The Beatles: La canción que compuso George Harrison el día que abandonó la banda.

El tema vio la luz en All Things Must Pass, su tercer LP en solitario. 

La separación de los Beatles fue uno de los momentos más impactantes para la industria musical y todos los fanáticos de los Fab Four. Ya es sabido por todos que la decisión de dividir sus caminos no fue tomada de un día para el otro, sino que fue el resultado de un proceso de diversos enfrentamientos y desacuerdos que culminaron en el triste desenlace. Durante las últimas semanas de vida del conjunto, los tires y aflojes eran moneda corriente y George Harrison llegó a salirse del grupo en alguna oportunidad, decisión que, lejos de verla como una tragedia, le sirvió para escribir una nueva canción.

Según recuerda Far Out Magazine, el mismo día en el que el guitarrista llegó a su punto máximo de tolerancia para con sus compañeros y decidió abandonar The Beatles, llegó a su casa de Surrey y “promulgó la última respuesta a sus opresores socios al alcanzar su guitarra y escribir uno de sus temas más preciados, ‘Wah-Wah’”. Aunque el track fue nombrado en parte como una referencia al pedal de efectos de la guitarra, más tarde su creador admitió en su biografía que a través de la canción él les estaba diciendo «me están dando un maldito dolor de cabeza» a sus compañeros de banda.

Harrison eventualmente regresaría a la sesión de grabación de Let It Be, el último disco del cuarteto, pero las relaciones dentro del conjunto ya estaban tan desgastadas que los Fab Four tomaron caminos separados. Meses después, George lanzaría All Things Must Pass, su tercer LP en solitario y el primero tras su divorcio artístico de sus excompañeros, en el cual incluyó el tema que les había dedicado.

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Wah-Wah (Remastered 2014) 

Imagen de portada: George Harrison. Foto: © Apple Corps Ltd / Facebook de The Beatles.

FUENTE RESPONSABLE: INDIE HOY. Por Maximiliano Rivarola. 15 de noviembre 2022.

Sociedad y Cultura/Música/George Harrison/The Beatles.

Julian Lennon sobre “Hey Jude” de The Bealtes: “Es un oscuro recordatorio del pasado”

Al hijo del legendario artista, la canción le recuerda al abandono de su padre.

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El hijo de John Lennon, Julian, se ha sincerado sobre cómo “Hey Jude”, emblemático hit de The Beatles, se ha convertido en “un oscuro recordatorio” de una de las partes más traumáticas de su infancia. (vía NME)

El contexto es realmente importante para entender esta canción: Paul McCartney se la compuso a Julian en 1968, poco después de que su padre se separarse de su madre, Cynthia, abandonando el músico su unidad familiar.

Ahora, Lennon reconoce que está “agradecido” a McCartney por componerle la canción en aquel momento tan difícil. Sin embargo, le sigue recordando a esta triste y oscura etapa.

«Aunque estoy muy agradecido por el apoyo de Paul al haber escrito esa canción, mucha gente no se da cuenta de que también fue un oscuro recordatorio de lo que realmente ocurrió», dijo.

Sobre su madre, Lennon afirma: «Ella era el todo y el fin de la vida para mí. Todo se trataba de cuidarla y todavía se trata de hacerla sentir orgullosa».

Lennon, de vuelta a la vida

Hace algunos meses, Paul McCartney hizo varios “duetos” con John Lennon gracias a una tecnología creada por Peter Jackson, director de ‘El Señor de los Anillos’, mientras trabajaba en el documental ‘Get Back’.

En aquellos shows, tanto de su gira americana como de su participación en Glastonbury, McCartney tocó “I’ve Got a Feeling” junto a los tracks de voz aislados de su difunto compañero.

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Paul McCartney – I’ve Got a Feeling (feat. John Lennon) (Glastonbury 2022)

“Tengo una cosita especial aquí», dijo McCartney al presentar el tema. «Un día, Peter Jackson me llama y me dice que puede coger las voces de John y aislarlas para que puedas tocar en directo con John en la gira. Me dijo: ‘¿Te apetece?'».

Ahora, Julian Lennon afirma que, al ver la actuación por primera vez, se quedó en shock, pero también admite que le ha acabado gustando:

«Lo vi en YouTube, y me quedé como si fuera: ‘Errrr… no sé si me siento cómodo con eso » ‘, dijo Julian añadiendo: «Me impactó». Por suerte, con el tiempo, se acostumbró y hasta le llegó a gustar ver a su padre “volviendo a la vida”.

Imagen de portada: Julian Lennon (Youtube.com)

FUENTE RESPONSABLE: Rock FM. 10 de noviembre 2022.

Sociedad y Cultura/The Beatles/Julian Lennon/John Lennon/Paul McCartney.

 

 

 

 

Revolver: la reedición expandida de uno de los mejores discos de la historia.

