Vísperas de la nada.

PICASSO Y SUS AMIGOS | CRÍTICA.

  • Renacimiento publica uno ‘Picasso y sus amigos’, importante testimonio de la bohemia parisina en el albor del XX, así como los primeros tiempos del pintor en París, en el que era pareja de la autora, Fernande Olivier, una reconocida modelo de pintura.

La editorial Renacimiento recupera oportunamente un libro excepcional, no sólo por su sencillez, sino por la belleza elemental y cálida que se desprende de sus páginas. Fernande Olivier, su autora, fue modelo de numerosos pintores del entre siglo parisino (por ejemplo, Hugué y Van Dongen), pero comparece aquí, no tanto en calidad de pareja del primer Picasso, cuanto en su virtud de su protagonismo y de su valor testimonial de aquella hora primera de las vanguardias. El periodo que comprende este volumen, publicado en 1933, abarca los primeros años del siglo XX, desde 1903, en que conoce a Picasso, al funesto año catorce, cuando comienza la Gran Guerra. Esto es, el periodo en que Picasso, el joven Picasso, va de la época azul a la rosa para desembocar en la misteriosa aridez del cubismo.

EL PICASSO DE OLIVIER ES UN JOVEN ABSTRAÍDO, A VECES DULCE, A RATOS HERMÉTICO, CON UN ACUSADO AMOR A LOS ANIMALES,

Probablemente, en este año conmemorativo (medio siglo ya de la muerte del pintor), la aproximación a su figura venga teñida por cierto viso personal, en el que se valore adversamente la relación de Picasso con el sexo femenino. 

Pero este es el alto valor añadido el que se nos presenta, de hecho, en este Picasso y sus amigos. No solo porque venga escrito por una mujer perspicaz, generosa y ecuánime, sino porque el Picasso que de aquí se infiere es un joven abstraído, a veces dulce, a ratos hermético, con un acusado amor a los animales, y en el que la autora intuye un vago dolor, un dolor sordo e innominado, como secreto motor de su arte. 

Con todo, no es este Picasso juvenil, trabajador formidable, que ya se dirige hacia la línea neta del cubismo, lo que ofrece mayor interés testimonial. El mayor logro de Picasso y sus amigos quizá sea el que ya se deduce de su título; esto es, la reproducción de la vida comunitaria, la estrecha y feliz bohemia en la que viven unos personajes, de extremada pobreza, que hoy forman parte conspicua de la historia del arte (Apollinaire, Max Jacob, Matisse, Van Dogen, Rousseau el Aduanero, Marie Laurencin, Zuloaga, Hugué, Derain, Vlaminck, Modigliani, Braque, Marinetti, los hermanos Stein, el marchante Vollard…), y cuya humildisima vida, la de los pintores, me refiero, se recoge aquí con una melancólica ternura.

Ese es, sin duda, otro de los atractivos de esta evocación memorística. Pero no tanto por una previsible idealización del ayer, cuanto por la conciencia de que en aquellos días se estaba conjeturando una forma nueva del arte. Más tarde, cuando a algunos les llegue el reconocimiento, también les llegará el temor a dejar de crear como hasta entonces. 

De hecho, es este dirigirse hacia una madurez gloriosa, repetitiva y huera, este hallarse en vísperas de la nada, uno de los procesos íntimos que Olivier observa entre sus amigos. En tal sentido, el Picasso de Olivier será un joven obsesivo, afanado en su trabajo, y cuya inquietud creciente es la de llegar a una situación que no permita futuras evoluciones. 

Quiere decirse, entonces, que el Picasso proteico que conocemos es fruto de esta necesidad íntima de eludir lo irreversible (según Olivier, en Picasso había una gran preocupación por la enfermedad y la muerte), que ya se había manifestado, en toda su corpulencia, en los años juveniles.

En cualquier caso, no es el menor de los encantos de Picasso y sus amigos el conjunto de anécdotas que aquí se ofrece como una muestra de aquella forma de vivir, a un tiempo vertiginosa y ascética. El homenaje tributado a Rousseau el Aduanero, no exento de un fondo irónico, patentiza, al cambio, el inviolable candor de aquel extraordinario artista. 

Por similares motivos, el episodio de las estatuillas sustraídas del Louvre, en el que se vieron envueltos Apollinaire y Picasso, nos muestra a dos jóvenes aterrados ante la policía, lejos de cualquier exultación vanguardista, y a los que cierta benevolencia judicial excusó de responsabilidades -como así era- en dicho asunto. 

Lo cual no quita para ambos fueran interrogados, tiempo después, en 1911 (Olivier no refiere tal episodio), en relación al robo de La Gioconda en el Louvre, cuya repercusión mundial no es fácil, acaso, imaginarse hoy. Todo ese pequeño mundo de la bohemia, que entrará en erupción con la Grand Guerre, es el que aquí se sustancia, con sencillez admirable.

El cubismo nació en Horta

Según Olivier, el cubismo nació en Horta, un pueblo de Zaragoza. O con mayor precisión, a la vuelta de aquel viaje, del que salieron algunos lienzos que traían ya un germen de la nueva estética. Digamos, en cualquier caso, qué clase de estética es esta que recoge Apollinaire en Los pintores cubistas, publicado en 1913. Según Apollinaire, se trata de una estética de lo inhumano, en busca la pureza y la verdad (no del mero mimetismo naturalista), y heredera “sin ser emanación directa de creencias religiosas”, del gran arte sacro. Recordemos que dos años antes, Kandinsky ha publicado 

De lo espiritual en el arte (1911). Y que tres años atrás, Wilhem Worringer, discípulo de Rielg, ha publicado un libro determinante: Abstracción y Naturaleza (1908), donde se identifica la abstracción con la espritualidad, la convulsión y el miedo a una realidad de carácter hostil y mutadizo. Todo lo cual guarda relación estrecha con Nietzsche y El nacimiento de la tragedia (1871), en el que el filósofo define el dórico como un último freno a lo instintivo. Em fin, esa vía nebulosa y tentativa a la verdad es la que veremos comenzar aquí a Picasso, en total secreto, seguido de Braque.

Imagen de portada: Fernande Olivier y Pablo Picaso en París, muy a primeros del XX

FUENTE RESPONSABLE: Diario de Sevilla. España. Por Manuel Gregorio Gonzáles. 29 de enero 2023.

Sociedad y Cultura/Literatura/Arte/Pintura/Cubismo/Pablo Picaso

La ficha. Picasso y sus amigos. Fernande Olivier. Trad. Manuel Álvarez Ortega. Prólogo, Juan Manuel Bonet. Prefacio, Paul Léautaud. Renacimiento. Sevilla, 2022. 320 págs. 20 €

Norman Mailer y Picasso: los genios cancelados del año.

Los fastos por el centenario del escritor y los 50 años de la muerte del pintor chocan con la revisión de sus figuras por la neo inquisición.

