • 500luces en la arena especialmente diseñada
  • 3,000la gente puede asistir a todos los espectáculos

Fuente: ABBA Voyage

El espectáculo, que se lleva a cabo en un estadio especialmente diseñado en el este de Londres, actualmente se extenderá hasta diciembre de 2022. Luego, al más puro estilo sueco, el lugar se puede colapsar en un paquete plano y llevarlo a la carretera.

Es la solución perfecta para una banda que juró no volver a salir de gira después de disolverse en 1982, e incluso rechazó una oferta de 1.000 millones de dólares para tocar en 100 conciertos con el cambio de milenio.

Pero la nueva tecnología, iniciada por la compañía Industrial Light & Magic de Star Wars VFX, los tentó de regreso a la arena en vivo.

«¿Poder estar en el escenario y actuar durante una hora o dos, mientras estaba en casa paseando al perro o haciendo una carbonara? Así empezó todo. Eso nos intrigaba», dijo Benny Andersson a la BBC el año pasado.

«Y la visión de crear algo espectacular que nadie había visto antes», agregó Bjorn Ulvaeus. «Creo que, después de que abramos [este programa], podría haber uno o dos que quieran hacer lo mismo, mientras todavía están vivos».

Abba

FUENTE DE IMAGEN,IMÁGENES FALSAS. El último concierto de la banda en Londres tuvo lugar en Wembley Arena en 1979.

Entonces, ¿podría replicarse el concierto en Abba Arenas especialmente construidos en todo el mundo?

«Todo depende», dijo Benny. «Veremos cómo va en Londres. ¿La gente está realmente interesada en venir a ver esto?

«Si lo son, sí, continuará. Si no vienen, simplemente cerramos».

Con las pruebas de esta noche, el espectáculo continuará.

Abba en trajes de captura de movimiento

FUENTE DE IMAGEN, BAILLIE WALSH. El grupo actuó con trajes de captura de movimiento para ayudar a crear sus avatares digitales.

Lista de canciones

  • Los visitantes
  • agujero en tu alma
  • llamada de socorro
  • Conociéndome, Conociéndote
  • Chiquitita
  • Fernando
  • madre mía
  • ¿Lo sabe tu madre?
  • Águila
  • Deja todo tu amor en mi
  • ciudad de noche de verano
  • ¡Dame! ¡Dame! ¡Dame! (Un hombre después de la medianoche)
  • Voulez-Vous
  • Cuando todo está dicho y hecho
  • no me apagues
  • Todavía tengo fe en ti
  • Waterloo
  • Reina del baile
  • Gracias por la música
  • El ganador se lo lleva todo

Imagen de portada: ABBA VIAJE. La banda aparece como «Abba-tars» virtuales que representan cómo se veían en su mejor momento.

FUENTE RESPONSABLE: BBC News Mundo. Por Mark Savage, corresponsal musical de la BBC. Mayo 2022.

Sociedad y Cultura/Londres/Música/Avatares/ABBA

 

 

¿Quién es Clara Wieck? Cuatro obras para conocer a la compositora más importante del siglo XIX.

Annie Dutoit Argerich brilla en la obra actualmente en cartel interpretando a la genial pianista alemana, además esposa de Schumann y posiblemente amante de Brahms; su notable obra y pensamiento, mayormente desconocidos fuera del circuito más melómano, merecen ser descubiertos por el gran público.

Quien pase por delante del Teatro San Martín podrá ver en el frente un gran poster que, inapelable, anuncia y pregunta ¿Quién es Clara Wieck? 

Seguramente son escasísimos quienes podrían ofrecer alguna respuesta. Para los amantes de la música clásica, Clara Wieck era la esposa de Robert Schumann, además, pianista, compositora y, posiblemente, la amante de Johannes Brahms. 

Para el resto, claramente la amplísima mayoría de la población, una absoluta desconocida, para colmo, con un apellido de memorización dificultosa. Como incentivo para mover a unos y a otros a ver este novedad teatral absoluta parece conveniente revelar en algo quién fue Clara Wieck. Y esto va tanto para los amantes consuetudinarios de Schumann y de Brahms como para quienes, por las razones que fueren, consideran al mundo de la música clásica como ancho y ajeno.

Los grandes compositores del pasado fueron llevados al cine. Mozart se mereció un Amadeus ̧ que, de excelente drama teatral, pasó a película super taquillera. 