El disco que dividió en un antes y un después la producción de The Beatles llegó al público en un soñado relanzamiento con una remasterización milagrosa, tomas alternativas y jugosos datos de producción probando que la banda sigue vigente, aún décadas después de su final.

 En 1966 John Lennon estaba influenciado por lecturas que lo acercaron a la meditación trascendental y filosofía de oriente. Ese tránsito fue el germen de «Tomorrow Never Knows», esa pieza psicodélica que se considera el punto más alto en la ascendente curva de maravillas que ofrece el disco Revolver. Fue la primera canción pop en evitar los cambios formales de acordes y la primera canción de los Beatles en apartarse de una estructura en el marco del esquema clásico de la rima.   

La anécdota que sigue forma parte de esas historias que exigen a gritos transformarse en un relato ficcionalizado. Debería ser parte de una película. O de una serie, claro. Cuando la canción estuvo lista, Paul quiso que Bob Dylan la escuchara. El grupo ya había absorbido la influencia del extraño abordaje del folk que hacía el músico americano y algo de eso reflejaron en el disco anterior, Rubber Soul. 

McCartney se acercó a Dylan y, con un vinilo bajo el brazo, le pidió que prestara atención a su flamante producción artística. Cuando sonaron los primeros acordes, el parco Bob mantuvo unos segundos la mirada fija sobre el reproductor y, finalmente, dijo lacónico: «Ah, entendí: ya no quieren ser agradables». Y se retiró de la sala. Evidentemente ese sonido era una grieta artística en la historia de la banda. 

 

Todo Revolver lo es. Por eso su veneración absoluta en el catálogo, no solo del grupo, sino en la historia del pop mundial. Esos cuatro jóvenes ya no se conformaban con ser los artífices de hits como Love Me Do o Eight Days a Week. Querían más. Y los sonidos soul de Motown y los experimentos psicodélicos parecían la ruta adecuada a transitar. Y las drogas, claro. Muchas drogas.

La reedición

Al igual que con los álbumes Sgt. Pepper’s, White Album y Abbey Road, la salida al mercado de este Revolver Super Deluxe presenta una exégesis de cada canción en los ensayos mezclas completas en mono, estéreo renovado y Dolby Atmos.

Lo primero para señalar al público interesado es que esta obra ya está disponible desde el viernes 28 de octubre en todas las plataformas para escucha digital.

En el formato físico, la salida oficial es una caja de 5 CDs con un libro explicativo (casi una enciclopedia, un documento imprescindible) acerca de la historia del disco, el proceso de producción y el análisis de cada canción y toma. También está la edición en físico en vinilo.

Más allá de todo, son 63 audios (entre canciones y ensayos y demos) para el disfrute y el aprendizaje. Y también disponibles de manera digital si uno no quiere excederse en gastos.

Uno de los mayores atractivos de esta presentación son las tomas descartadas (los outtakes) que conforman un reflejo de cómo los músicos quebraron los límites respecto del mismo género musical que ellos habían forjado; es una demostración de cómo siempre fueron por más. 

 

Observar esas primeras versiones  de «Eleanor Rigby», con el aprendizaje de McCartney en el acompañamiento orquestal o la maravillosa aplicación del sitar de Harrison en «Love You To» o el juego coral de John Lennon y McCartney interpretando «And Your Bird Can Sing» es sumergirse en un documental. Y la palabra no es azarosa porque, de alguna manera, el estreno de Get Back, el descomunal trabajo de Peter Jackson con las cintas originales de la película Let It Be, nos brindó un abordaje diferente a todas estas obras (sí, todas) A Revolver y a las otras ediciones de lujo antes mencionadas.

Porque entre las tomas y grabaciones hay pruebas de ensayo. Y se escucha a los cuatro fantásticos, reír e intercambiar ideas. Es un espacio de disfrute creativo. De joven arrogancia (tenían menos de 25 años). Y, ahora, gracias a Peter Jackson, podemos transportarnos mentalmente a esos estudios de grabación y entender la contribución de cada uno a la creación colectiva. 

 

Cuando el disco salió a la venta, Los Beatles venían de editar dos álbumes al año, más giras y películas. Fue el punto final de un huracán de tres años de trabajo sin parar y el salto a la madurez artística definitiva, que había tenido un preludio el año anterior con el fabuloso Rubber Soul.

Un ejemplo de la riqueza que se puede encontrar en este arcón de tesoros son las versiones de «Eleanor Rigby» (toma 2) y «Yellow Submarine» (la construcción de la canción). La primera cuenta con un preludio que se denomina «Speech Before Take Two» (diálogo antes de la toma) en el cual se puede escuchar a George Martin explicando el arreglo de cuerdas a Paul McCartney y su aplicación barroca en la canción. Le consulta a Paul si el cuarteto debe usar vibrato o no y hace escuchar algunos ejemplos.