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Repican campanas de cancelación. Dos genios de la cultura celebran este año significativos aniversarios marcados por el estigma de la neo inquisición. Más allá de si lo merecen o no, las cuestiones que se abren acerca de una posible cancelación tienen que ver con el concepto de contexto y, sobre todo, con la posibilidad de salvar sus obras si se confirma que sus comportamientos personales deben ser considerados como inadmisibles. 

El primero de ellos, Norman Mailer, hubiera cumplido hoy mismo un siglo. Teniendo en cuenta su vida de espléndidos excesos, tampoco debería quejarse de no presenciarlo en persona. Llegó a los 84 años, que ya está bien. 

Polifacético y polémico por vocación, se destacó por su trabajo como escritor. Saltó a la fama muy joven, gracias a la publicación en 1948 de Los desnudos y los muertos, una novela basada en sus experiencias durante la Segunda Guerra Mundial. 

Pero su salto definitivo a la inmortalidad llegó cuando se atrevió a pasar de ese «basado en sus experiencias» al descarnado género de la no ficción. La gran crónica Los ejércitos de la noche, con la que ganó el Pulitzer en 1969, contribuyó decisivamente a consolidar el fenómeno del Nuevo Periodismo, en el que compartiría filas con los Truman Capote, Hunter S. Thompson, Tom Wolfe y compañía. Buenos tiempos para el periodismo… 

Portada del libro

Los ejércitos de la noche está precisamente inspirada en la Marcha sobre el Pentágono de 1967, cuando una pintoresca variedad de tribus urbanas enarboló margaritas y guitarras contra la guerra de Vietnam en las mismas narices de los políticos de Washington. Mailer, juguetón, siempre ácido e incisivo, prestó especial atención a los grupos de la vieja y la nueva izquierda que se disputaban el liderazgo de la progresía… y en el que él mismo militaba hasta el punto de ser detenido por su implicación en las protestas. 

En otras cuestiones, su comportamiento no se ajustaba al perfil ahora considerado canónico por el progresismo. 

Mujeriego incorregible, se casó seis veces, y en 1960 tuvo el poco empático gesto de apuñalar a su segunda esposa con un cortaplumas durante una fiesta. Quizá le sirviera de excusa la afición al alcohol y las broncas, porque el feminismo no le dio la espalda (imaginamos que su segunda esposa tampoco se la volvió a dar), hasta el punto de que su gran amiga Gloria Steinem, activista feminista de reconocido prestigio, lo convenció para presentarse a alcalde de Nueva York. Por el Partido Demócrata, obviamente. 

Sus propuestas eran bastante radicales y salpicadas de algo así como un trumpismo con talento literario. Dejó, por ejemplo, esta perla: «La diferencia entre los otros candidatos y yo es que yo no soy bueno y puedo probarlo». Quedó cuarto de cinco candidatos. 

Norman Mailer (1967) | Wikimedia Commons

A partir de entonces, aunque siguió dando la lata con su peculiar activismo político, se centró en su carrera literaria (con algunos escarceos con el cine), hasta convertirse en la gloria indiscutible de las letras estadounidenses que era hasta hace poco. A principios del año pasado, Michael Wolff reveló en The Ankler la «cancelación de Norman Mailer por Random House»

Al parecer, la editorial abortó la publicación de un libro sobre los ensayos políticos de Mailer porque a uno de sus empleados le repelió uno de ellos titulado «The White Negro». 

Polémico ya en su momento, critica a un «negro blanco» por su conformismo y apela a vivir como los negros «de verdad», es decir, siguiendo la estela de los beatniks… como él. Tipos rebeldes. Los malotes que les gustaba a los progresistas de aquella época. Aunque apuñalaran a alguna esposa.

En su momento, algunos intelectuales negros le afearon que se apropiara de los tópicos del afroamericano impulsivo, guiado por la violencia y el sexo. 

Pero a la progresía de la época, esa que tan brillantemente describió Tom Wolfe en La Izquierda Exquisita & Mau-mauando al parachoques le molaba aquella especie de Hemingway «de los nuestros». 

Hoy la cosa ya no está tan clara. Wolff asegura que la feminista Roxane Gay también contribuyó a la cancelación de Random House. La misma Gay lo ha negado, pero Wolff cita fuentes de la editorial y, sobre todo, explica que el nombre de la feminista podría haber sido usado, sin su consentimiento, como argumento para la cancelación. 

La cuestión es que se ha utilizado el feminismo como ariete contra un autor muerto hace 16 años. El fondo va más allá de tener razón o no. Diogo Noivo emparejó en estas páginas a Mailer con Cervantes para reflexionar sobre el fondo del asunto: el juego, perverso, entre literalidad y cancelación.   

La otra gran cancelación del año apunta a Pablo Picasso. Con matices. Por supuesto, nadie lo va a borrar de la historia, por mucho que lo intenten, pero sí hay en curso una campaña para disminuir el tamaño de su mito. El gran hito al respecto en los últimos tiempos ha sido el podcast «Vénus s’épilait-elle la chatte?», de la francesa Julie Beauzac, que afronta el arte desde una perspectiva agresivamente feminista. 

Cuando pasó de las 250.000 escuchas y deslumbró en el Paris Podcast Festival, los medios comenzaron a fijarse en su deconstrucción de Picasso.

No era la primera vez que el pintor malagueño recibía los ataques de la intelectualidad francesa. En 2017, por ejemplo, Sophie Chauveau se despachaba a gusto en su libro Picasso: la mirada del minotauro. 

Pero el éxito creciente del movimiento MeToo y la cercanía del 50 aniversario de la muerte de Picasso han precipitado las cosas. Un reportaje de AFP, replicado por buena parte de la prensa francesa, recogía el pasado abril el sentir de Cecile Debray, nada menos que directora del Museo Picasso de París: «Es evidente que el #MeToo empañó al artista». Algunas citas atribuidas a Picasso, recuerdan en el reportaje, harían arder Twitter si las dijera hoy. El ejemplo es demoledor: «Para mí sólo hay dos clases de mujeres: diosas y felpudos».

El museo de París decidió contemporizar con las enemigas del artista que da nombre a su institución y, entre otras iniciativas, invitaron a exponer sus trabajos a artistas críticas como Orlan, creadora de Las lloronas están enfadadas, una respuesta bastante explícita al retrato La llorona, de Picasso. 

La pinacoteca equivalente en Barcelona hizo algo parecido con unos talleres y charlas con historiadores del arte y sociólogos para desentrañar la presunta miga misógina de Picasso.

Imagen de portada: Pablo Picasso/ Cannes, Francia (1961) | KEYSTONE Pictures USA / Zuma Press / Europa Press.

FUENTE RESPONSABLE: The Objective. Por Ángel Peña. 31 de enero 2023.

Sociedad y Cultura/Literatura/Pintura/Picasso/Mailer/Violencia de género/Historia.

El secreto de este cuadro de Rembrandt ha estado oculto por siglos, hasta hoy.