A Beethoven le dispensaron (o le propinaron) Amada inmortal, un mediocre melodrama que no le hacía ninguna justicia. Y en estos pagos, lejísimo de la Alemania que la vio nacer en 1819, Betty Gambartes y Diego Vila consideraron que esta mujer, la más notable pianista y compositora del siglo XIX -un tiempo en el cual a las mujeres les aguardaban otros matriarcales menesteres- bien se merecía una puesta en escena para mostrar su vida, sus pensamientos, sus dudas, sus luchas y su música.

Annie Dutoit Argerich, protagonista de ¿Quién es Clara Wieck? , de Betty Gambartes y Diego Vila

Annie Dutoit Argerich, protagonista de ¿Quién es Clara Wieck? , de Betty Gambartes y Diego Vila. Carlos Furman – Gentileza

Por favor cliquea donde se encuentra escrito en “negrita”; como en los link´s de esta entrada.

¿Quién es Clara Wieck? es una creación artística y, por lo tanto, tienen su lugar, con absoluta licitud, fantasías, parlamentos, situaciones y desarrollos dramáticos que Betty Gambartes, en su doble rol de autora y directora, los lleva adelante con creatividad y solvencia. 

Pero, sin inexactitudes o de alteraciones que violentan la historia, el libreto se asienta sobre una documentación rigurosa, con fechas, datos, escritos y, por supuesto, partituras de Schumann, de Brahms y de la misma Clara. La voz de Clara, con una dicción impecable y todas las inflexiones imaginables, es la de Annie Dutoit Argerich quien, además, apela al alemán para darle verosimilitud a las imposiciones y las diatribas de su padre. 

Pero, lejos de un monodrama muy bien actuado, de principio a fin, el texto está atravesado por música. De las manos del veterano y talentoso pianista Eduardo Delgado y de la voz del excelente bajo que es Hernán Iturralde afloran bellos y muy bien interpretados fragmentos, obras completas y canciones que no son meras músicas incidentales sino que son sustanciales y esenciales en la creación de un clima intenso y sostenido. Hablando de su marido, Schumann, y de su “alma gemela”, Brahms, Clara apenas si trae a colación sus propias obras. Sólo suenan un puñadito de ellas. Y para conocerla mejor, YouTube provee posibilidades para conocerlas y degustarlas.

Sus composiciones imprescindibles

Cuando tenía dieciséis años y ya era una virtuosa del teclado consagrada, Clara escribió el primero de sus dos conciertos para piano y orquesta. En los albores del romanticismo, esta obra denota una íntima afinidad con este nuevo movimiento. Aquí lo toca Mijal Tal acompañada por The Israel Camerata Jerusalem, dirigida por Keren Kagarlitsky.

Clara Schumann Piano Concerto in A minor

Las reivindicaciones de género -uno de los tópicos centrales en el drama de Gambartes y Vila- hacen que, por lo general, las obras de Clara Wieck sean interpretadas, mayormente, por mujeres. O, en sentido contrario, las intérpretes modernas acuden presurosas y voluntariosas a su encuentro. Aquí, brillante y sensible, Isata Kanneh-Mason trae a la vida al muy romántico Scherzo para piano Nº2, una pieza de virtuosismo que, por supuesto, la misma Clara la interpretaba a lo largo de extensas giras por toda Europa.

Isata Kanneh-Mason | Clara Schumann‘s Scherzo No.2 in C Minor | Classic FM Session

Clara también dejó algunas obras en el campo de la música de cámara. Sin lugar a dudas, la más relevante de ellas es el Trío en sol menor, op.17. Ya instalado como una obra de repertorio, el trío es extenso, tan equilibrado como pasional y profundamente lírico. El célebre Atos Trio lo interpretó poco más de dos años atrás en el Konzerthaus de Berlín. Bello de principio a fin, tal vez convenga posicionarse en el minuto 16.35 para deleitarse con toda la poesía del tercer movimiento.

ATOS Trio: Clara Schumann – Trio in g-minor, op.17

En el campo de las canciones, Clara también dejó su huella. El tenor alemán Julien Pregardien canta “Lorelei”, un lied escrito en 1846 sobre un texto de Heine que relata la triste historia de un barquero que naufraga por mirar a una doncella sentada en lo alto de una roca y por escuchar, embelesado, su cantar.