En Submarino Amarillo, directamente, se puede escuchar a Lennon componiendo en fragmentos la emblemática pieza. Una preciosura.

Un testimonio de época

«Es el disco que expande la mayor diversidad y virtuosismo. Si Sgt. Pepper es un álbum conceptual, éste [Revolver] es un álbum conceptual acerca de no tener concepto, una ilustración puerta a puerta de una banda en medio de un cambio vertiginoso: Evolutivo [NdeA: En inglés, «Evolver», lo que permite el juego de palabras]».

La frase pertenece al músico e investigador Questlove y forma parte de su análisis para el libro, la enciclopedia que acompaña la edición de lujo de Revolver. Questlove es el líder de The Roots, la banda que noche a noche acompaña a Jimmy Fallon en su Late Night. Pero también es un obsesivo estudiante de la historia de la música, lo que lo llevó a investigar y, finalmente, dirigir ese notable documental: The Summer of Soul (disponible en Star+) acerca del famoso recital de 1969 en Harlem, fiesta de la música negra, el «Woodstock Afroamericano». La reflexión de Questlove acerca de Revolver da en lo justo: es una obra parte aguas pero que capta perfectamente el viento de la época.

Tanto es así que para el diseño de portada del disco, Los Beatles convocaron a un viejo amigo de los años de Hamburgo: Klaus Voormann. El artista realizó una combinación de dibujos en la línea del pintor inglés Aubrey Beardsley con fotografías en blanco y negro generando un collage, una suerte de monte Rushmore moderno y, definitivamente, una de las mejores portadas de la historia.

Para finalizar y tratar de entender lo que significó Revolver para la cultura popular de la década del sesenta, viene bien recordar aquel capítulo de la serie Mad Men. Lady Lazarus es el octavo episodio de la quinta temporada y cuenta, entre otras cosas, con el pago récord en derechos por una obra musical. Fue un cuarto de millón de dólares lo que tuvo que pagar la producción para poder usar Tomorrow Never Knows, la canción a la que nos referimos en el inicio de esta nota.

La serie pinta una de las mejores escenas que se hayan realizado acerca del espíritu de la década del sesenta y el quiebre generacional.

Don Draper llega agobiado a su departamento, el genio publicitario no entiende los cambios a su alrededor. Megan, su esposa, le obsequia Revolver, el «último disco de The Beatles» y le sugiere escuchar esa canción. Sí, Tomorrow Never Knows. Draper no soporta esa capa psicodélica, de guitarras eléctricas, sitars y loops. La transformación o, como señaló Questlove, la evolución, había llegado.

Imagen de portada: The Beatles

FUENTE RESPONSABLE: El Economista. Por Pablo Manzotti. 31 de octubre 2022.

Sociedad y Cultura/Música/The Beatles/Reino Unido/Reedición.

 

A 60 años del lanzamiento de “Love Me Do”, el puntapié inicial de la beatlemanía.

Su primer single, compuesto por John Lennon y Paul McCartney, se transformó en el kilómetro cero de un fenómeno que cambió el siglo XX. Los Beatles registraron tres versiones de la canción con tres bateristas distintos.

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El 5 de octubre de 1962, Los Beatles, que ya se había establecido como el grupo más popular en su Liverpool natal pero que aún gozaba de escasa popularidad en el resto del Reino Unido, hacía un tímido debut en las bateas, al lanzar “Love Me Do”, su primer single, que presentaba en la cara B “Ps. I Love You”, ambas compuestas por John Lennon y Paul McCartney.

La canción, que cuenta con la curiosidad de haber sido grabada y publicada en distintos momentos por tres bateristas distintos, no logró superar el puesto 17 en los rankings nacionales, sin embargo posibilitó que el cuarteto comenzara a ser difundido en radios y dejó señales de la revolución sonora que la banda provocaría, apenas unos meses más tarde.

La versión de este primer single, grabada con Ringo Starr en la batería el 4 de septiembre de ese año, no había conformado al productor George Martin, quien decidió hacer un nuevo intento días después con un sesionista llamado Andy White en los parches.

Un error hizo que la cinta descartada fuera la que terminara en la cara A del primer sencillo de Los Beatles; lo cual fue subsanado meses después al incluir la versión con el ignoto White en “Please, Please Me”, primer larga duración del grupo.

En tanto, circulan algunos rumores que afirman que Brian Epstein, el mánager de la banda, encargó de antemano 100 mil copias para vender en su prestigiosa cadena de disquerías, a sabiendas que era el número necesario para ingresar al top 20 de los rankings nacionales.

“Love Me Do” era un tema cuya parte central había sido compuesta por Paul y que se completó cuando John aportó ideas para el puente musical; y que fue interpretado por el grupo en la sesión de prueba para EMI ante George Martin, cuando la banda aún contaba en la batería con Pete Best.