La famosa obra de Rembrandt ha guardado durante siglos un secreto en sus pigmentos que ahora ha sido descubierto por investigadores de Europa, revelando así nuevas técnicas del maestro neerlandés.

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Ronda de Noche es para muchos la obra maestra del pintor neerlandés Rembrandt. Creada durante tres años en el siglo XVII, este mastodóntico lienzo ha permanecido por varios siglos guardando un secreto del que ahora los investigadores de toda Europa se han hecho eco. 

Y es que, según informan desde ScienceAlert, una nueva investigación mediante tecnología moderna ha revelado algo insólito en la famosa obra de arte del Siglo de Oro holandés.

Este es el secreto mejor guardado hasta la fecha de Ronda de Noche

Hay muchos detalles que sabemos hoy día acerca de Ronda de Noche. La pintura fue originalmente encargada por la Corporación de Arcabuceros de Ámsterdam para decorar el Gran Salón del Kloveniersdoelen y por eso debido a esto Rembrandt decidió darle una monumental dimensión al lienzo.

Pues bien, recientemente el estudio que forma parte del Operation Night Watch de 2019 (el mayor proyecto de investigación y conservación sobre la obra de Rembrandt), ha descubierto un nuevo secreto mientras investigaban cómo reaccionan químicamente los materiales de la pintura a lo largo del tiempo.

Detalles del boceto original de Ronda de Noche

A través de un avanzado instrumento de escaneo de rayos X aplicado directamente sobre las partículas de pintura, y un estudio de microsondas de rayos X de sincrotrón para los fragmentos más pequeños, se revelaron dos análisis de Ronda de Noche que mostraban muchos pequeños detalles del boceto original de la obra que posteriormente habían cambiado para la versión final que conocemos en la actualidad.

Estos detalles pudieron observarse al mapear los altos niveles de calcio en la pintura rica en tiza que usó Rembrandt para sus bocetos preparatorios, como puede observarse en la siguiente imagen:

Imagen con detalles del boceto subyacente de Ronda de Noche revelados

No obstante, no solo esto llamó la atención de los investigadores. Y es que la técnica de rayos X de sincrotrón facilitó el descubrimiento de la presencia de un compuesto organometálico conocido como formiato de plomo. El descubrimiento en cuestión es todo un hito, pues este compuesto nunca hasta ahora se había detectado en pinturas históricas, solamente en estudios que modelan el envejecimiento de las pinturas.

Una nueva perspectiva del trabajo de Rembrandt

En palabras de los propios investigadores: «No solo descubrimos formiatos de plomo, sino que los identificamos en áreas donde no hay pigmento de plomo«. Además, añaden: «Creemos que probablemente desaparezcan rápido, es por eso que no se detectaron en las pinturas de los maestros antiguos hasta ahora».

Distribuciones de diferentes compuestos de plomo en la pintura

La distribución de los formiatos de plomo sugiere que estaba más concentrado en algunas capas que en otras y asociado con pinturas de colores claros.

Los resultados del estudio sugieren que Rembrandt mezcló óxido de plomo (II) en su medio de pintura de aceite de linaza para ayudar a que los colores de pintura más claros se sacasen. Posteriormente, las interacciones con otras moléculas a lo largo del tiempo convirtieron esto en formiatos de plomo.

«Esta investigación abre nuevas vías sobre la reactividad de los pigmentos históricos y, por lo tanto, sobre la preservación del patrimonio».

Sin embargo, cabe aclarar que el equipo de investigadores también creen posible que estos formatos hayan surgido de esfuerzos de restauración anteriores, ya que los intentos anteriores de restauración han causado grandes cambios en la pintura. Pese a todo, el equipo opina fervientemente que estos nuevos detalles revelados podrían aportarnos información sobre las técnicas pictóricas de Rembrandt: «Esta investigación abre nuevas vías sobre la reactividad de los pigmentos históricos y, por lo tanto, sobre la preservación del patrimonio».

Rembrandt se ha hecho famoso por su exploración de materiales, técnicas y composiciones pictóricas, y desde luego los investigadores de Operation Night Watch continúan demostrando por qué el pintor neerlandés era un genio de su época.

Imagen de portada: Ronda de Noche de Rembrand.

FUENTE RESPONSABLE: Vandal Random. Por Daniel González. 23 de enero 2023.

Sociedad y Cultura/Pintura/Rembrandt/Ronda de Noche/Hallazgos.

Ni su obra más valorada le coloca entre los mas pretendidos: ¿Porqué es tan barato comprar un Goya?

No nos engañemos: el arte es un negocio millonario. Pero Goya, uno de nuestros pintores más reconocidos, está bastante infravalorado.

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Miércoles, 25 de enero de 2023. 16:00 de la tarde en Nueva York, 10 de la noche en España. A esa hora, en una de las capitales mundiales del arte, se produce un hecho histórico: la subasta de dos cuadros de uno de los pintores españoles más conocidos, Francisco de Goya. Según revela Christie’s, la casa encargada de la puja, el precio final ha sido de 16,4 millones de dólares.

Los dos cuadros subastados son Doña María Vicenta Barruso Valdés, sentada en un sofá con un perro y Doña Leonora Antonia Valdés de Barruso, sentada y sosteniendo un abanico. La cifra pagada por las dos obras es la más alta en la historia del artista español, justo por delante de su anterior récord: en 1992, el Getty Museum pagó 7,4 millones de euros por su pintura Suerte de varas.

Los cuadros más caros de Goya

Cifras en millones de euros

Suerte de varas 7,4

Naturaleza muerta con liebres 3,95

Retrato ecuestre de Don Manuel Godoy 3,35

Útiles Trabajos 2,9

Bajan riñendo 2,87

A Flourish chart

Estas cifras pueden parecer un buen negocio a ojos del ciudadano medio, pero lo cierto es que no lo son tanto, sobre todo si las comparamos con las de otros artistas similares. Y es que las comparaciones son odiosas, especialmente si ponemos frente a frente a Goya y al pintor español más rentable de la historia: Pablo Picasso.

No solo es que las obras del malagueño se hayan vendido por mucho más dinero que las de Goya, sino que, de hecho, tiene nada menos que cinco cuadros entre los 15 más caros de toda la historia. Su gran éxito fue Las mujeres de Argel, subastado el 11 de mayo de 2015 por 179,4 millones de dólares.

Los 15 cuadros más caros de la historia

Cifras en millones de euros

A Flourish chart

La relevancia de Picasso lo sitúa, con total seguridad, entre los pintores cuyas obras se han vendido más caras en toda la historia. Solo hace falta echar un ojo a los datos: según el informe The Art Market 2021, fue el artista que más dinero movió en 2021 en las casas de subastas con unas obras cuya venta superaron los 671 millones de dólares, muy por delante de grandes genios como Basquiat, Warhol o Monet.