Clara Schumann: Die Loreley – Julian Prégardien & Els Biesemans

Clara Wieck, o Clara Schumann, como todavía se la sigue llamando, fue una música completa. La más grande pianista de su siglo y una compositora destacada. Pero para entender o avistar su intimidad, con la música no alcanza. Todo esto debe ser tomado como un complemento para admirar ¿Quién es Clara Wieck?, una obra imprescindible, muy bien llevada adelante por Betty Gambartes, Annie Dutoit, Eduardo Delgado y Hernán Iturralde o Víctor Torres y que, en estos tiempos de correctísimas reivindicaciones de género, es de rigurosa actualidad.

Imagen de portada: Clara Wieck por Elvire Leyser, 1836. History & Arts Images (HAI) – Hulton Archive

FUENTE RESPONSABLE: La Nación. Cultura. Por Pablo Kohan. Abril 2022

Sociedad y Cultura/Clara Wieck/Música/Legado/Mujeres influyentes

 

 

 

LAS CARTAS PROHIBIDAS DE TCHAIKOVSKY SALEN A LA LUZ: LA POLÉMICA VIDA OCULTA DEL COMPOSITOR.

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El compositor de El lago de los cisnes es una de las figuras más misteriosas de la música clásica. 

A pesar de que el genio fue muy discreto en lo que a su vida personal se refiere hoy, 128 años después de su muerte, se ha convertido en centro de polémicas comprometiendo a la ley de propaganda homosexual rusa. ¿Tchaikovsky era gay?

Empecemos por el comienzo. ¿Quién era realmente Piotr? Lo cierto es que, aunque hoy se le considera un emblema de la historia rusa, el genio nunca se sintió especialmente vinculado a su tierra. 

De alguna manera fue un incomprendido dentro de las fronteras de la tierra que le vio nacer. Sus composiciones hoy constituyen un patrimonio cultural a nivel global y, aunque a nivel de ritmo cuentan con claras influencias del patriotismo ruso, él nunca llegó a sentirte ruso del todo, al menos no desde una perspectiva tradicionalista.

De hecho, podríamos decir que logró hacer despegar su carrera gracias a un mecenas extranjero del que, según revelan algunas de sus cartas, se enamoró.

Gracias a ellas hoy podemos saber que cuando caía el telón y la función terminaba, su figura intelectual y genuina se transformaba en alguien que hoy sigue generando polémicas. 

Más allá de la apariencia que el artista quiso construir, existía un hombre tremendamente femenino que sintió un amor casi obsesivo con su madre (quien al morir, le sumió en un profundo vacío) y que, además, era abiertamente homosexual.

Fuente.

Las cartas prohibidas de Tchaikovsky.

Así lo ponen de manifiesto las cartas que escribió Piotr a puño y letra y en las que ponía de manifiesto sus deseos prohibidos por otros hombres, algunos de ellos, amigos con los que se relacionaba a diario.

Esta dimensión más humana del célebre compositor ha tratado de reprimirse e invisibilizarse durante mucho tiempo dentro de Rusia. 

No olvidemos que el país es uno de los más homófobos que existen en el mundo y uno de los que presentan un rechazo claramente institucionalizado hacia la homosexualidad (la ley contra la propaganda LGBT es sólo un ejemplo de los muchos recursos legales que implementa para silenciar y oprimir a aquellas personas que se salen de la estricta heteronormatividad) .

El hecho de que Piotr Tchaikovsky, uno de sus símbolos nacionales históricos más importantes, se revele como homosexual, genera un sentimiento de vergüenza generalizado por lo que intentan una y otra vez reinventar la vida personal del genio y cuestionar la autenticidad de sus cartas.

En total, su correspondencia asciende a más de 5.000 cartas que se conservan en el interior de la Casa Museo Estatal Tchaikovsky, en Moscú. Marina Kostalevski es la autora de un libro que revela el contenido de las mismas:

“Dios santo, qué criatura tan angelical, cómo echo de menos ser su esclavo, su juguete, su propiedad”, relató el compositor en una de ellas hablando de uno de sus sirvientes domésticos. La autora incluye algunas de las anécdotas más oscuras de su vida sexual oculta y afirma que tenía un sentido del humor “descarado”.