El hecho de que Los Beatles registraran esa canción en su sesión de prueba marca la determinación que tenía el grupo de contar con material propio, algo inusual en las bandas de entonces que interpretaban temas escritos por compositores profesionales.

Es historia conocida que George Martin vio algo Los Beatles como para ficharlo para la compañía pero advirtió a Epstein que para aspirar a tener algún tipo de éxito debía contar con un baterista más idóneo.

Cuando a principios de septiembre, John, Paul y George Harrison se presentaron con Ringo como nuevo baterista, el productor accedió a regañadientes a grabar porque ya había planeado contar con un sesionista profesional.

Tras la prueba, Martin no quedó conforme con el golpe del bombo y percibió que esa falta de precisión hacía que el resto del grupo no sonara tan seguro. Por ese motivo, organizó una nueva sesión para 11 de septiembre con Andy White en la batería y, como para no relegarlo del todo, le encargó a Ringo que sumara una pandereta.

Esta versión es la que finalmente puede escucharse en el larga duración “Please, Please Me”, que efectivamente muestra al grupo más sólido, tanto en las voces como en el diálogo entre el bajo y la batería. Allí también desaparecieron las palmas añadidas en el registro que fue a parar por error al single. Por su parte, la prueba con Pete Best se editó en la serie “Anthology”, de los años ’90.

En el plano musical, aún dentro de su sencillez de apenas tres acordes de los más utilizados, “Love Me Do” presentaba algunas curiosidades que darían indicios de la inquietud artística de Los Beatles, la cual tuvo un fiel intérprete material en George Martin.

Así destaca el uso de la armónica, un elemento tradicional en el blues, que iniciaría una larga tradición en la banda en cuanto a la inclusión de distintos instrumentos y sonidos, y no limitarse a la formación de dos guitarras, bajo y batería. En sus primeros años, la armónica sería una especie de muletilla para el grupo.

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Love me Do-The Beatles ‘ 62

Otra curiosidad es el trabajo en las armonías vocales, con distancias de quintas entre John y Paul, cuando lo común era que la combinación de voces fuera con terceras. Además de dejar afuera a la nota que marca si se está en presencia de una tonalidad mayor o menor, lo cual da un carácter indefinido, también deja libre el espacio para invitar al oyente a sumar su voz, una particularidad señalada por Charly García en las charlas mantenidas con los periodistas Daniel Riera y Fernando Sánchez, publicadas en el libro “García. 15 años de entrevistas con Charly (1992-2007)”.

Aunque todas estas cuestiones no fueron explícitas en un primer momento por la crítica, la realidad es que la canción sonaba diferente a los éxitos de la época cuando se entremezclaba en la programación de Radio Luxemburgo, la primera emisora que prestó atención a la banda de Liverpool.

El single tuvo un moderado éxito al momento de su lanzamiento, lo cual no debería sorprender debido a que el grupo aún no gozaba de gran popularidad en el resto del país. Lo curioso es que muchas integrantes del séquito de fieles fans que día a día abarrotaban desde hacía un largo tiempo The Cavern, el reducto de Liverpool en donde actuaba habitualmente, tampoco compraron el disco para evitar que la banda alcanzara fama nacional y se mudara a Londres, lo cual indefectiblemente ocurriría más adelante.

Por supuesto que este primer testimonio oficial de Los Beatles sí sería vendido de manera masiva varios meses después, cuando el grupo finalmente se consagró a nivel nacional, traspasó las fronteras y cambió para siempre la historia de la música pop.

Imagen de portada: The Beatles

FUENTE RESPONSABLE: Tiempo Argentino. Por Hernani Natale. 4 de octubre 2022.

Sociedad y Cultura/Música/The Beatles/60° Aniversario

 

The Beatles: Publican la primera toma de “Tomorrow Never Knows”.

The Beatles: Publican la primera toma de “Tomorrow Never Knows”.

El registro de audio estará incluido dentro del relanzamiento especial de Revolver. Escuchalo acá.

Como viene sucediendo con cada aniversario de sus discos, los Beatles anunciaron la salida de un box set especial de Revolver. Como adelanto, desde las redes de la banda compartieron la primera toma inédita de la canción “Tomorrow Never Knows” junto a un clip animado que muestra imágenes de la producción del mencionado LP.

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El registro de audio que acaban de lanzar, y que estará incluido dentro del relanzamiento especial de Revolver junto a muchas otras canciones y tomas más, se grabó el 6 de abril de 1966 en el Estudio Tres de los estudios EMI, que luego pasarían a llamarse Abbey Road Studios. Además, fue la primera sesión de grabación de la banda para el disco.

“No teníamos idea de la trascendencia de lo que estábamos haciendo”, recordó el ingeniero de grabación Geoff Emerick. “Todo parecía bastante divertido por una buena causa en ese momento, pero lo que creamos esa tarde fue en realidad el precursor de la música impulsada por el ritmo y los loops de hoy”.