Los artistas que más obras vendieron en 2021

Cifras en millones de euros

A Flourish chart

¿POR QUÉ ES TAN ‘BARATO’ COMPRAR UN GOYA?

La pregunta es evidente: ¿por qué es tan ‘barato’ comprar un Goya? En este punto, Consuelo Durán, directora de Durán Arte y Subastas, hace una puntualización importante: “No se puede hablar de que las obras de un artista sean ‘baratas’, porque no son comparables. 

Dentro de la producción de cualquier pintor hay obras más y menos importantes, depende de muchos factores. No podemos comparar esta dos obras de Goya con las grandes de Picasso, ni a la inversa. Si subastaras La familia de Carlos IV, el precio ya sería otro. En el caso de las dos obras de Goya que se han subastado, me parece un gran precio.

En la misma línea se ha manifestado Elena Bellido, doctora de la Universidad de Sevilla: “Se trata de dos obras muy representativas del estilo de Goya”, pero hay un pequeño problema de cara a su valoración. 

En primer lugar, “tradicionalmente los retratos, incluso más los de la burguesía, no suelen tener mucha fama. Suelen ser obras más sencillas, que se parecen mucho entre sí… La calidad artística está ahí, pero este tipo de cuadros no suele tener mucha repercusión”. 

En segundo lugar, “la trascendencia de los retratos depende de la importancia de la persona retratada, de su estatus social. En este caso son personas sin mucha trascendencia social”.

La familia de Carlos IV, Francisco de Goya

La familia de Carlos IV, Francisco de Goya

Bellido añade algún que otro posible motivo para esta valoración económica de las obras del pintor: “La figura de Goya es importantísima dentro de la historia del arte universal, pero está muy infravalorada

El mayor problema es que no hay suficiente investigación internacional y el valor de un pintor suele estar muy asociado a esa investigación”. Además, “desde España no lo hemos exportado demasiado, a diferencia de Velázquez, con quien sí lo hemos hecho”. 

El caso de Pablo Picasso, eso sí, lo considera excepcional, ya que, aunque es malagueño, “perteneció a la vanguardia parisina y, por ello, se le sitúa a la altura de otros grandes pintores europeos”.

Dicho esto, ¿veremos próximamente una obra de Goya vendida a un precio astronómico? Durán lo descarta totalmente: “Es imposible. Hay muy pocas obras importantes de Goya en manos privadas”.

LA GUERRA POR UN NEGOCIO MULTIMILLONARIO

Más allá de este caso, tampoco nos conviene hacernos los hipócritas: los cuadros, más allá de su innegable vertiente artística y cultural, constituyen una industria multimillonaria. Y en esta amalgama de millones sufragados por quienes tienen el dinero como castigo, las casas de subastas son sus particulares dealers, gestionando la compraventa de gran parte de las obras más cotizadas. Sin ir más lejos, en 2021 todas las subastas públicas de obras de arte y antigüedades superaron los 26.000 millones de dólares en transacciones.

El negocio de las subastas públicas (2011-2021)

Cifras en millones de dólares

A Flourish chart

Entre todas ellas, hay dos que destacan por encima del resto: Sotheby’s y Christie’s. La segunda, de hecho, ha sido la encargada de gestionar la venta de los dos últimos cuadros de Goya. Como podemos ver, la competencia entre todas estas casas es brutal.

Las casas de subastas que más dinero mueven

Cifras en millones de dólares

A Flourish chart

Purismos aparte, Consuelo Durán insiste en la idea de que nadie se sorprenda de la existencia de esta industria: “Si no hubiera negocio, el arte no valdría nada. Algo que nadie puede comprar se devalúa”. De hecho, “el coleccionista es el principal motor para que el arte sea apreciado y es el que mejor lo cuida”.

Habrá que esperar para comprobar qué cuadros se van comprando en los próximos años y, sobre todo, si algunos artistas acaban rompiendo sus propios récords. Pero hay una cosa que queda clara: frente a la vertiente puramente artística, el inmenso negocio que ondea a su alrededor también seguirá creciendo. Y no necesariamente premiará a los mejores artistas.

Imagen de portada: LOS DOS RETRATOS DE GOYA HAN SIDO VENDIDOS POR 16,4 MILLONES DE DÓLARES

FUENTE RESPONSABLE: El Grito. Por C. Otto. 26 de enero 2023.

Sociedad y Cultura/Mercado de Arte/Pintura/Subastas/Inversión

Picasso & Coco Chanel: la amistad de dos genios que dejaron de lado sus egos en pos de una sociedad creativa.

Con una muestra dedicada a la dupla en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, España inaugura los homenajes del Año Picasso: en 2023 se cumplen cinco décadas de la muerte del pintor.

MADRID. — Pablo Picasso será el gran protagonista cultural del año 2023. Como preludio de las múltiples exposiciones y eventos que organizan los gobiernos de España y de Francia para conmemorar el 50°aniversario de su muerte, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta una original propuesta. Picasso/Chanel explora la amistad entre el artista español y la diseñadora francesa a través de obras de arte –cuadros, dibujos, vestidos y trajes–, que viajaron a Madrid desde distintos museos, americanos y europeos, y desde colecciones privadas para invocar este universo en el que dos genios dejaron sus egos de lado y crearon una fértil sociedad creativa. También se inauguró Imagine Picasso, una exposición multisensorial e inmersiva.

«Naturaleza muerta con paloma», una de las obras que integra la exposición Picasso/Chanel, en el Thyssen, de Madrid. museothyssen.org

Pablo Picasso (1881-1973) y Gabrielle Chanel (1883-1971), más conocida como Coco, se conocieron en la primavera de 1917 en París cuando ambos gozaban de reconocimiento. Picasso contaba ya con el vínculo con el marchante Paul Rosenberg, quien colaboró con la proyección mundial del artista, mientras que Chanel había inaugurado la Maison Chanel y su casa de modas en Biarritz. Fueron presentados posiblemente por el dramaturgo Jean Cocteau o por la mecenas y pianista Misia Ser. Entre ambos surgió una gran amistad basada en una profunda admiración mutua.

Una de las anécdotas que revela la complicidad que existía entre ambos es aquella que ocurre en una fiesta de disfraces organizado por Étienne de Beaumont en 1920. Picasso, su mujer y Misia Ser decidieron no asistir porque Chanel no había sido invitada, a pesar de que había desplegado su talento en la confección de varios trajes que allí se lucirían. Sin embargo, los amigos se presentaron en la puerta de aquel sofisticado evento y se escondieron junto a los choferes para espiar la llegada de los invitados.