En otro fragmento, Piotr narra que le ofreció dinero en efectivo a un joven “de belleza impresionante” a cambio de que mantuviese relaciones sexuales con él, a lo que éste se negó y según declara el artista “lo hacía por amor al arte, porque le encantaban los hombres con barba”.

Junto a estas confesiones, también figura uno de sus fetiches: El voyeurismo. De hecho afirma que lo practicaba con su amigo Petashenka. Según cuentan sus propias letras, juntos se reunían en su apartamento para espiar a los cadetes que formaban filas en el cuartel. Entre sus conversaciones secretas también figuran algunas con su hermano Modest (abiertamente homosexual) o las que mantenía con amantes como Iosif Kotek (uno de sus alumnos) o su compañero Aleksey Apujtin.

Esta información ha sido negada de forma frontal en innumerables ocasiones por Vladimir Medinsky, ministro de cultura. 

En realidad los esfuerzos para desmentir su veracidad han sido bastante variados. Uno de ellos adquirió forma de película biográfica que ocultaba esta dimensión de su vida. No obstante, no es algo extraño. No olvidemos que reflejar relaciones homosexuales en los medios de comunicación rusos es algo penado por la ley y, dentro de un proyecto de financiación estatal, es algo que está totalmente descartado.

Imagen de portada: Fuente.

FUENTE RESPONSABLE: La piedra de Sísifo. Gabinete de    Curiosidades. Diciembre 2021.

Sociedad y Cultura/Rusia/Música/Genios virtuosos/Homosexualidad

Billie Eilish: «Exponerme a la pornografía a los 11 años dañó mi vida sexual».

Eilish dijo que el ver pornografía de niña la dejó «devastada».

La cantautora y compositora estadounidense Billie Eilish describió cómo sufrió de pesadillas después de estar expuesta a pornografía «abusiva» desde los 11 años.

En una conversación con la estación de radio digital SiriusXM, la estrella de 19 años dijo que, tras reflexionar sobre las consecuencias de su contacto con ese contenido, se siente «devastada».

«Exponerme a la pornografía a los 11 años dañó mi vida sexual», dijo. Y explicó que esa experiencia no le permitió «decir no a cosas que no eran buenas» cuando empezó a tener relaciones sexuales.

«Fue porque yo pensaba que eso era lo que se suponía que me atraía», contó la artista que ha ganado siete premios Grammy.

Eilish, que está a punto de cumplir 20 años, ha estado en el ojo público durante gran parte de su adolescencia.

Tiende a vestir ropa ancha y holgada y habla con frecuencia de su imagen corporal y de cómo su figura fue sexualizada en su adolescencia.

El tema de la pornografía surgió en la entrevista cuando se hizo referencia a la canción Male Fantasy («Fantasía masculina»), de su último álbum Happier Than Ever («Más feliz que nunca»).

En esa balada, canta sobre estar sola en casa distrayéndose con pornografía mientras recuerda una relación sentimental rota.

Le contó al conductor del programa Howard Stern que ahora piensa que la pornografía «es una vergüenza», después de haber visto de niña contenido que describe como «violento» y «abusivo».

En particular, Eilish criticó la manera en que la pornografía refleja los cuerpos de las mujeres y sus experiencias sexuales.

«No entendía por qué eso era algo malo. Pensé que era la manera en la que aprendías a tener relaciones sexuales». Y añadió que su madre quedó «horrorizada» cuando se le contó.

«Yo lo defendía y pensaba que era una más del grupo de chicos listos que hablaba de eso. Y pensaba que era genial porque no tenía problemas con eso y no veía qué tenía de malo».

La cantautora dice creer que el ver ese contenido cuando era tan joven «destruyó» su cerebro y le produjo pesadillas.

Señaló que es un «verdadero problema» que la pornografía puede distorsionar lo que es normal durante el sexo, incluyendo el asunto del consentimiento.

Esa opinión la comparten expertos y organismos que se enfocan en el bienestar de la niñez, incluyendo a Unicef. Coinciden en que la exposición a la pornografía en edad temprana puede ser dañina.

Indican que la pornografía abusiva y los actos misóginos cometidos en ella pueden conducir a la normalización de estos y que pueden llegar a afectar la salud mental de los niños, entre otros efectos negativos.

GETTY IMAGES.Billie Eilish es conocida por vestir en ropa holgada para evitar que el público centre la atención en su cuerpo.