“La etérea voz de John (alimentada por su micrófono a través de un altavoz Leslie giratorio) y los innovadores bucles de cinta de Paul convergen con el atronador patrón de batería de Ringo, el zumbido de la tamboura de George y un solo de guitarra al revés”, explica un texto en las redes de la banda.

En una entrevista con el medio NME en junio de 1966, Paul McCartney explicó el origen de la canción un mes antes de que se lance Revolver: “La hicimos porque, por mi parte, estoy harto de hacer sonidos que la gente puede afirmar haber escuchado antes“, explicó.

The Beatles – Tomorrow Never Knows (Take 1 / Audio)

Imagen de portada:The Beatles. Foto: © Apple Corps Ltd / Facebook de The Beatles.

FUENTE RESPONSABLE: INDIEHOY. Por Lucas Santomero.

Sociedad y Cultura/Música/The Beatles/Revolver.

John Lennon dio el primer paso de la contracultura pidiéndole a la Reina Isabel II que «sacudiera sus joyas».

Con todo lo que está ocurriendo tras la muerte de la Reina Isabell II nos hemos acordado de uno de los momentos más trascendentes de los Beatles.

Fue en el año 1963 cuando John Lennon, al frente de los Beatles, se encargó de decir estas palabras que chocaron al mundo entero. Este recuerdo ha caído en nuestras cabezas ya que con todos los actos que está habiendo en Reino Unido en memoria de la Reina Isabel II, hemos recordado la presentación del cuarteto de Liverpool ante su majestad en el Prince of Wales Theatre de Londres. Todo apuntaba a un simple concierto ante la reina, pero traspasó todos los límites de la imaginación.

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John Lennon – El resto puede agitar sus joyas.wmv

Con todo el protocolo inglés que estamos viendo estos días, ya no a nivel de las islas sino a escala mundial, esto es algo impensable. Pero los Beatles lo hicieron, como tantas cosas. Fue durante la noche del 4 de noviembre, día en el que se celebrara la Royal Variety Performance, y Brian Epstein ha contado en varias ocasiones que no estaba tranquilo ya que podía «ocurrir algo». Y ocurrió.

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The Beatles – Twist And Shout ( subtitulado )

“Para nuestro último número, les quiero pedir su ayuda. ¿Podría la gente de los asientos más baratos, aplaudir?Y el resto de Ustedes, solo sacudan sus joyas” dijo John. ¿Para quién podía ir esto? Para la Reina Isabel II de Inglaterra, nada más y nada menos. Fue una frase que quedará para la historia porque nadie se había atrevido nunca a decir algo parecido en frente de un público de tal calibre. Llámalo atrevimiento, llámalo crítica social, llámalo como quieras, pero así fue.

En 1963, cuando The Beatles comenzaba a posicionarse como una de las bandas más importantes de Inglaterra y de la historia mundial, fueron invitados a un show en honor a la Reina Isabel II .

La reina se río porque el carisma de los Beatles era tan grande que quedó hasta amigable, pero no me quiero imaginar la reacción si hubieran sido los Rolling Stones, por ejemplo.

Imagen de portada: The Beatles (Archivo)

FUENTE RESPONSABLE: ROCK FM 21 de septiembre 2022.

Sociedad y Cultura/Música/Historia/The Beatles/Reina Isabel II

Quien es quien en la portada del Sgt. Pepper s Lonely Hearts Club Band.

Se trata sin duda de la carátula discográfica mas celebre de la historia. Cuando apareció, en 1967, causo un gran revuelo, debido a su propuesta visual, al mismo tiempo arriesgada, propositiva, provocadora, altamente lúdica.

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Fue y sigue siendo la portada insignia de la época psicodélica. Muchos se inspiraron en ella, muchos la imitaron descaradamente, muchos la parodiaron dede Franck Zappa y Los Simpson. Porque el Sgt. Pepper s Lonely Hearts Club Band no fue solamente un álbum musicalmente revolucionario, sino una propuesta artística total.

Esta celebre portada fue diseñada por el artista plástico Peter Blake y contiene un collage con las imágenes de una setentena de personajes de las mas diversas épocas entre ellos Marilyn Monroe, el Gordo Y el Flaco, Edgar Allan Poe, Stuart Sutcliffe y Marlon Brando , mas una cantidad de detalles que la hacen reveladora y muy divertido de contemplar.

Asimismo, por primera vez en la historia de la música discográfica, en la contraportada se imprimieron las letras de las canciones y el empaque se abría para mostrar una foto enorme del cuarteto. Parecía hecha para un álbum doble y así lo era, solo que cuando Los Beatles se dieron cuenta de que el material musical no daba para mas que para un LP, la portada ya había sido aprobada y enviada a la imprenta.