Vestido de noche (1927-1928) diseñado por Coco Chanel

Vestido de noche (1927-1928) diseñado por Coco Chanel. museothyssen.org

Los dos creadores celebraron juntos la víspera de Navidad de 1920 en la casa de la rue Cambon de la diseñadora. También acudieron a aquella cita figuras de la bohemia: Serge Lifar, Satie, Jacques Lipchitz, Georges Braque, Jean Cocteau, Raymond Radiguet, Misia Sert, Caryathis, Blaise Cendrars y Los Seis, un grupo de jóvenes compositores. En el verano de 1921, Picasso estaba instalado en Fontainebleau con su mujer, Olga Ojlova, y su hijo Paulo, precisa Paula Luengo, la curadora de la exposición. El artista debe regresar a París y dado que no soporta la soledad de su departamento, Chanel lo recibe en su casa que se había convertido en el epicentro de las vanguardias. Juntos acudieron en 1921 al estreno del ballet Los novios de la Torre Eiffel, de Cocteau. Estos dos espectadores pronto se convertirán en socios creativos.

En 1922 Picasso y Chanel colaborarían por primera vez en la puesta de Antígona, la tragedia en versión de Cocteau: Picasso diseñó el telón y las máscaras, mientras que Chanel, el vestuario. En 1924 volverían a reunirse para brindar su talento a los Ballets Rusos de Serguei Diaghilev en El tren azul, con libreto de Cocteau. El realizador ruso descubrió una pieza en el taller de Picasso, Dos mujeres corriendo por la playa (La carrera), que ofició como telón de obra, mientras que Chanel diseñó los trajes para los bailarines inspirados en sus propios modelos deportivos.

La exposición Picasso/Chanel abarca las décadas de 1910 y de 1920, años de ebullición artística y de juventud de ambos creadores. Los archivos del Museo Picasso de París conservan una invitación de 1918 de Chanel a los Picasso para asistir a una cena en su residencia y una fotografía que Coco guardaba de su amigo Pablo. La exposición da cuenta de la retroalimentación entre ambos creadores.

El cubismo y el estilo Chanel, uno de los tramos de esta muestra, presenta la influencia de este movimiento en las creaciones de la diseñadora. En el sentido opuesto, da un ejemplo en el programa de la exposición Marika Genty, delegada del patrimonio Chanel, que la diseñadora también fue una musa para el pintor: “La idea de la petite robe noire, el «pequeño vestido negro», nació de una traviesa ocurrencia de Gabrielle Chanel durante una velada en la ópera («Estos colores son imposibles. Voy a vestirlas de negro, a todas estas»). Gracias a su tratamiento monocromo, y a su juego con los contrastes, los efectos de texturas, los materiales y los brillos, Chanel casa el negro con la elegancia y, mediante esta elección tan radical, renueva el uso del negro, limitado hasta entonces al luto o al ámbito doméstico, para dar preeminencia a la línea y las proporciones”. La monocromía de Chanel presente para construir espacios también lo estaba en la obra de Picasso.

Cabeza de mujer (Fernande), 1909-1910, que podía verse en el 
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, se expone en el Thyssen en la muestra Picaso/Chanel

Cabeza de mujer (Fernande), 1909-1910, que podía verse en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, se expone en el Thyssen en la muestra Picasso/Chanel. museothyssen.org

“La comparación directa entre los diseños de Chanel y la obra de Picasso, la evidencia de su parentesco formal y la sospecha de que existen lazos profundos que unen el trabajo de ambos, invitan a suspender por un instante las categorías y considerar cada objeto, cada vestido y cada cuadro como parte de un lenguaje común, fruto de aspiraciones e influencias compartidas”, explicó Juan Gutiérrez, uno de los expertos en el vínculo entre ambos creadores.

Bernard Ruiz Picasso, nieto del artista, estuvo presente en la inauguración de la muestra en el Thyssen: “Creo que celebrar al siglo XX a través de dos figuras importantes es algo imprescindible y necesario en nuestro mundo, especialmente en estos días en los cuales vivimos tiempos difíciles, en Europa y en el planeta, donde hay muchas preguntas sin respuesta”.

Abrigo diseñado por Coco Chanel; integra la muestra Picasso/Chanel

Abrigo diseñado por Coco Chanel; integra la muestra Picasso/Chanel

museothyssen.org

Un ambicioso plan de homenaje

Celebración Picasso 1973-2023 es el nombre del evento cultural que tendrá su epicentro el 8 de abril de 2023, fecha en la que se conmemora el 50 aniversario de la muerte de Picasso en la población francesa de Mougins. Los gobiernos de Francia y España han trabajando de modo conjunto en un agenda integrada por más de cuarenta exposiciones, dos congresos académicos y eventos que se celebrarán en varias ciudades.

En España son quince los museos e instituciones que participan de estos homenajes: entre otros, el Museo del Prado, el Museo Reina Sofía, el Thyssen Bornemisza (además de la muestra Picasso/Chanel prepara para 2023 otra muestra que se llamará Picasso. Lo sagrado y lo profano), el Museo Picasso de Barcelona, el Museo Picasso de Málaga, el Museo de Bellas Arte de A Coruña, el Guggenheim de Bilbao, la Fundación Miró en Barcelona, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y la Fundación Mapfre.

Además del Thyssen, también se adelantó a los homenajes el Museo Nacional del Greco, en Toledo, al recibir por primera en su historia la obra de Picasso en su edificio gracias a un intercambio institucional con el Kunstmuseum Basel (Suiza). El Greco fue una gran fuente de inspiración para Picasso. También en París se inauguró en el Museo de Montmartre una muestra sobre el vínculo artístico entre Picasso y Fernande Olivier. Carlos Alberdi, portavoz de la comisión nacional de la Celebración Picasso 1973-2023, destacó en la presentación de Picasso/Chanel: “Es un homenaje debido a uno de nuestros más importantes artistas del siglo XX que murió sin poder volver a pisar España por razones políticas que todos conocemos”.

A su vez, esta semana se inauguró en el predio Ifema Palacio municipal una muestra inmersiva llamada Imagine Picasso. Los visitantes pueden disfrutar de la obra del genial artista andaluz e ingresar en su universo gracias a la bondades tecnológicas. En Buenos Aires resultó un éxito la muestra Imagine Van Gogh cuyos responsables son los mismos de la muestra multisensorial de Picasso en Madrid.

España y Francia serán los principales anfitriones, pero no los únicos. En el Museo Picasso de Munster se inauguró una muestra sobre dos mujeres que dejaron importantes escritos sobre su relación con Picasso: Fernande Olivier y Françoise Gilot. Además, en el Metropolitan Museum de Nueva York se inaugurará en este marco de homenajes una muestra sobe el cubismo y el trampantojo.

Coco Chanel hizo célebre la frase “menos es más”, sin embargo, cuando se trata de brindar un homenaje a Picasso, parafraseando a la diseñadora, “más es más”, o quizá nunca sea suficiente.

Imagen de portada: El pintor español Pablo Picasso y la diseñadora francesa Coco Chanel, amigos y socios creativos. GETTY IMAGES

FUENTE RESPONSABLE: La Nación. Por Laura Ventura. 8 de noviembre 2022.

Sociedad y Cultura/Arte/Pintura/Moda/España.