Eilish también comentó otra variedad de asuntos en su entrevista, incluyendo cómo es salir con alguien estando bajo la mirada pública y cómo fue contraer la covid-19 a mediados de este año a pesar de estar vacunada.

A los 18 se convirtió en la más artista musical más joven de la historia en ganar los cuatro principales premios Grammy en un mismo año, cuando en 2020 se llevó las estatuillas de nueva artista, álbum, disco y canción.

Eilish le confesó a Stern que su fama le creó dificultades para salir con alguien.

En cuanto al contagio de covid-19, dijo que estuvo enferma durante casi dos meses.

Y añadió que, de no estar vacunada, tal vez hubiera muerto: «Quiero dejar bien claro que es debido a la vacuna que estoy bien. Creo que si no hubiera estado vacunada, hubiera muerto, porque estuve mal».

Imagen de portada: GETTY IMAGES

FUENTE RESPONSABLE: Redacción BBC News Mundo

Sociedad y Cultura/Sexo/EE.UU./Música/Salud de la Mujer/Mujeres

Científicos traducen las pulsaciones de una estrella en música.

Un equipo de científicos, de la Agencia Espacial Federal Rusa (Roscosmos), compartió en su cuenta oficial de YouTube un espectacular vídeo, que le ha dado la vuelta al mundo, de los enigmáticos púlsares. Este término hace referencia a una estrella de neutrones que se caracteriza por rotar a una gran velocidad en el espacio.

Desde la Tierra, este tipo de estrellas se perciben en el cielo como pulsos de radiación y además se caracterizan por ser extremadamente constantes. Sin embargo, el periodo de la pulsación de estos objetos aumenta, con el paso de los años, cuando disminuye su velocidad de rotación.

Los púlsares se pueden utilizar como puntos de referencia para distintos satélites.

Este diagrama esquemático de un púlsar ilustra las líneas de campo magnético en blanco, el eje de rotación en verde y los dos chorros polares de radiación en azul.Foto: Mysid

Estas estrellas de neutrones están compuestas mayoritariamente de neutrones y en menor parte por hierro y otros elementos metálicos. Además, los púlsares son extremadamente compactos. Ya que, pueden contener el equivalente a toda la materia del Sistema Solar en una esfera de 20 kilómetros de diámetro.

“La música se obtuvo al traducir la frecuencia de las pulsaciones de una estrella de neutrones en ondas de sonido», explicaron los expertos. El resultado fue espectacular.

Por favor; ve el vídeo. Muchas gracias!

En este video, que tiene una duración de tres minutos con 37 segundos, se puede ver la música que se generó a través de las distintas pulsaciones:

Музыка пульсаров

Hoy en día los científicos han descubierto más de 600 púlsares, en distintas partes del universo, con periodos de rotación que van desde el milisegundo a unos pocos segundos.

Con información de: La Agencia Espacial Federal Rusa (Roscosmos).

Imagen de portada: Foto: Hubble Site

FUENTE RESPONSABLE: NATIONAL GEOGRAPHIC- Abril 2019

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Música para perros, estos son sus efectos.

Un estudio ha determinado qué tres tipos de música afectan a los perros, pues los canes no interpretan las ondas sonoras de la misma forma que nosotros.

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El desarrollo de los sentidos de los perros hacen que aquellas percepciones que para nosotros tienen un significado para ellos sean algo completamente distinto. Por ejemplo, los perros no son capaces de entender las imágenes de una pantalla de televisión o un móvil, pues al ser superficies de dos dimensiones (y no en tres), no son más que una mancha sobre una superficie plana. De la misma forma, los sonidos que nosotros podemos comprender y apreciar para ellos tienen una profundidad muy diferente.

No es común que los perros reaccionen a la música, no se muestran cautivados por el ritmo ni demuestran siquiera que ese sonido les importe. Lo cual es razonable, uno de sus sentidos más agudos es el oído, pero el suyo está desarrollado de forma que interpreta las ondas sonoras de una manera muy diferente a nosotros y, previsiblemente, esa información es conducida a su cerebro significando algo radicalmente distinto a lo que nosotros percibimos.

Si tienes perro, no abuses de la música.