Uno de los mas grandes problemas fue el de lograr la aprobación por escrito de quienes aparecían en la cara del Sgt. Pepper s Lonely Hearts Club Band  o de sus parientes y representantes en el caso de que hubiesen fallecido . Así Mae West estuvo a punto de negarse, al alegar que ella no podía estar en un club de corazones solitarios, lo que hizo que los propios Beatles le enviaran una carta personal que al fin la convenció.

Por su parte, el hoy olvidado actor Leo Gorcey exigió que le pagaran por aparecer y fue necesario borrarlo de la portada ya impresa, lo mismo que Mahatma Gandhi, a quien se quito por decisión de EMI, pues la compañía temió las protestas del pueblo hindú. John Lennon había sugerido la inclusión de las efigies de Jesucristo y Adolfo Hitler, pero la idea no se aprobó para evitar mas polémicas de las que el grupo de por si despertaba a cada instante hacia menos de un año de la famosa frase somos mas populares que Cristo.

La sesión discográfica para la portada con las imágenes de cartón en tamaño natural de los personajes, mas las figuras en cera de los antiguos Beatles y ellos mismos en persona, enfundados en coloridos trajes de corte militar festivo como los miembros de la Banda del Club de los Corazones Solitarios del Sargento Pimienta tuvo lugar el 30 de Marzo de 1967 en el estudio del fotógrafo Michael Cooper  en Chelsea, Londres y el trabajo no se llevo mas de tres horas, incluidas las fotos de en medio y de la contraportada.

Otros detalles notorios de la pasta del álbum son la guitarra de jacintos, hecha a ultima hora por un florista voluntario, y la muñeca con el suéter que reza Bienvenidos los Rolling Stones cortesía que seria devuelta a Los Beatles en la carátula del disco Their Satanic Majesties Request con las caras de los cuatro semiocultas entre las flores.

Quien es quien en la portada del Sgt. Pepper s Lonely Hearts Club Band
Quien es quien en la portada del Sgt. Pepper s Lonely Hearts Club Band

Imagen de portada: Carátula de Sgt. Pepper s Lonely Hearts Club Band.

FUENTE RESPONSABLE: Beatles por siempre.

Sociedad y Cultura/Música/Historia/The Beatles

The Beatles: Las canciones más odiadas por John Lennon.

Repasamos un listado con todos los tracks que el músico reconoció detestar.

John Lennon

John Lennon.

Tras la separación de The Beatles, John Lennon se convirtió en uno de los máximos voceros en contra de algunas creaciones de sus años como parte de los Fab Four. Tal es así que en diversas oportunidades el músico de Liverpool expresó su disgusto para con canciones que él mismo escribió y cantó junto a Paul McCartney, Ringo Starr y George Harrison.

En esta oportunidad, nos hacemos eco de un artículo de Far Out Magazine para contarte cuáles fueron aquellos tracks de los Beatles que John reconoció “odiar”.

“I’ll Get You” (1963)

En 1980, Lennon le dijo a David Sheff: “Éramos Paul y yo tratando de escribir una canción… y no funcionó“.

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I’ll Get You (Remastered 2009)

“It Won’t Be Long” (1963)

‘It Won’t Be Long’ es mío. Fue mi intento de escribir otro sencillo”, recordó Lennon en 1980. “Nunca lo logré. Ese fue el que el tipo en el London Times escribió sobre las ‘cadencias eólicas de los acordes’, lo que inició toda la parte intelectual sobre los Beatles”.

It Won’t Be Long (Remastered 2009)

“Hold Me Tight” (1963)

“Esa era de Paul. Tal vez puse algunos pedacitos ahí, no recuerdo”, le dijo Lennon a David Sheff en 1980. “Era una canción bastante pobre y nunca estuve realmente interesado en ella de ninguna manera”.

Hold Me Tight (Remastered 2009)

“I Should Have Known Better” (1964)

Para Lennon, en la época de A Hard Day’s Night él cayó en el mismo viejo patrón de escribir tantas canciones como sea posible. De hecho, sobre este track dijo: “Es solo una canción, no significa nada”.

I Should Have Known Better (Remastered 2009)

“Eight Days A Week” (1964)

Este nunca fue un buen tema”, afirmó el líder de los Beatles. “Luchamos por grabarla y por convertirla en una canción. Fue su esfuerzo inicial, pero creo que [Paul y yo] trabajamos en ello. No estoy seguro. Pero de todos modos fue pésimo”.

The Beatles – Eight Days A Week

“It’s Only Love” (1965)

“‘It’s Only Love’ es mía”, recordó Lennon. “Siempre pensé que era una canción pésima. La letra era abismal. Siempre la odié”.

The Beatles – It’s Only Love

“Yesterday” (1965)

La letra no se resuelve en ningún sentido, son buenas líneas que ciertamente funcionan, pero si lees toda la canción, no dice nada, no sabes lo que pasó. Ella se fue y él desearía que fuera ayer, eso es todo, pero en realidad no se resuelve”, dijo el cantautor, quien agregó: “He recibido tantos elogios por ‘Yesterday’. Esa es la canción de Paul, su bebé”.