 

Rajacenna van Dam, la mujer que puede pintar con ambas manos y pies a la vez.

Nacer y desarrollar el talento para dibujar está al alcance de unas pocas personas, pero si además hablamos de crear con todas las extremidades, nos sobran dedos de una mano para contar a estos superdotados.

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Tiene 29 años, es holandesa y dibuja igual de bien con la mano izquierda, que con la derecha, pero también con el pie izquierdo y el derecho. Rajacenna van Dam es capaz de hacer retratos hiperrealistas con cualquiera de sus extremidades y, lo que es aún más increíble, al mismo tiempo.

Con cuatro pinceles, lápices o rotuladores, esta artista puede crear cuatro obras al mismo tiempo usando sus dos pies y manos para ello. Una habilidad que nos deja con la boca abierta no solo por su habilidad, sino también por la calidad de todos sus trabajos.

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En los vídeos que ella misma sube a su canal de YouTube, así como en su página de Instagram, podemos comprobar que no miente al hablarnos de su capacidad para pintar con manos y pies a la vez. Los dibujos, para más asombro, están del revés, mirando al espectador, siendo más complicado para ella dibujarlos y más fácil para nosotros admirar el proceso.

Van Dam ha sabido desde siempre que tenía la capacidad para pintar con ambas manos a la vez e igual de bien, pero no fue hasta hace poco cuando probó con sus pies y, como podemos observar, la prueba salió más que bien.

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“Me sorprendió cuánto control tenía sobre mis pies, no me había dado cuenta antes. Hasta ahora, había estado pintando pensando que mis pies no servían para el arte, pero he descubierto que pueden hacer más de lo que creía”.

A esta joven de 29 años, el talento le sale por manos y pies en una demostración artística que nos ha dejado pasmados.

Os dejamos con uno de sus vídeos:

Creating with both FEET and HANDS 6 realistic portraits upside down – 40 minute version

Imagen de portada: Rajacenna van Dam

FUENTE RESPONSABLE: Cultura Inquieta. Por María Toro. 8 de septiembre 2022.

Sociedad y Cultura/Arte/Pintura/Talento/Curiosidades/Retrato/ Hiperrealismo

Juan León Pallière (1823-1887), historiador gráfico de nuestras pampas.

Dentro de una subasta presencial en New York, dedicada al Arte Latino-americano, Christie`s puso a la venta el último viernes obras significativas de nuestra pintura.

De entre ellas la más destacable, por su rareza, por su calidad y por lo que significa como documento de nuestros orígenes, pertenece a uno de los artistas viajeros que visitaron la naciente república y sembraron las semillas que fructificaron más tarde en lo que Pagano llamó “el arte de los Argentinos”. Los europeos Carlos Enrique Pellegrini, Hipólito Bacle, Mauricio Rugendas, Raymond Monvoisin y Edoardo De Martino, entre muchos otros dejaron obras que en su mayoría se encuentran hoy en museos y solo excepcionalmente aparecen en el mercado.

PALLIERE CAMINO AL REÑIDERO

Estrictamente J. L. Pallière, nuestro artista de hoy, no era europeo. Nació en Río de Janeiro en el año 1823, hijo de un pintor francés de la corte del Emperador Pedro I de Brasil. Siete años más tarde su familia se muda a París y a los 13 años el joven comienza con sus lecciones de pintura. En 1848 regresa a Brasil y se inscribe en la Academia Imperial de Bellas Artes de Río de Janeiro

Dos años después, gracias a una beca, viaja a Roma, luego a Francia donde continúa estudiando. Residió en Buenos Aires de fines de 1855 a 1866. En 1864 realiza su única exposición en Argentina, en un local de la calle San Martín de Buenos Aires. 

En 1864 publica “Album Palliere: Escenas Americanas”, con 52 litografías de sus obras, valioso aporte a la iconografía argentina, las láminas reflejan con verismo nuestros usos y costumbres de la época. En 1866 se radica definitivamente en Francia, lugar en el que fallece en 1887.

EL PAYADOR

“El Payador”, el óleo de importantes dimensiones (100 x 140 cms) que ahora cambió de manos por la suma de algo más de 163 mil dólares, puede considerarse una obra cumbre desde que reúne todas las características que arriba apuntamos: maravillosamente pintada en su estilo romántico documenta a un personaje emblemático de nuestras pampas empilchado de domingo pronto a desgranar sus rimas.

PALLIERE LA PISADORA DE MAIZ

La obra es “melliza” de “Idilio Criollo” del Museo Nacional de Bellas Artes, lo que le agrega un atractivo adicional (que no fue consignado en el catálogo del remate). Ambas pinturas son del mismo tamaño y fueron realizadas en la misma época (alrededor de 1860). 

Ambas muestran el mismo paisaje, el mismo rancho y, si se quiere conforman una secuencia de un asunto (la sociabilidad rural y en particular las relaciones amorosas) que impresionaron fuertemente al artista viajero. El “Idilio Criollo” pertenecía a una importante colección privada hasta el año 1958 cuando, con un subsidio del Fondo Nacional de las Artes la adquiere nuestro museo mayor. (En esa época el crítico Julio Payró era director y mi padre Juan Carlos Pinasco presidente del Organismo.)

En “Una caravana de gauchos y sus carretas cruzando las Pampas, Argentina” vendida en Londres, también por Christie`s ocho años atrás Pallière documenta una escena que luego describe en su “Diario de viaje por la América del sur” en estos términos: “Nos encontramos en plena pampa, pero con montañas en el horizonte. 

Lejos, delante de nosotros, marcha una fila de carretas, con tres yuntas de bueyes cada una. Detrás de ellas sigue una tropa de bueyes y algunos caballos arreados por gauchos… Cuadro soberbio. La diligencia a la izquierda, el furgón a la derecha, con los caballos desenganchados, mientras el capataz de las carretas pasa a la cabeza de la caravana, montado en una mula y con un gran poncho hasta la mitad de la montura; luego las carretas en fila, rodando con lentitud y pesadez; sus conductores, con aspecto salvaje y bizarramente vestidos, se destacan sobre un fondo obscuro, manejando de pie la inmensa lanza suspendida con que pican los bueyes más distantes. Tal espectáculo en medio de esta pradera desierta, tiene un color completamente bíblico.”

En “Camino al reñidero” otro Pallière del MNBA, (donación de don Antonio Santamarina y su mujer), el artista describe el desfile previo a la riña de gallos. La composición generosamente descriptiva pivotea en torno a un ombú alrededor del cual, a la izquierda

se ve un palenque con varios pingos, parte de un corral de palo a pique y un guitarrero entreteniendo a dos chinas. Por el horizonte asoman cinco jinetes. Dos chicos a caballo miran la escena que tiene su en el paisano que lleva al gallo desafiante y su séquito su

elemento esencial.

También donación Santamarina, es la acuarela “La Pisadora de maíz” del MNBA, que remite nuevamente al asunto amoroso que, como buen romántico, interesaba particularmente a este historiador gráfico de lujo.