Por eso la música para los perros no es más que un sonido ambiente más, como el sonido de la cisterna, el ruido del ascensor o la voz de un familiar parlanchín que viene de visita. Aunque en ocasiones la música no es más que puro ruido, porque cuando los humanos nos emocionamos ponemos la música muy alta y una canción a todo volumen es capaz de rellenar todo el espacio sonoro. 

Una canción a máximo volumen podría significar para los perros una privación sensorial de primer nivel, porque dejarían de escuchar cualquier sonido y de repente escuchar solo música, sin embargo no es un problema para ellos porque son capaces de escuchar un espectro más amplio de frecuencias de onda, y logran pasar por alto nuestra la música y seguir percibiendo otros sonidos.

En todo caso, es recomendable tener en cuenta que si vivimos con un perro no está de más atender al efecto que tienen sobre él los distintos tipos de música. Algunos pueden ayudar a tranquilizarlos y otros le ofuscarán. La música no está diseñada para sus oídos ni para su comprensión, y si nuestra casa se asemeja más bien a una discoteca en el fondo estamos obligando al animal a convivir en un entorno que puede agotarle y estresarle sensorialmente.

El primer estudio sobre zoomusicología y perros.

La facultad de psicología de la Queen’s University de Belfast ha desarrollado un estudio empírico basado en el comportamiento de los perros frente a distintos tipos de música. Lo han realizado zoo musicólogos que investigan el efecto de los sonidos en los animales, percepción, hábitos y constantes, tales como el ritmo cardiaco, respiración y la actividad cerebral del can.

El proyecto ha sido liderado por la doctora Deborah Wells y ha sacado en claro que existen tres tipos de música diferenciados ante los que los perros demuestran una reacción diferente y clara: música clásica, pop-rock y heavy.

Clásica, la música que amansa a las fieras.

El estudio es meramente experimental, es decir, no se abordan las causas sino solamente los efectos, pero se ha descubierto que varias piezas de música clásica son capaces de hacer dormir más a los perros y de forma profunda. 

Concretamente duermen un 6% más de lo habitual. Mediante las mediciones de ritmo cardiaco y ondas de sueño se ha determinado que gracias a la música clásica los perros descansaban de forma más plácida y confiada, por lo que esta música, de forma similar a los humanos podría dotar a su mente de docilidad y descanso.

Según el estudio, las piezas clásicas que mejor cumplen esa función son Las cuatro estaciones de Vivaldi; La quinta sinfonía de Beethoven; Elisa de Beethoven y El Danuvio azul de Johann Strauss.

Pop-rock, hablar por hablar

Otra de las conclusiones del estudio es que la reacción que tienen los perros al escuchar música pop o rock comercial es la misma que cuando los humanos hablan, perciben un murmullo de comunicación entre nosotros, pero no les interesa lo más mínimo, pues no lo comprenden. 

Una parte del estudio consistió en tratar de identificar si un tipo de música en concreto podría ser más afín a un perro porque, supuestamente, es el tipo de música que escucha su dueño y, a fuerza de tener costumbre está hiciera un efecto de calma por repetición. Sin embargo el estudio destacó que los perros no solo no coinciden con el gusto musical de sus dueños, sino que no existe ningún vínculo evidente entre la música que más se escucha en casa y una reacción específica en el animal. Es decir, la música no les interesa salvo que se enmarque en uno de los tres tipos musicales que sí dieron resultado.

¡Heavy metal, socorro!

Parece evidente, pero el tipo de música ante el que más reaccionaron los perros del estudio fue el heavy metal y el rock duro. Los canes aumentaron un 70% sus ganas de ladrar, su ritmo cardíaco se aceleró y se estimó que, por tanto, los perros sentían cierta ansiedad, se sentían en guardia y su sentido auditivo parecía trabajar al límite.

Parece ser que las melodías de guitarra del heavy y los tonos de voz de los vocalistas pueden igualar ondas sonoras de “alarma” que los perros identifican como llamadas de atención, y eso les pone en guardia. Además, esta música tiene un uso mayor de los graves y, aun cuando está a un volumen bajo, su sonido es capaz de rellenar enormemente el espacio sonoro. Esto, en suma, hace que el Heavy sea para los perros como si una manada de canes estuviera ladrando, dando golpes con cacerolas y accionando fuegos artificiales.

Imagen de portada: Gentileza de Life Style España

FUENTE RESPONSABLE: Life Style España

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