The Beatles – Yesterday

“Run For Your Life” (1965)

“Tiene una línea de una vieja canción de Presley. ‘Prefiero verte muerta, niña, a que estés con otro hombre’ es una frase de un viejo track de blues que Presley hizo una vez. Una especie de canción mía descartable en la que nunca pensé mucho… pero siempre fue una de las favoritas de George“.

Run For Your Life (Remastered 2009)

“And Your Bird Can Sing” (1966)

En 1972, Lennon se distanció del tema y lo llamó “otro horror”, un sentimiento que reafirmó en 1980, llamándolo “otro de mis descartes”.

And Your Bird Can Sing (Remastered 2009)

“When I’m Sixty Four” (1967)

“Nunca soñaría con escribir una canción como esa“, dijo Lennon. “Hay algunas cosas en las que nunca pienso, y esa es una de ellas”.

When I’m Sixty Four (Remastered 2009)

“Lovely Rita” (1967)

“Ese fue Paul escribiendo una canción pop”, recordó Lennon en 1980. “Él las inventa como un novelista. Ahora escuchas muchos temas influenciados por McCartney en la radio. Estas historias sobre gente aburrida que hace cosas aburridas: ser carteros y secretarias y escribir en casa. No estoy interesado en escribir canciones de terceros. Me gusta escribir sobre mí, porque me conozco.

Lovely Rita (Remastered 2009)

“Lucy In The Sky With Diamonds” (1967)

“Escuché ‘Lucy in the Sky With Diamonds’ anoche. Es abismal, ¿no?” Lennon dijo en 1980. “La pista es simplemente terrible. Quiero decir, es una gran pista, una gran canción, pero no se hizo bien“.

The Beatles – Lucy In The Sky With Diamonds (Take 1 / Audio)

“Good Morning, Good Morning” (1967)

Siempre pensé que es un desecho, un pedazo de basura“, dijo alguna vez el crítico Lennon. “Siempre tenía la televisión muy baja de fondo cuando estaba escribiendo, y se encendió, y luego escribí ese tema”.

Good Morning Good Morning (Remastered 2009)

“Hello, Goodbye” (1967)

Ese es otro track de McCartney. Un intento de escribir un single. No fue una gran pieza”, le dijo Lennon a Sheff. “Lo mejor fue al final, que todos improvisamos en el estudio, donde toqué el piano. Como ‘Ticket To Ride’, donde simplemente agregamos algo al final”.

The Beatles – Hello, Goodbye

“Lady Madonna” (1967)

Aunque Lennon admitió que la canción tenía una gran parte de piano, más tarde dijo que “realmente nunca fue a ninguna parte”.

The Beatles – Lady Madonna

“Ob-La-Di, Ob-La-Da” (1968)

El ingeniero de sonido, Geoff Emerick, fue quien reveló los verdaderos pensamientos de Lennon sobre la pista, y luego afirmó que John “detestaba abierta y vocalmente” el track, al cual llamó “más de la ‘mierda musical de la abuela’ de Paul”.

Ob-La-Di, Ob-La-Da (Remastered 2009)

“Birthday” (1968)

“‘Birthday’ fue escrita en el estudio, en el acto creo que Paul quería escribir una canción como ‘Happy Birthday Baby’, el viejo éxito de los años 50. Pero fue inventado en el estudio. Era un pedazo de basura”, admitió.

The Beatles – Birthday

“Rocky Raccoon” (1968)

“Vi a Bob Hope tocando este tema una vez en la televisión hace años. Solo agradecí a Dios que no fuera uno de los míos”.

Rocky Raccoon (Remastered 2009)

“Cry Baby Cry” (1968)

En 1980, Lennon simplemente se refirió a este track como “un pedazo de basura“.

Cry Baby Cry (Remastered 2009)

“Maxwell’s Silver Hammer” (1969)

La odiaba”, le dijo John a David Sheff para Playboy en 1980. “Todo lo que recuerdo es la canción: [McCartney] nos hizo tocarla cien millones de veces. Hizo todo lo posible para convertirlo en un sencillo y nunca lo fue, ni tampoco podría haberlo sido. Pero [Paul] le puso licks de guitarra y tenía a alguien golpeando piezas de hierro. Gastamos más dinero en ese track que en todo el álbum”.

Maxwell’s Silver Hammer (Remastered 2009)

“Mean Mr Mustard” (1969)

Lennon le dijo a David Sheff que “Mean Mr. Mustard” era “un poco de basura que escribí en la India. Había leído en alguna parte del periódico sobre este tipo malvado que escondía billetes de cinco libras, no en su nariz sino en otro lugar”, reconoció.

Mean Mr Mustard (Remastered 2009)

“Sun King” (1969)

En 1980 John describió a esta pista como “un pedazo de basura que tenía“.