Imagen de portada: Palliere “Idilio criollo”

FUENTE RESPONSABLE: mdz Argentina. Por Carlos María Pinasco. 2 de octubre 2022.

Sociedad y Cultura/Pintura/Costumbres del campo/Argentina/Homenaje.

LA PLENITUD DEL VACÍO

Un acercamiento a las obras espirituales de Mark Rothko.

Marcus Rothkowitz, más conocido como Mark Rothko, fue uno de los artistas expresionistas y abstractos más importantes e influyentes de la historia del arte. Hoy se cumplen 119 años de su nacimiento, y nos pareció importante hacer un breve recorrido por su vida y obra a modo de homenaje a este gran artista. El gran Rothko.

Mark Rothko fue un pintor y grabador nacido en Letonia en el año 1903. Supo desarrollar su carrera artística en la ciudad de Nueva York en los años 40, dentro de la corriente del expresionismo abstracto, a la cual pertenecía también su entonces colega, y por momentos su rival, Jackson Pollock.

Formación

Mas allá de destacarse en áreas artísticas como la mandolina, el piano y la escritura, sorprendentemente Rothko ingresó becado en 1921 a la universidad de Yale para estudiar Derecho e Ingeniería. Sin embargo, su beca fue cancelada al año de cursar sus estudios, lo que lo obligó a trabajar como ayudante de lavandería y también como mensajero para costearse los estudios.

En Yale recibió todo tipo de ataques antisemitas, lo que llevó al artista a abandonar la Universidad dos años más tarde, aunque 46 años después, lo llamaron para entregarle un título honorario.

Habiendo abandonado Yale, en 1925 Rothko inicia con 22 años y de manera autodidacta su carrera como artista visual. En un principio abordaba estéticas surrealistas influenciado por Adolph Gottlieb, pero ya para 1947 se podría decir que encontró su camino propio, en el que mediante composiciones rectangulares en obras de gran formato y buscando un sentido religioso para su pintura, su intención era ofrecer al espectador una experiencia mística y transcendental.

Estar frente a una de sus flamantes obras de este período, es en sí una experiencia única. Es un misterio cómo composiciones de dos rectángulos con bordes difuminados por veladuras pueden transmitir una sensación de plenitud y de abismo al mismo tiempo a quienes las contemplan. Transmiten vacío y plenitud. Te disuelve el ego y te vuelve uno con el universo, algo que puede ser muy fuerte de experimentar.

Pero no sólo la sensibilidad, el talento y su entrega espiritual hacen de sus obras un arte sumamente movilizante. Rothko había desarrollado algunas técnicas que acompañaban este propósito, como mezclar pigmentos con cola de conejo para que a la hora de volcar la mezcla en los lienzos gigantes no se vean las vetas del pincel, lo que aporta ese toque sumamente sutil, etéreo y mágico que definen sus pinturas.

Su carrera artística

Siguiendo por el camino de la pintura, Rothko se mudó a Nueva York e integró por primera vez la Liga de estudiantes de Arte de Nueva York, donde conoció a Adolph Gottlieb, y formaron junto a otros artistas un grupo que seguía las enseñanzas del maestro Milton Avery, de quien Mark aprendería un vasto conocimiento de la forma y el color, elementos que son de suma importancia en su corpus de obra.

Para este entonces su familia no lo acompañaba más, al no comprender su elección de ser artista en un momento en que Estados Unidos atravesaba la crisis económica de la Gran Depresión. Pero esta situación no frenó a Rotkho, quien con un objetivo muy claro de la función de experiencia espiritual que quería para sus pinturas, realizó una exposición individual de 15 pinturas al óleo que llamaron la atención de críticos de arte por la riqueza y sensibilidad del color.

Capilla Rothko

En 1971 se funda la Capilla Rotkho, un espacio en Houston, Texas, abierto a todas las creencias y religiones que ofrece un santuario espiritual y un espacio de meditación con luz cenital donde uno se puede conectar con las catorce pinturas de gran formato del artista, dispuestas en un espacio octogonal, y donde trabajó a su lado el reconocido arquitecto Philip Johnson. Es tan fuerte lo que ocurre a nivel energético al presenciar sus obras dentro de la capilla, que el compositor Peter Gabriel nombró a una de sus canciones «Catorce pinturas negras» luego de visitarla, así como monjes tibetanos tántricos ejecutaron cantos armónicos en 1986. Aunque en la otra cara de la moneda, un vandalista pintó unos años más tarde con una brocha negra sobre una obra gigante de la serie del artista llamada «Seagram» en la Tate Modern de Londres. Allí la muestra se encontraba en un espacio completamente condicionado como lugar de meditación y capilla para poder contemplar sus obras de arte desde bancos dispuestos a cierta distancia. Nunca falta aquél espectador que está sentado con lágrimas en los ojos atravesado por tanta sensibilidad, viviendo su propia experiencia.

La Capilla de Rothko recibió importantes premios debido al diálogo que se genera entre arte y espiritualidad: El Premio a la Paz de la Comunidad de Houston en 1998, el Premio James L. Tucker de los Ministerios Interconfesionales en el 2004, y reconocimientos del Centro de Paz y Justicia de Houston en el 2008, entre otros.

Desenlace

El 25 de febrero de 1970 tras una ingesta de barbitúricos con alcohol, Rothko se quita la vida trágicamente inmerso en una profunda depresión. Para este entonces sus obras habían comenzado a volverse más oscuras en cuanto a las tonalidades que utilizaba. Hay quienes sostienen que su suicidio formó parte en cierto modo de su praxis artística, culminando el oscuro desenlace de sus obras.

Otros analizan que le fue muy difícil dejar de recibir llamados para nuevos encargos, mientras que su colega Jackson Pollock no paraba de crecer al haber sido apadrinado por Peggy Guggenheim.

Lamentablemente, Rothko no vivió para disfrutarlo, pero actualmente sus obras se subastan en un promedio de 80 millones de dólares y es uno de los artistas abstractos más respetados e influyentes en la historia del arte.

Lo espiritual en su arte

Rothko fue siempre fiel a su premisa: el arte debe transmitir una experiencia espiritual al espectador. En 1958 recibió la comisión para pintar los murales «Seagram» en el restaurante Four Seasons de Manhattan. Al llegar y ver que se perdía la experiencia espiritual por la disposición de las mesas donde se cenaría, devolvió el dinero y pidió que le regresen las pinturas. Dinero que necesitaba, pero no a cualquier costo.

No se pueden describir con palabras las obras de Rothko. Y cualquier imagen o fotografía de las mismas, no le hace justicia a aquello que te generan.

Lo espiritual es intangible, es una fuerza que te atraviesa, te sana, te interpela, te hace reflexionar sobre la existencia humana, y sobre todo te genera una emoción y un sentimiento en el cuerpo y en el alma. No hay nada intelectual allí. Definir su arte con palabras resulta imposible, porque se trata de una experiencia espiritual que hay que vivirla.

Feliz aniversario de nacimiento al trascendental Mark Rothko, y sólo palabras de agradecimiento por ofrecernos honestamente, como lo hacen los grandes, su alma descarnada en esos inmensos lienzos con composiciones simples y a la vez complejas, que nos tocan el espíritu.

Imagen de portada: ROTHKO FRENTE A UNO DE SUS LIENZOS.

FUENTE RESPONSABLE: Época. Pcia. de Corrientes. Argentina. Por Sonsoles Romero Noya. 25 de septiembre 2022.

Sociedad y Cultura/Arte abstracto/Impresionismo/Pintura/Grabado/En memoria.

 

 

 

 

 

Por qué un búcaro mexicano aparece en “Las meninas”, el cuadro más famoso de Velázquez.

Un búcaro mexicano es uno de los elementos de “Las Meninas”, el enigmático cuadro que se encuentra en el Museo del Prado, España.

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Cada detalle del famoso cuadro Las Meninas es intrigante: desde la historia de cada uno de los personajes hasta un pequeño búcaro en la escena principal del cuadro. Diego Velázquez terminó de pintar la obra en 1656. Es un cuadro a escala natural, sus dimensiones son de 3.18 metros de alto por 2.76 de ancho. La obra maestra esconde muchos misterios entre las pinceladas de Velázquez, como cerámica mexicana que solía ser ingerida por las jóvenes reales.

Al centro de la estática obra, hay una acción en curso. Una sirviente le ofrece a la infanta Margarita un jarro de cerámica en una bandeja de plata. La pieza de cerámica roja podría pasar desapercibida, como un ofrecimiento más de la servidumbre a la joven para la que trabajaba pero es mucho más que eso. Es una representación de los estándares de belleza, la influencia del Nuevo Mundo en el arte europeo y de las extrañas costumbres de los nobles de la época.

Un búcaro como símbolo de globalización

De acuerdo con el historiador Byron Ellsworth Hamann, la pieza de cerámica que aparece dado a la infanta Margarita, provenía del Nuevo Mundo. Según el experto, el búcaro tiene un inconfundible color rojizo que lo distingue de cualquier otro tipo de cerámica. El elemento es importante no sólo por su función estética, sino por la influencia que tuvo el continente americano en el arte europeo de la época.

La ingesta de búcaros

La bucarofagia era un hábito de las nobles de la época, es decir, comían barro cocido. Pero ¿por qué? Los búcaros, o jarros pequeños, eran utilizados para aromatizar y enfriar el agua. Una vez que las mujeres habían terminado su contenido, comenzaban a devorar el recipiente. Aunque la ingesta de la cerámica provocaba efectos secundarios, eran los deseados por quienes practicaban bucarofagia.

Una de las consecuencias era una piel blanca, característica sumamente anhelada en la época. El consumo de cerámica provocaba anemia, lo que impedía una buena absorción del hierro. A pesar de que este método parece extraño y dañino para la salud, había algunos otros mucho más peligrosos. Solían, por ejemplo, untarse plomo, vinagre y agua en la piel. Las consecuencias de este método podían llevar a las mujeres a la muerte.

‘Las Meninas’ es una de las pinturas más importantes de la historia del arte mundial y, como lo prueban los estudios estéticos, cada vez que creemos que hemos resuelto sus secretos, hay algún otro que sale a la luz. Velázquez nunca dejará de sorprendernos.

Imagen de portada: BÚCARO EN LAS MENINAS

FUENTE RESPONSABLE: National Geographic en Español.

Sociedad y Cultura/Historia del arte/Pintura/Diego Velázquez/ Museo del Prado

Amedeo Modigliani, uno de los grandes pintores del siglo XX.

Nació en una influyente familia judía sefardí en Livorno, Italia. Cuando era niño, a menudo se enfermaba y su madre lo educaba en casa y su pasatiempo favorito era pintar.

Después de casi morir de tifus y luego de tuberculosis, su madre lo llevó de gira por Italia, con una importante recorrida por Florencia para ver sus grandes obras de arte. 

Luego lo inscribió en lecciones con el maestro pintor Guglielmo Micheli. Modigliani pasó varios años en la escuela de Micheli y demostró ser un artista creativo y original. Micheli lo apodó “superhombre”, no solo por su habilidad artística sino porque a Modigliani le gustaba estudiar y citar las obras filosóficas de Nietzsche.

Después de un tiempo de aprendizaje del arte en Venecia, Modigliani se instaló en París en 1906 y vivió en la comuna de Montmartre para artistas pobres. ¡Estaba completamente dedicado a su arte, produciendo hasta cien obras por día!

Desafortunadamente, “Modi” (como se le conocía ahora) descendió al consumo excesivo de drogas y alcohol, en parte para lidiar con sus dolores y enfermedades crónicas.

En 1909, se dedicó a la escultura. (En 2010, su talla Tete se convirtió en la tercera escultura más cara jamás vendida, superando los 70 millones de dólares en una subasta).

Volvió a pintar en 1914. Cuando estalló la Primera Guerra Mundial, Modi se alistó en el ejército, pero pronto lo echaron debido a la mala salud. 

Ese mismo año, tuvo una relación con la reconocida pintora británica Nina Hamnett. La había conocido en un café y se presentó simplemente como “Modigliani, pintor y judío”.

Tuvo varias otras relaciones de alto perfil, incluso con la poeta rusa Anna Akhmatova y la escritora inglesa Beatrice Hastings. Finalmente se asentó y se casó. Modi era famoso por ser poco convencional e inclasificable como artista, y por sus numerosos y ricos retratos.

Su pintura de desnudo Nu couché se vendió por más de $170 millones en 2015, entre las pinturas más caras jamás vendidas, mientras que Nu couché (sur le côté gauche) estableció un récord de Sotheby’s en 2018, vendiéndose por $157 millones.

Como resultado de sus enfermedades y adicciones, Modi murió a la temprana edad de 35 años. Al día siguiente, su afligida esposa, embarazada de su segundo hijo, saltó por una ventana y se suicidó.

Muchos creen que si Modi hubiera vivido más tiempo se habría convertido indiscutiblemente en el mejor pintor de todos los tiempos. Se cree que hoy en día hay más falsificaciones de las obras de Modigliani que de cualquier otro artista. Ya se han hecho dos películas sobre él, y actualmente Johnny Depp y Al Pacino están trabajando en una nueva película biográfica sobre su vida.

Imagen de portada: Amedeo Modigliani en su estudio en 1915. Foto de Paul Guillaume –Wikipedia – Dominio Público.

FUENTE RESPONSABLE: Aurora. Israel. 30 de agosto 2022. Grupo de Facebook Personalidades judías de todos los tiempos. Compilado por Raúl Voskoboinik.

Sociedad y Cultura/Pintura/Escultura/Arte/En memoria/Modigliani.