Sun King (Remastered 2009)

“Dig A Pony” (1970)

Al igual que tantas otras canciones en esta lista, “Dig A Pony” fue recordada como “otro pedazo de chatarra” que él y los suyos crearon.

Dig A Pony (Remastered 2009)

Imagen de portada: John Lennon

FUENTE RESPONSABLE: INDIEHOY. Por Maximiliano Rivarola. 11 de septiembre 2022.

Sociedad y Cultura/Música/The Beatles/John Lennon.

The Beatles: La canción que tiene una frase ideada por la madre de George Harrison.

Conocé qué tema de The White Album contó con el aporte de Louise French.

Aunque en un principio John Lennon y Paul McCartney eran casi exclusivamente los escritores de las canciones de los Beatles, con el correr del tiempo tanto Ringo Starr como George Harrison fueron ganando terreno en este asunto. Entre todos los temas que Harrison escribió para los Fab Four, hay uno de ellos que destaca por un motivo muy especial y personal para el violero: una de sus frases fue ideada por la madre del guitarrista, Louise French.

El track del que estamos hablando no es otro que “Piggies”, canción que el músico británico escribió en 1966, pero que no vio la luz hasta el 22 de noviembre de 1968, fecha en la que el legendario cuarteto de Liverpool editó el denominado The White Album. Según comenta Far Out Magazine, en “Piggies” el guitarrista “deja ver parte del ingenio notoriamente ácido de Lennon, ya que tentó a Harrison para que incitara directamente al establecimiento político”.

George Harrison.

“Como líder de facto de la banda, Lennon convenció a Harrison para que agregara los nombres de Harold Wilson y Edward Heath, los líderes del Partido Laborista y del Partido Conservador, respectivamente, y el dúo se convirtió en las primeras personas reales en ser nombradas en una canción de los Fab Four”, afirma el citado medio.

“‘Piggies’ es un comentario social”, recordó Harrison. “Estaba atascado en una línea en el medio hasta que a mi madre se le ocurrió la letra: ‘What they need is a damn good whacking’ (‘Lo que necesitan es una muy buena paliza’). ¡Tenía que rimar con ‘backing’, ‘lacking’, y que no tuviera absolutamente nada que ver con policías estadounidenses o promiscuos californianos!”.

Pincha el siguiente link si deseas escuchar la canción.

Piggies (Remastered 2009)

Imagen de portada: George Harrison

FUENTE RESPONSABLE: INDIEHOY. Por Maximiliano Rivarola.

Sociedad y Cultura/Música/The Beatles/George Harrison.

The Beatles: La canción escrita por Paul McCartney que fue inspirada en un poema.

Incluida en Abbey Road, esta canción comenzó a tomar forma a partir de una partitura que McCartney recibió de su hermanastra y que incluía un poema de Thomas Dekker.

En sus pocos pero prolíficos años juntos, los Beatles crearon y grabaron decenas de canciones, las cuales tuvieron diversas inspiraciones detrás. En el caso de “Golden Slumbers”, lo que condujo a Paul McCartney a escribir el track que formó parte de Abbey Road fue una partitura que recibió de su hermanastra en la que estaba incluido el poema “Cradle Song” de Thomas Dekker, de su obra Patient Grissel, la cual fue impresa por primera vez en 1603.

Según recuerda Far Out Magazine, en el libro de 1997, Paul McCartney: Many Years From Now, el ex Beatles comentó el escrito de Dekker: “Pensé que era muy relajante, una pista de cuna muy hermosa, pero no podía leer la melodía ni la música. Simplemente tomé las palabras y escribí mi propia música. No sabía en ese momento que tenía cuatrocientos años”. 

Además, confesó que le “gustaron tanto las palabras” que quiso incorporarlas a su propia pista. “Recuerdo que traté de poner una voz muy fuerte, porque era un track muy suave, así que trabajé en la fuerza de la voz y terminé bastante satisfecho con él”, señaló.

El resultado final de los esfuerzos de McCartney es un tema cuya letra tiene ligeras alteraciones a las palabras de Dekker, pero en el que se puede apreciar la base del poema. Por otro lado, cabe recordar que “Golden Slumbers” era una de las canciones de Abbey Road favoritas de George Harrison, quien describió el disco como “bastante bueno”: “Me gustan, no sé, me gustan muchos [temas]. Me gusta ‘You Never Give Me Your Money’ y ‘Golden Slumbers’, esas cosas”, reconoció el fallecido guitarrista británico.

Pincha el siguiente link para escuchar el tema.

Golden Slumbers (Remastered 2009)

Imagen de portada: Paul McCartney

FUENTE RESPONSABLE: INDIEHOY. Por Maximiliano Rivarola. 17 de septiembre 2022.

Sociedad y Cultura/Música/The Beatles/Paul McCartney